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Cine Reseñas

Hustlers y lo femenino al control

En la película Hustlers (2019), de Lorene Scafaria, las mujeres toman el control, así de sencillo. El soundtrack desde las primeras escenas marca esto, así que vemos personajes que resultan incómodos, ya que ese trata de féminas que utilizan sus cuerpos para hacerse de la situación que les rodea.

Lo que plantea las película es un caso basado en la realidad. Un grupo de bailarinas exóticas ven una oportunidad para obtener dinero al estafar a hombres, al explotar su lujuria, lo que coloca al hombre en posiciones de víctima.

Las protagonistas de esta historia son Destiny (Constance Wu) y Ramona (Jennifer Lopez), quienes inician con todo el glamour de los clubes nocturnos en Nueva York, que era frecuentados por asociados de Wall Street.

Todo el lujo se termina con la crisis financiera del 2008, las risas se acabaron y había que volver a la realidad, toda esa ilusión de la burbuja financiera se rompe y vemos a estas mujeres teniendo que traspasar límites.

El cambio resulta interesante, ya que en muchas películas del tipo se ve desde los causante y no el que sufre el lado negativo de una mala economía. Este impasse presenta una oportunidad, que Ramona aprovecha para atacar a los hombres y robarles.

Poco a poco, vemos como la situación de las protagonistas otra vez comienza a ir bien. Aquí lo interesante es descubrir cómo es que se justifican, al comprarse el mito de Robin Hood y vengarse, ya que fueron los de la banca quienes provocaron la crisis.

La vida comienza a ir bien de nuevo, pero siempre se nos recuerda que finalmente cometen un crimen. Tan bien va, que se convierten en una pequeña organización de «emprendedoras. Una mafia. La culpa y el arrepentimiento viene de la Constance del presente, quien es la que relata todo lo sucedido, aquí la directora encontró un buen formato para contar la historia, sin tantas complicaciones, sólo un relato de lo que sucedió.

La visión de Constance es la que nos lleva por toda la película, que pasa de ser un personaje más inocente a tomar fuerza y revelarse a sus propias amigas, todo por la familia, una buena evolución y lógica, no hay finales épicos. Sólo una historia más.

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Por momentos, la película recuerda al Lobo de Wall Street no en lo fílmico, sí están mu lejos, pero en cuanto a la temática, incluso cómo este tipo de historias toman otras perspectivas al ser mujeres. Si bien existe el desenfreno, también está la familia y una camaradería más difícil de quebrantar, aunque el llamado de la sangre es más fuerte.

Una película que muestra, tal vez a propósito o no, que ciertas visiones y cuestiones que en la sociedad se han colocado pueden utilizarse para un beneficio. Aquí las mujeres utilizan el cuerpo como un medio para estafar el deseo de los hombres, sin detenerse a pensar en lo simbólico de esto. Y al mostrar al hombre como víctima e incluso ahí tiene su apartado y golpe de realidad para el espectador masculino, ya que a aquellos que denuncian no les creen o son minimizados.

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Música

Torreblanca tendrá un regreso triunfal en El Cantoral

El 30 de noviembre es el regreso del proyecto musical Torreblanca a los escenarios después del gran concierto del “pride” en el zócalo de la ciudad.

En la presentación en el Centro Cultural Roberto Cantoral, “El Cantoral”, Torreblanca ha invitado a abrir el concierto a Renee Goust, la cancionista fronteriza (nacida en Tucson, Arizona pero radicada durante su infancia en Nogales, Sonora), feminista interseccional, activista LGBTIQ+ y autora del hit viral La cumbia feminazi.

El concierto del próximo 30 de noviembre de Torreblanca será especial por varios motivos:

  • «El Cantoral» es uno de los foros nuevos más importantes de la ciudad; un recinto de vanguardia ubicado al sur de la Ciudad de México, con una arquitectura espectacular y la más alta calidad en audio e iluminación.

  • Y por la compañía de la artista y activista Renee Goust, quien armada por poco más que su guitarra y voz, es la invitada especial que engalanará la noche compartiendo una muestra de su inteligente y conmovedor material.

