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Exposición Pintura

Geometría de Elena Asins hermana a Madrid y Guadalajara

La pasión y la sensibilidad del arte geométrico de la artista española Elena Asins (1940-2015) son parte de una retrospectiva celebrada en el marco de las actividades de Madrid como invitada de honor a la mexicana Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara.

La muestra, titulada Fragmentos de la memoria II, es producto de la colaboración entre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, con sede en Madrid; el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (Musa) y el Ayuntamiento de Madrid, y reúne 90 obras que suman 280 piezas en total que se exhiben por primera vez en Latinoamérica.

La exposición tiene su antecedente en la gran retrospectiva que el Museo Reina Sofía hizo a la artista en 2011, en la que se presentó una buena parte de su obra. Para esta ocasión se complementó con una selección de 40 piezas del legado que el Museo heredó tras su muerte, explicó Carmen Fernández Aparicio, una de las curadoras, antes de la inauguración.

El blanco y negro y algunos matices de grises inundan las salas del Museo de las Artes, una paleta que Asins prefería por sobre los colores más vivos, que sin embargo están presentes en algunas piezas de su trabajo más temprano.

Todas las imágenes son © Museo Reino Sofía

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Exposición Ilustración

Ciler sentencia que el «autor ha muerto»

La práctica de Ciler implica la desfiguración y la manipulación de imágenes existentes con una oscura intención arqueológica, con el fin de desenterrar un sustrato emocional. A través del collage, el dibujo, la pintura e instalaciones, retuerce las imágenes halladas para posicionarlas como glosas viscerales sobre la muerte, la violencia, la belleza y el entorno construido.

En su más reciente exposición, El autor ha muerto, que se presentará en la Maia Contemporary Gallery, se apropia de obras clásicas a través de Internet, ese entramado de unos y ceros que además de descontextualizar las imágenes es propenso a corromperlas con errores o fallos (glitches).

Ciler usurpa imágenes abiertas al público para regresarlas a su estado físico, imprimiéndolas e interviniéndolas, deconstruyéndolas y volviéndolas a pintar, dando como resultado una pieza a la espera de ser reapropiada por alguien más.

«Una obra está formada por escrituras múltiples, decía Roland Barthes, procedentes de varias culturas y que, unas con otras, establecen un diálogo, una parodia, un cuestionamiento, pero existe un lugar en el que se recoge toda esa multiplicidad, y ese lugar no es el autor, como hasta hoy se ha dicho, sino el espectador, que finalmente es quien termina de darle sentido a las obras ahora «fuera y «ajenas a su autor», se describe en la ficha de la exposición.

Todas las imágenes son © Alexis Mata

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Cine Exposición

Influencia de Disney en México explorada en la Cineteca Nacional

Con el objetivo de dar a conocer los momentos históricos e influencias que han marcado la relación de Walt Disney y Pixar Animation Studios con México, la Cineteca Nacional exhibirá una selección de piezas y trabajos únicos en un viaje espectacular a través del arte, la música y el cine.

A través de una museografía excepcional, se apreciarán dos maravillosas exposiciones que introducirán al público en el proceso creativo del cine y su impacto en la cultura popular: México y Walt Disney: Un encuentro mágico y El Arte de Coco, que permanecerá abierta para el público hasta el 7 de enero del 2018.

México y Walt Disney: Un encuentro mágico destaca la relación entre Walt Disney y la manera en la que sus viajes a México impactaron en su obra. Cubre el periodo histórico de 1937 a 1966, exponiendo la carrera ascendente de Walt Disney, incluyendo su visita a México en 1943 como Embajador de Buena Voluntad, así como el arte que se desprendió de esa jornada para la cinta Los tres caballeros. Se expondrá una mirada al talento de doblaje de nuestro país y al vínculo entre Disney y la música de Cri-Cri. Se le rendirá también homenaje al escenógrafo morelense Emile Kuri, decorador de cabecera de los estudios Disney, y se exhibirán las pinturas originales de Mary Blair, la prominente artista detrás de los diseños de Peter Pan, Alicia en el País de las Maravillas y Cenicienta.

Por su parte, la nueva entrega de Pixar Animation Studios, COCO (Estados Unidos, 2017) tiene su propia exhibición: El Arte de Coco, que muestra el viaje que realizaron los cineastas al país, su investigación, las influencias de la cultura mexicana y sus tradiciones, por más de cinco años, para el desarrollo y producción de la película.

El director de COCO, Lee Unkrich, el co-director y escritor Adrian Molina, la productora Darla K. Anderson, y su fantástico equipo de producción, hicieron múltiples visitas a México para examinar cómo se llevan a cabo y se transmiten las tradiciones del Día de Muertos. Los mundos de COCO, tanto la Tierra de los Vivos, el pueblo de Miguel, aspirante a músico y guitarrista autodidacta que sueña con seguir los pasos de su ídolo, Ernesto de la Cruz, como la espectacular Tierra de los Muertos, están llenos de detalles y emociones de esas visitas. Fue muy importante para el equipo de COCO crear un ambiente y una historia, no solamente hermosa, sino también respetuosa y fiel a las tradiciones mexicanas y a esta emotiva celebración.

En El Arte de Coco se presentarán las obras de la producción de la película, fotografías, maquetas y piezas digitales, elementos clave para el proceso de animación de esta película. Esta exposición ha sido creada y curada por el equipo de Pixar Animation Studios.

Todas las imágenes son © Cineteca Nacional

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Exposición Pintura

Macabro arte de Michael Hussar en Last Rites Gallery

Apreciar el trabajo de Michael Hussar resulta en algo incómodo, ya que muestra otro tipo de estética más cercana a lo macabro, una variedad de personajes que resultan terroríficos pero imposibles de dejar de observar.

Sus retratos de mujeres han logrado atraer la atención de Last Rites Gallery, que presentará L. A. WOMAN, una exposición individual que presenta obras del pintor con la intenciónde brindarle un punto de atención en el que brillarán sus provocativas obras.

El propio Hussar describe su obra como “una vouyerista percepción de la humanidad, con monstruos y falsedad, una maravilla gótica que ilumina el área gris entre verdades y mentiras.”

En lugar de lienzo, Hussar prefiere trabajar sobre paneles de madera para crear pinturas. De acuerdo con Hussar, a diferencia de una técnica de mezcla de superficie. También prefiere trabajar desde el valor oscuro, a la luz, centrándose en la atmósfera antes de pasar al detalle. Muchas de sus piezas más conocidas, comprenden la mayoría de los trabajos en blanco con toques de rojo.

Todas las imágenes son © Michael Hussar

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Exposición

Exposición mostrará lo mejor del nuevo barroco

The New Baroque será una muestra grupal comisariada por Rob Zeller y Casey Gleghorn que se inaugurará el 18 de noviembre en Booth Gallery, en Nueva York, que presenta una asombrosa culminación de las obras de 22 de los artistas figurativos contemporáneos más talentosos que trabajan actualmente.

La exposición se inspiró en el nuevo libro de Zeller sobre el resurgimiento de la figura del arte, The Figurative Artist’s Handbook. Al igual que el período barroco, la gran variedad de artistas en esta exposición habla de las preocupaciones artísticas, personales y formales contemporáneas utilizando un lenguaje común y figurado en estilos únicos personales.

Si bien el libro se usó como punto de partida, el director de la galería de Booth y Zeller, Casey Gleghorn, ha ido más allá del alcance del texto impreso. Han agregado algunos artistas no incluidos en la impresión original, tanto pintores como escultores, para reflejar un espectro más amplio de voces nuevas y emocionantes en el movimiento figurativo.

Los artistas que participan en la exposición son: Steven Assael, Bo Bartlett, Aleah Chapin, Carl Dobsky, Randall Exon, Zoey Frank, Alex Kanevsky, David Kassan, Kurt Kauper, Evan Kitson, Maria Kreyn, Brad Kunkle, Christian Johnson, Adam Miller, Matthew Miller, Alyssa Monks, Odd Nerdrum , Ashley Oubre, Camie Salaz, Chie Shimizu, Nicola Verlato y Rob Zeller.