Torreblanca tuvo una primera encarnación de banda de rock-pop-alternativo-independiente-chilango-sateluca entre el 2007 y el 2016. Tras una pausa necesaria de un par de años, quedó claro que ahora tendría que mutar y ser un proyecto más íntimo y personal de Juan Manuel Torreblanca, sin embargo, su manera de hacer música siempre buscó la colaboración y nutrirse de aliados; y este próximo concierto no será la excepción.

El pasado 29 de junio de 2019 TORREBLANCA tocó en el Zócalo de la CDMX
como parte del festejo de la marcha del orgullo LGBTIQ+, ahí presentó por primera vez en vivo la canción Maricón acompañado por Pambo, Ophelia Pastrana y Alonso Arreola.

Juan Manuel Torreblanca también fue parte del cuarteto vocal ACARDENCHADOS que retomara la tradición del canto cardenche para combinarla con composiciones originales y arreglos contemporáneos. El cuarteto tuvo una vida intensa presentándose en lugares icónicos como el Lincoln Center de NY y el festival Celebrate Mexico Now. Esa experiencia inspiró profundamente a Juan Manuel Torreblanca y uno de los resultados fue que Amar mejor es una canción en la que es mucho más notoria la raíz de la música tradicional mexicana, desde aires de huapango jarocho y huasteco hasta la alegría y los violines del jarabe.

Los sencillos El candado (octubre de 2018), con su encanto tropical; Maricón (junio de 2019), en su coqueteo con la música disco; y ahora No puedo pedírtelo (agosto de 2019) con su regreso al sonido más rockero que algunos identificaban más con Torreblanca, han marcado la pauta del regreso del proyecto con un material absolutamente nuevo… Amar mejor llegará pronto para demostrar que todavía vienen más sorpresas en ritmos, estilo y sonoridad en este repertorio que se encamina ya a completar un nuevo disco.

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Literatura Reseñas

La importancia de las instantáneas

Mediante unas cuantas Polaroids, Valeria Luiselli presenta Desierto Sonoro (2019), tercera novela publicada por Sexto Piso, que representa una propuesta literaria sugerente y original que narra el viaje individual de una familia, así como el desplazamiento de los personajes que buscan llegar a ese núcleo primordial.

Experimentamos el tiempo de manera distinta. Nadie ha logrado captar realmente lo que sucede ni por qué. Tal vez es solo que sentimos la ausencia de futuro, porque el presente se ha vuelto demasiado abrumador y por tanto se nos ha hecho imposible imaginar un futuro. Y sin futuro, el tiempo se percibe nada más como una acumulación. Una acumulación de meses, días, desastres naturales, series de televisión, atentados terroristas, divorcios, migraciones masivas, cumpleaños, fotografías y amaneceres.

Las fotografías son la captura imprecisa de un momento preciso en donde a través de las imágenes somos capaces de documentar emociones, sueños, anhelos y también el tiempo presente, pasado, y en mayor medida el futuro de las persona u objetos acompaños de su historia y sus sombras, todo congelado en una imagen.

De forma literaria, las instantáneas son también historias o microhistorias  que al igual que todo ejercicio literario tiene su arco narrativo, su principio, el nudo y un desenlace. Las fotografías instantáneas son la convergencia de todos estos elementos y son también eso que no queda captado por el breve disparo de la cámara, es decir los sonidos propios de esos paisajes y las desfragmentación del tiempo mismo.

Poco después del comienzo del viaje supe que, aparte de mantener la cajuela limpia y ordenada, mi deber era también ir tomando fotos de todo lo importante. Las primeras fotos salieron blancas y me desesperé. Después estudie el manual y finalmente aprendí. Los profesionales tienen que trabajar así, y a eso se llama prueba y error. Pero durante un tiempo, después de que aprendí a tomar fotos, seguí sin saber que fotografiar. No estaba seguro de qué era importante y qué no. Al principio tomaba fotos de lo que fuera, sin ningún plan ni nada.

Desierto Sonoro no sólo es la documentación y reverberación de ecos e imágenes que se expanden y perduran el paso del tiempo, sino la convergencia de las historias de generaciones presentes, pasadas y futuras que se sumarán a las huellas y a los ecos permanentes de los horizontes infinitos.

Pero luego respiraste todo el aire que te rodeaba, se te inflo la panza como un globo, y gritaste, gritaste tu hermoso nombre, y tu nombre rebotó por todas partes, poderoso y total, a nuestro alrededor, Memphis.

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Gastronomía

Sabor hogareño destaca en La dictadura

En Santa Fe existen una gran variedad de lugares para comer, así que para destacar una buena opción resulta volver a lo básico, una oferta para los oficinistas, ésta es La Dictadura que también incluye a todos los que concurren en la zona, desde familias enteras, estudiantes, ejecutivos y curiosos que gustan de los antojitos mexicanos.

Se busca que los comensales disfruten el espacio con detalles de barro, macetas colgantes, colores vivos, en un ambiente con la mejor música y la atención que caracteriza al grupo al que pertenece A&B, quienes tienen también en la zona “Entre Fuegos” y “Piacevole”.

Su concepto home made ofrece platillos hechos al momento, el menú es muy sencillo, es comida que todos conocen, servida de inmediato pensando en quienes tienen solo una hora para comer, algunas opciones son: sopa de tortilla, sopa de fideo, consomé de pollo, consomé de res, flautas, gorditas, pambazos, sopes, pescaditos, ceviche, tortas de milanesa, tacos de arrachera y una gran variedad de postres donde destacan los buñuelos, churros y arroz con leche. Sea cual sea el platillo que elijas, el costo será de únicamente de $30.00 pesos.

Las aguas frescas son otra maravilla, las sirven en garrafones de 1 litro y los sabores son los clásicos de horchata, jamaica y limón con chia y cuestan también $30.00 pesitos. Puedes también disfrutar de micheladas, clamatos, margaritas y mojitos por únicamente $50.00 pesos.

“Te va a hacer recordar a la casa de tu abuela por su sazón, ambiente y servicio. Me inspiró la necesidad de la gente porque alrededor de Santa Fe no hay nada parecido a esto, no hay nadie que haya pensado en la gente de oficina, comúnmente buscan los puestos en la calle porque sale mucho más barato, pero están de pie entre calles, aquí se pueden venir a relajar con buen ambiente, en un lugar cómodo, agradable con buena música y al mismo precio”, comentó el chef Horacio Giner.

Por su parte Cony Cuadra, Directora de Imagen y Marketing de Grupo A&B, afirmó: “Creamos La Dictadura como un lugar pensado para todo el público, aquí, no van peleados precio y calidad, por solo $90.00 pesos puedes venir a comer muy bien. El tema home made es importante porque todos extrañamos los sabores de casa, el concepto crea una armonía perfecta, la decoración con plantas colgantes, los colores, los detalles emulan un ambiente como en casa de la abuela. Todos los amantes de la cocina mexicana deben venir a disfrutar este nuevo concepto”.

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Literatura Reseñas

Repensar en lo córporeo, una invitación de la novela Volver a la piel

La idea del futuro y la tecnología con sus promesas de una vida más fácil pueden hacer que nos olvidemos de algo tan esencial como el cuerpo, pero los escritores están ahí para recordarnos, e incluso, reflexionar en torno a este elemento tan básico, tan nuestro. Esto es lo que explora Gerardo Horacio Porcayo en Volver a la piel (Fondeo de Cultura Económica, 2019).

Gerardo nos lleva al futuro donde se alcanzó la posibilidad de cambiar de cuerpo humano, hay que hacer hincapié en lo humano, ya que en la novela se muestra que existen más tipos de cuerpos, una gran variedad de lugares para que la mente habite, que ofrecen ciertas ventajas sobre lo orgánico.

Uno de los primeros seres en rehabitar lo humano es Alejo, un empresario que lleva años perfeccionando el proceso de clonación. Esto nos lleva a descubrir que el protagonista, ese que siempre creemos único, en realidad es sólo uno más, en este mundo existen varios Alejos, diferentes versiones, distintas maneras en las que ellos se nombran, cada Alejo busca la manera de buscar su individualización. Una isla poblada por diferentes versiones de un mismo hombre, un territorio hecho a medida de los caprichos del que creemos es el Alejo original.