Bo Bartlett

Brad Kunkle

Camie Salaz

Maria Kreyn

Chie Shimizu

Christian Johnson

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DISEÑO Exposición

La revolució és una ficció, la ficció és una revolució llega a Espacio Cultural EINA

El próximo 2 de noviembre se inaugura La revolució és una ficció, la ficció és una revolució, propuesta de Joan M. Minguet.

La exposición está presidida por una gran cantidad de imágenes y de textos que dialogan en torno a estos dos enunciados. Desde el anonimato. No hay repisas que identifiquen autorías. Y desde un espacio no institucional de la cultura en sentido estricto, un espacio docente, básicamente

Se trata de un proyecto colectivo donde se pretende hacer un ensayo en el marco de una exposición (¿es esto posible?) que muestra cómo la palabra y el concepto REVOLUCIÓN nos ha sido robado, lo usa todo el mundo y desde todas partes, y no siempre con el contenido de revuelta, de insumisión que la palabra y los hechos habían tenido.

La revolución se diluye, pero hay revolucionarios, gente con voluntad de transformar las cosas. ¿Quizás la FICCIÓN es un camino para hacernos más sublevados? ¿Tiene razón un cartel histórico cuando dice que «El arte es un arma de la revolución»?

La muestra permanecerá abierta hasta el 25 de noviembre y se puede visitar de lunes a viernes de 16h a 20h.

Inauguración: 2 de noviembre a las 19h

Lugar: Espacio Cultural EINA Barra de Ferro (Barra de Ferro, 2, Barcelona)

Duración: hasta el 25 de noviembre. De lunes a sábado, de 16h a 20h

Tipología: Actividad gratuita abierta a todos los públicos

Todas las imágenes son ©EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona

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Exposición Fotografía

Reflexiones de la figura femenina por Charles Hinojosa

En la actualidad parece que cada día hay menos tiempo para detenerse y pensar en nosotros mismos, conectarnos con nuestros cuerpos, como si nos olvidáramos de la piel que habitamos, estos elementos son los que busca debatir la fotógrafa Charles Hinojosa en Impasse.

La exposición, que se presentó en la galería de Arte Moderno Flux Z Chopin//Studio, y permanecerá hasta el 16 de noviembre de 2017, es una invitación a darse un tiempo de pausa y de reflexión para decantar un contexto de globalización, en donde la proliferación de imágenes es delirante.

En esta suerte de caos perceptual, Charles Hinojosa traza con brújula una constelación personalizada, a través de un Impasse de asimilación y silencio.

La mujer, en este marco, es vista por fuera, por dentro, por ella misma; se revela y se rebela, re- significando su sentido ontológico. Un revival, o recuperación sígnica del pasado, la imagen femenina se recupera en la posmodernidad.

«Se trata de trasgredir los lenguajes entre si, trabajar en ellos para buscar una nueva sintaxis de la forma.
Antes la mujer era solo mirada por el hombre. Pero los símbolos del amor y la fertilidad ya no pueden ser representados de la misma manera. En el marco de la vida contemporánea el cuerpo de mujer se lee de otra manera, se empodera, se fragmenta a veces se desintegra, para renacer de sus cenizas», expresó Hinojosa con relación a su primer trabajo fotográfico.

Pero, frente a este frenesí de imaginarios… ¿Qué nos dicen los desnudos desafiantes, a veces hieráticos de Charles Hinojosa?, ¿Qué nos dicen estos cuerpos femeninos escultóricos y rígidos que buscan salir de encuadres? ¿Una explosión? ¿Una implosión? ¿Hacia dónde? -se pregunta la directora general de Flux Z Chopin//Studio Delmari Romero Keith.

Bajo esta mirada, ¿Qué cuestionan estos seres, a veces, crudos a veces disolutos? de esta semio-nauta que navega a través del tiempo? Y si el arte es una entrevista infinita con las formas y ese diálogo es una negociación perpetua que deriva en motor creativo, «¿Qué nos dicen hoy, estas mujeres?, ¿Qué elementos retoma de sus referentes como Abaporu de Tarsila do Amaral, o algunos ecos de Tina Modotti?», continua Romero Keith.