Todas las versiones de uno mismo que se increpan, interactúan y aprenden es de lo más llamativo que plantea el autor, que nos hace ver de manera distinta ese ejercicio de platicar en voz con uno mismo. Aquí se va más allá, pues demuestra que siempre estamos en cambio, lo que hoy fuimos, mañana cambiará y después de ese día seremos alguien más, que reclamos habrá hacia lo que fuimos y en lo que nos convertiremos.

¿Podríamos aprender algo más de nosotros mismos? Parece que las fobias, caprichos y falta de visión hará difícil esta tarea. Cuestionarse es lo que ofrece Volver a la piel, una ciencia ficción que obliga a repensar el presente.

Tras el paréntesis. El Alejo con el que iniciamos y se vuelve nuestro guía en este mundo, es un personaje que debe readaptarse al cuerpo, resentir lo que es habitar en la carne, redescubrir las limitaciones orgánicas, que van desde lo físico hasta lo psíquico. ¿Por qué se vuelve tan relevante para el Alejo original volver a lo humano? Una respuesta personal y que cada lector obtendrá.

Para mí es el llamado de lo salvaje, esto representado en el sexo, así tal cual, como si el habitar un cuerpo mecánico lo llevara la extremo de la razón, pero muy dentro del cerebro estuviese lo oscuro, el deseo, incluso se explora en cómo sin la necesidad de reproducirse se pierde parte de la búsqueda del coito, se ve desde una parte bastante lógica.

Conforme nuestro Alejo pasa tiempo en la carne, poco a poco vuelve ese ímpetu de buscar la satisfacción sexual, se replantea el acto. El abuso del prefijo «re», que podrá hacerse evidente, es que muchas cosas que damos por sentado en esa ciencia ficción de Porcayo se debe aprender, damos por sentado que Alejo tuvo un cuerpo humano, pero hace décadas, se debe construir un puente nuevamente con ese pasado.

En esta obra, se cuestiona lo que nos hace humanos y qué de esto sacrificaremos por la innovación, en cómo la tecnología nos atrapará y podría obligarnos a transformarnos, esto no será a punta de pistola, se deberá al no quedar obsoletos. Por eso es que el pasado y el cuerpo se miran desde la nostalgia, como algo que tuvimos y no supimos apreciar, la pérdida de lo orgánico.

Así, ciertos elementos del pasado se vuelven fetiches, que por un lado van desde lo físico como un tablero de ajedrez, tallado en madera; hasta algo más complejo y abstracto, que va como la reconstrucción de salas y espacios donde habitan estrellas de hollywood en un museo de ADN. En estos lugares del pasado, el autor no evita dar un vistazo a sus referencias, que también son de aquel territorio del recuerdo y el pasado con vistas al futuro, Wells, Asimov y Shelley.

Porcayo muestra un estilo donde el humor, representado en ironías, está presente y hace la lectura muy llevadera se entremezcla con ciertos misterios y tensiones, una tarea complicada. Intrigas en las que Alejo siente que su mente, más que su cuerpo, está en peligro, pues lo que es podría ser devorado por sí mismo, por otra versión, una lucha consigo mismo.

Un elemento que también aborda el autor, es la memoria, pues nuestro Alejo inicia con ciertos elementos borrados de ésta, pero conforme avanza la novela ciertos elementos parecen eludir el proceso, ya que tiene acceso a ciertos recuerdos que no debería tener.

Y pese a habitar un mundo de avances, ciertas crisis, además de las existenciales, parecen seguir existiendo, como las crisis económicas, las guerras y la corrupción seguirán ahí muy de cerca con la humanidad. Un buen vistazo al futuro que podría ser y que en ese territorio Porcayo encuentra un lugar para reflexionar en nuestro presente y en pensar en lo que es habitar nuestra piel.

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Arte Contemporáneo Cine

Arte ucraniano se hace presenta de manera única en México

La línea del frente. El arte ucraniano, 2013-2019 explora cómo los artistas visuales y los cineastas contemporáneos interpretan e influyen en la turbulenta situación política y cultural en Ucrania de los últimos seis años: desde las protestas cívicas en Kyiv (2013- 2014) a la anexión de la península de Crimea y el conflicto militar en el este del país (2014-hoy).

El propósito de la exposición y presentación de cine documental no sólo mostrar las obras de arte contemporáneo ucraniano, sino también organizar proyecciones de documentales y debates, dando voz a artistas, cineastas e historiadores.

Es el primer proyecto en México que se centra en el arte y el documental contemporáneo ucraniano. También es el primer gran escaparate de destacados artistas ucranianos en toda América Latina. Se enfoca en establecer una conexión intercontinental y en el desarrollo de nuevas colaboraciones artísticas y académicas entre las diversas regiones.

El proyecto tendrá lugar entre septiembre y diciembre de 2019 en la Ciudad de México e involucrará tres sedes culturales importantes en la Ciudad de México: El Museo nacional de las Culturas, el Museo de Memoria y Tolerancia y la Cineteca Nacional.

La Línea del Frente. DocUcraniano se proyectó el viernes 8 de noviembre en la Cineteca Nacional y abrió con la película de Sergei Loznitsa «Maidan» ( 2014, 128 min).

Este es primer ciclo, que toma lugar entre el 8 y el 14 de noviembre en la Cineteca Nacional, donde se proyectan 10 documentales ucranianos e internacionales que, a través del lenguaje cinematográfico, buscan interpretar la turbulenta situación de los últimos seis años en Ucrania: desde las protestas cívicas en Kyiv, Maidán (2013-2014) hasta la guerra en el Este del país (2014-hoy).

El programa documental es una parte de un proyecto más grande «La línea del frente. El arte ucraniano, 2013-2019» que consiste en una exposición en el Museo Nacional de las Culturas del Mundo (25 de septiembre de 2019 y 5 de enero de 2020) y las charlas que tomarán lugar en octubre en el Museo de Memoria y Toleranci

La línea del frente… es una exposición de arte contemporáneo que pretende visibilizar y generar discusión en torno a las tensiones sociales y políticas en Ucrania, derivadas de las protestas cívicas de Kyiv (2013-2014); la polémica anexión de la península de Crimea a Rusia (2014), y el conflicto militar subsecuente que se ha desarrollado desde esos años hasta la actualidad.

Primer proyecto en México sobre arte contemporáneo ucraniano, la muestra explora cómo los artistas, radicados tanto en Ucrania como en América Latina, reflejan la situación de su país. Asimismo, reflexiona en torno a la importancia del arte dentro de los movimientos sociales locales e internacionales, sirviendo como un espacio de expresión, discusión y propuesta.

Se muestran los trabajos audiovisuales de Mykola Ridnyi, quien hace un paralelo entre los enfrentamientos violentos de las protestas de Kyiv y las consecuencias en su ciudad natal Járkov, la segunda ciudad más grande de Ucrania; de la artista Olia Mykhailiuk, quien capturó el destino de los refugiados de Luhansk, una de las principales ciudades industriales del este de Ucrania, y de Piotr Armianovsky, quien analiza los espacios, historias y realidad cotidiana de las personas afectadas de la región oriental.

La escultora Zhanna Kadyrova participa con una obra que cuestiona la división creada por la anexión de la península de Crimea. La instalación de Lada Nakonechna analiza el papel de los medios de comunicación como acrecentador del conflicto. El trabajo de Roman Mikhailov refleja las sombras de la flota detenida en el Mar Negro en Crimea, situación que fue un detonante del enfrentamiento; y del pintor Anton Poperniak se exhiben unos collages hiperrealistas que reflejan la historia de Ucrania de los últimos años.

La exposición es parte del proyecto interdisciplinario La línea del frente. El arte ucraniano, 2013-2019, el cual además contempla una serie de mesas de análisis del arte contemporáneo en el contexto de los conflictos sociales, con sede en el Museo Memoria y Tolerancia, en octubre próximo, donde participarán artistas y académicos mexicanos y ucranianos; así como un ciclo de proyecciones documentales sobre la historia y actualidad de Ucrania, en la Cineteca Nacional, a lo largo de noviembre.