Desde la perspectiva de la directora general de Flux Z Chopin//Studio, el desnudo femenino -tema recurrente en la historia del arte-, se recupera en el Renacimiento como símbolo de plenitud y energía; tiene posturas y facciones en los desnudos de Charles Hinojosa que se acercan más al ideal de guerreras que resisten los estereotipos, como si hubiera filmado la misma realidad cambiando el ángulo de la cámara.

Los postulados estéticos de Hinojosa –explica Delmari Romero Keith-, nacen de esa contemplación con la historia del arte. Conoce los códigos y herramientas del quehacer contemporáneo. Así, en este aprendizaje pareciera que la fotógrafa se da un Impasse de introspección y de reserva para contenerse y generar distancia. El arte es esa mirada identitaria de la distancia.

Desde una perspectiva más rica y compleja que la simple denuncia del acto de poder, quizá la joven artista pretende imaginar que aún es posible innovar la realidad, así al plasmarla, la transforma. Hoy día, entre muchas posiciones, se define la obra de arte no tanto como objeto, sino como acontecimiento, como un momento de epifanía y de transformación ontológica, como un instrumento de vinculación con la cultura: el arte, retoma su origen como lenguaje y evolución transformadora.

Todas las imágenes son © Charles Hinojosa

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Arte Contemporáneo Exposición

Un elogio a la locura por Pedro Friedeberg

Inspirado por el ensayo El Elogio de la Locura, considerado como una de las obras más influyentes de la literatura occidental, catalizadora de la reforma protestante en el s. XVI, Pedro Friedeberg produce una serie de obras que conforman una traducción visual al texto.

En esta serie, el artista presenta una secuencia de imágenes con un ritmo cinemático y lúdico. Sus imágenes denotan una suspensión del movimiento que ubica a la problemática moral planteada por Erasmo de Rotterdam en un contexto sociocultural actual.

Erasmo realiza una original crítica a la heráldica, el egoísmo, la “sangre azul” y las pretensiones de la genealogía como una forma de locura que todos admiran. Friedeberg suma a esta locura atemporal, la crítica a la moralidad distorsionada por los avances tecnológicos, la omnipresencia cotidiana de las telecomunicaciones, el crecimiento económico lineal, el deterioro ambiental  y la adopción descontextualizada de los sistemas espirituales asiáticos como formas de exacerbación de la locura.

Además como parte de la exposición de esta serie de 40 piezas resultado del acercamiento estético de Pedro Friedeberg al texto de Erasmo de Rotterdam, MAIA en colaboración con el reconocido estudio de tatuajes «estudio 186» presenta tattoo shop de Pedro Friedeberg, en el que elementos y personajes presentes en la obra del artista serán traducidas del papel a la piel. El catálogo de imágenes para ser tatuadas incluye personajes surrealistas, elementos geométricos y abstracciones recurrentes en la obra del artista. Cada tatuaje será único e irrepetible y podrá ser adquirido y certificado por el artista a lo largo de la exposición.

Todas las imágenes son © Maia Contemporary

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Exposición Ilustración

Imaginario del pulque explorado por Mayra León

Cada bebida alcohólica del mundo tiene sus mitos e historias fantásticas que giran en torno a su creación, por eso no es de extrañar que los creativos las tomen como tema central de sus obras.

Lo anterior es el punto de partida para Mayra León, quien en Elíxir desarrolla una serie de ilustraciones que giran en torno al pulque, esa bebida ancestral y que está relacionada a los dioses del antiguo México.

Mayra describe su trabajo «como conjunto de dibujos que conforman mi más reciente libro de artista, que trata sobre una mítica versión sobre la creación del pulque. Yo no quería hacer una apología sobre la embriaguez, sino proponer una mirada personal hacia un elemento tradicional de la cultura mexicana; así, ya en lo rural como en lo urbano, desarrollo estas imágenes que cuentan una historia como hilo principal, y otra casi clandestina, encubierta: una historia de amor. A estas imágenes la sigue una serie de pinturas que acompañan al pulque, y al imaginario que sobre el permea en nuestro pueblo».