El proyecto es dirigido por la artista y curadora Svitlana Biedarieva, doctorante en Historia del Arte por la Universidad de Londres, quien ha presentado en México su trabajo “Morfología de la Guerra”, en el Museo Taller Erasto Cortés, de Puebla, y en el Centro Nacional de las Artes. Ha sido profesora en la Universidad de las Américas de Puebla, en la Universidad Anáhuac Norte y en el Instituto de Estudios Críticos, además de colaborar en las revistas La Tempestad, Hyperallergic y Código, entre otras.

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Literatura Reseñas

Oscuro territorio mexicano retratado por Rogelio Guedea

Vivir, o transitar, en México es abrirse paso por la incertidumbre, es un camino que lleva por la oscuridad, un recorrido que obliga abrazar a la oscuridad para sobrevivir en el presente, sólo tenemos lo inmediato, esto es algo que nos deja entrever Rogelio Guedea en Conducir un tráiler (Fondo de Cultura Económica, 2019).

Y es que Guedea, que en 2009 obtuvo el Premio Memorial Silverio Cañada 2009, gracias a este libro, nos recuerda que habitar este país, es enfrentar el miedo de que las sombras te cubran en cualquier momento. Un camino errado nos puede llevar a ser víctimas de algún hecho terrible, estamos abandonados al acecho de la violencia, de la furia dormida del país. Todo este ambiente es el que logra recrear en la obra protagonizada por Abel Corona y su familia, personas de a pie que viven en Colima y son movidos por esas fuerzas ocultas, la fuerza que podríamos llamar la vida misma.

El entorno que habita Abel es ese de terrenos, donde ser dueño de un espacio brinda cierto poder, aquí los vecinos buscan peleas por cualquier transgresión, esto es con lo que inicia el libro, pero siempre hay algo que se oculta y poco a poco lo devela el autor.

Guedea utiliza a Abel para mostrar la manera en que en el país cualquier detalle puede hacer explotar alguna situación desalentadora, una mirada, una palabra pronunciada de manera inoportuna pueden ser elementos para que el mexicano saque a relucir su altanería, algo que se conoce como verguerez, por lo que todos buscan una superioridad para hacer su voluntad sin un poco de empatía.

El retrato que hace del norte es este que ya no es tan distinto del resto del país. Aquí se ve el poder e influencias, que viene con el dinero y cierta autoridad, pero no cualquier puede acceder a estos, ya que la familia Corona pese a pertenecer a las instituciones del «bien» no son capaces de ejercerlo.

La falta de esa fuerza abstracta e invisible deja a nuestro protagonista a la intemperie, a las sombras, que en algún lo tragan y lo escupen acompañado de muerte, de odios por defender lo suyo, de una vendetta sobre la familia. Esto es suficiente para que terminen en una historia de acción, una historia (debido a la cercanía) a la Tarantino, de tiroteos y sólo algunos pueden salir vivos.

Los momentos de acción permiten a Guedea acercarse a lo fílmico, a recordarnos que se trata de una ficción. El como esas decisiones de manera rápida se ven transformadas y la violencia que explota debe hallar una salida. Formas en las que la obra respira, estos cambios vertiginosos hacen que el lector no se confíe.

Propio del norte, Abel es un personaje migrante, que por circunstancias de la vida tiene que emprender su camino a la carretera, visitar otros lugares tan ajenos, pero comparten el mismo peligro de la violencia.

En el interior, nuestro protagonista se descubre a un ser con cierta sensibilidad, que tiene, de a poco, aprender a vivir con la muerte que le rodea, con el miedo que, a la mala, aprende a domar.

Aprender a convivir con el temor es necesario pues no sólo existe esa violencia física, también se teme a aquellos que deberían cuidarnos, a las instituciones que están empantanadas y buscan la manera en que ciertas verdades no salgan a la luz, para mantenernos en esa carretera a oscuras. Así parece que en algunos lugares de México, si es que pensamos que es diferente en ciertos espacios, se vive en un oscurantismo donde algunas familias fundan sus feudos.

Además, en diferentes momentos, Rogelio Guedea nos recuerda que está presente ese monstruo amorfo del narcotráfico, que ante cualquier paso errado se hará presente para arrastrar por completo a la nada a quien se cruce con él.

Todo esto siempre nos recuerda al título de la obra, que andamos con esa pesada carga tras nosotros en la oscuridad del camino, donde basta que alguien sospeche algo para convertirte en presa del odio, basta que alguien piense que eres diferente para ganarte la repulsa de vecinos, compañeros e incluso amigos.

Si por un lado tenemos las explosiones violentas, del otro están las cavilaciones del buen Abel, que muestran cómo la mente intenta reflexionar para saber cómo sobrevivir en este país de matanzas y sufrimiento. En el protagonista nos reflejamos en cómo se vive con la muerte, en cómo cuando más jóvenes la vida en un matadero es capaz de turbar al más fuerte, pero conforme uno se cicatriza el estar en una escena de algún crimen atroz se vuelve normal.

La imaginación y el miedo son elementos que mueven al personaje, que en distintas ocasiones lo obligan a emprender huidas que tal vez no eran necesarias. Esto lo motiva y mueve sus acciones, por eso el camino se vuelve un lugar de seguridad, un espacio para imaginar que hay mas allá después de las tinieblas, qué vidas podría forjar tras ciertas decisión, pero que nunca es capaz de observarlas.

Un retrato muy crudo, pero cercano gracias a las apreciaciones de Abel, que nos lleva a repensar en la realidad que vivimos, en este México tan oscuro que parece no tener fin, incapaz de ver más allá de uno mismo. Vamos sólo con la luz del tráiler en esa carretera, esa pequeña esperanza de que llegaremos a un buen lugar, aunque hasta no arribar será comprobado.

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Cine

#67Muestra llega con 14 sorprendentes filmes a la Cineteca Nacional

La Cineteca Nacional presentó las películas que conformarán la 67 Muestra Internacional de Cine. Como un homenaje a los grandes maestros, la programación se compone de directores como Agnés Varda, Federico Fellini, Arturo Ripstein, entre otros.

Del 15 de noviembre al 2 de diciembre, podrás disfrutar de 14 filmes que han sido galardonados en los mejores festivales del mundo. Habrá películas de Italia, Estados Unidos, Francia, Argentina, Bélgica, Suiza, Argelia, Reino Unido y México.

La Muestra arrancará con una película mexicana: Esto no es Berlín, de Hari Sama, que tuvo su estreno nacional en el Festival Internacional de Cine de Morelia y recorrió otros festivales como Sundance.

“Para mí es un privilegio y un honor, compartir la Muestra con estos títulos. No lo puedo creer, yo crecí con la Muestra, esta fue mi universidad primera de adolescente, correr a conseguir mi abono” explicó el director.

En conferencia de prensa, estuvo presente Alejandro Pelayo, Director General de Cineteca Nacional, quien enfatizó en la inclusión de títulos mexicanos en esta edición de la Muestra. Por un lado, se une Arturo Ripstein con El diablo entre las piernas, sobre una pareja de edad madura, sus celos y el deseo. Asimismo, Esto no es Berlín aporta una visión ochentera de la juventud, la identidad y el deseo de pertenencia.

Por su parte, Nelson Carro, Director de Programación, destacó lo más reciente de Woody Allen, cineasta que ha acompañado a la Muestra en varias ocasiones. “A sus 83 años, hace una comedia romántica, ingeniosa, divertida, ligera. Un día lluvioso se puede ver su amor hacia Manhattan, el jazz, el cine, la literatura”.

Entre los títulos clásicos se podrá disfrutar de La Dolce Vita de Federico Fellini quien está por cumplir cien años de su nacimiento y sesenta años desde que la cinta ganara la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

A continuación te presentamos la lista completa de las 14 películas que componen la programación de la 67 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

  • Esto no es Berlín (2019), de Hari Sama.
  • Un día lluvioso en Nueva York (2019), de Woody Allen.
  • La dolce vita (1960), de Federico Fellini.
  • Queen of Hearts (2019), de May el-Toukhy.
  • Por la gracia de Dios (2019), François Ozon.
  • La odisea de los Giles (2019), de Sebastián Borensztein.
  • El despertar de la fiera: Dogman (2018), de Matteo Garrone.
  • El diablo entre las piernas (2019), de Arturo Ripstein.
  • Varda por Agnès (2019), de Agnès Varda.
  • Génesis 2.0 (2019), de Christian Frei.
  • El joven Ahmed (2019), de Jean-Pierre y Luc Dardenne.
  • Papicha (2019), de Mounia Meddour.
  • Ray & Liz (2018), de Richard Billingham.
  • Bacurau (2019), de Kleber Mendonça.