Respecto a su proyecto, comparte que un libro de artista «es un soporte –como el lienzo al pintor, o el barro al ceramista- donde el pasar de las hojas y la manipulación del objeto son una de sus características principales, pero no es un libro en el sentido tradicional, sino una propuesta del artista para expresar por este medio su discurso. Yo lo encuentro excelente para difundir mi trabajo entre un público más amplio; por eso desde hace cuatro años hago y hacemos –en lo personal y en lo colectivo- libros de artista en el taller que nombramos “Amoxcalli”, voz náhuatl que significa “casa del libro”, que era como los antiguos mexicanos llamaban a sus bibliotecas, donde resguardaban sus libros (que ahor5a conocemos como códices).


Todas las imágenes son © Mayra León

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Exposición Pintura

Discursos de la piel llegan al Munal

El Museo Nacional de Arte (Munal) presenta la exposición Discursos de la piel, que muestra al visitante las contribuciones que Felipe Santiago Gutiérrez realizó al desarrollo de la pintura decimonónica en México.

Santiago Gutiérrez fue quien logró el primer desnudo total femenino realizado en Colombia y México. Con lo cual tradujo a la pintura el lenguaje literario metafórico del cuerpo femenino. De acuerdo con el Munal los visitantes reconocerán las diversas facetas estéticas del artista y su incursión en varios géneros pictóricos. Así como los viajes que realizó a distintas regiones de Europa.

Bajo la curaduría de Víctor Rodríguez Rangel y conformada por alrededor de 110 obras, Discursos de la piel explora las diversas etapas creativas del pintor texcocano y, junto con piezas de 31 artistas de la talla de Camille Corot, Franz Xaver Winterhalter, Jean-Joseph Benjamin-Constant, Pelegrín Clavé, Federico de Madrazo y Kuntz, Édouard Dantan y Juan Cordero, revalora a uno de los creadores más insignes de la escena mexicana.

Dividida en cuatro núcleos temáticos, esta muestra no solo revela las aportaciones de la obra de Gutiérrez a la consolidación de un estilo artístico nacional, sino también su importancia para la sedimentación de una escuela de pintura moderna en Colombia.

Las naturalezas del cuerpo en la academia, primer apartado de la exposición, ahonda en el estilo artístico predominante en la Academia de San Carlos durante los años en los que Gutiérrez fue alumno. Las obras de diferentes géneros pictóricos realizadas por él y otros creadores dan cuenta del cambio entre el estilo pictórico realista y el claroscuro, así como las transformaciones en el tratamiento del dibujo de la piel y el cuerpo. Sobresalen La caída de los ángeles rebeldes (1850) y San Bartolomé (s. f.) de Gutiérrez.

En Decoro y lujo. El retrato, segunda sección de la muestra, se presenta un conjunto de retratos que Gutiérrez realizó de personajes destacados y funcionarios. Son efigies trazadas en diferentes formatos que permiten testificar las aptitudes artísticas de su progresivo refinamiento como fisonomista. En este espacio, dichos retratos y los realizados por Winterhalter y Madrazo dialogan con los de Clavé, profesor de Gutiérrez.

En el tercer núcleo de la exhibición, Impresiones de viaje, se ilustran las vivencias e influencias artísticas que cosechó Gutiérrez a lo largo de los 20 años que recorrió Norteamérica, Sudamérica y Europa. Muchacha italiana (ca. 1872) de Camille Corot y Retrato de mulata (1875) y Mendigo (ca. 1891) de Gutiérrez son algunas de las piezas que el público no se puede perder.

Finalmente, en Imaginarios del desnudo femenino, última sección de la exposición, se observa el desarrollo en el tratamiento del desnudo femenino y la transformación de la tradición iconográfica en las academias de arte durante el siglo XIX. Ejemplo de ello es La cazadora de los Andes (ca. 1891), pieza emblemática de Gutiérrez que se convirtió en uno de los referentes más importantes del desnudo femenino en México. En este apartado también sobresalen obras como Desnudo barroco (ca. 1920) de Germán Gedovius y Odalisca acostada (ca. 1870) de Jean-Joseph Benjamin-Constant.

Todas las imágenes son © Conaculta