La Muestra Internacional de Cine de este año, se compone de 14 títulos que podrán disfrutarse a partir del del 15 de noviembre y hasta el 2 de diciembre en las salas de la Cineteca Nacional; posteriormente recorrerá el circuito CDMX en distintas sedes (cinco sedes de la UNAM, dos del IPN, tres complejos Cinépolis, cinco complejos Cinemex, el IFAL, Cinemanía Loreto y La Casa del Cine) durante más de tres semanas, para, finalmente, arrancar el 2020 con un recorrido al el interior de la República en más de 30 ciudades.

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Música

Carrion Kids llegan con un toque más violento en «Hacer daño»

Los Carrion Kids llevan cuatro años prendiendo los escenarios, una agrupación que trae el garage, y ahora un poco de punk, a las nuevas generaciones, un debraye musical bastante genial.

Para conocer más de la banda, Rodrigo Blanco, vocalista de la agrupación comparte algunos detalles de su más reciente producción discográfica Hacer Daño (2019), que comenta es uno de los más personales, pues estuvieron durante toda la producción, además destaca el trabajo de Jasmina Hirschl, de MonkeyBee Records. Estamos «muy orgullosos de este disco, porque es completamente un concepto original que teníamos muchas ganas de sacar. Es una nueva voz para la banda, un nuevo estilo».

Blanco comparte que más allá del idioma, Hacer Daño se diferencia de Animal Deluxe (2017) y Party Down at Chittagong (2016) por traer un estilo más violento, con energía más punk, «más debraye también y experimentamos con escalas de sonidos nuevos, mezclar géneros, se puede escuchar más violencia en la voz. El concepto en general es mucho más debrayado mentalmente, nos dimos permiso de alocarnos, tanto como se pudiera. Hay un Carrion Kids, antes y después de este disco».

Si bien es difícil elegir alguna pista en específico, Blanco destaca La liebre y la tortuga, que es muy divertida para tocar en vivo, ya que se arma un buen «mosh pit, mucho slam, mucho desmadre», aunque confiesa que ésta le desgasta la garganta.

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Otra pista que es sobresaliente para el vocalista es Sapo Verde, uno de los sencillos más recientes que están promocionando y que cuenta con un videoclip, es una «rolota, me gusta mucho», que fue escrita por Miguel. «Me gusta la onda que trae, muy viajada, va por etapas, va de una sección a otra». También entre sus favoritas está Señor Tocino, que a su decir es de las mejores para abrir con el «desmadre».

Tras una gira por Estados Unidos y Europa, los Carrion Kids regresan a México para participar en el MonkeyBee Festival, que les produce mucha emoción, pues ya tenían «ganas de echar rock & roll» en el país.

Respecto a la escena independiente, comenta que ésta pasa por un momento increíble, ya que hay muchas personas que buscan hacer algo nuevo, algo distinto y es todo un «orgullo trabajar con ellos, como Miguel y Jasmina, (de MonkeyBee Records), de la manera en que lo trabajan es lo que se debe hacer, crear colaboraciones. (Se trata de trabajar) con personas que tengan una visión en común, es la única manera en que la escena independiente se podrá consolidar».

En cuanto a los grupos que la están rompiendo, algunos que destacan son The Froys con los que compartirán escenario en el MonkeyBee Festival. «También están los Bela Lugossips, Dromedarios mágicos, Las pipas de la paz», sólo por mencionar algunas bandas, que en opinión de Rodrigo la están rompiendo, que se trata de promesas que seguirán creciendo y «se escucharán más nombres prominentes, pues hay muchas bandas que traen muy buenas ideas. Se están formando colaboraciones fuertes, cada día será menos underground para bien y hay muchas cosas que se tienen que escuchar».

Para Carrion Kids después del MonkeyBee sigue irse al Freak Out, en Seattle, para cerrar el año. Estamos preparando nuevas rolitas. Nueva música más salvaje, nos apegamos al conceptos en español, nos ha gustado, seguimos creando y buscando donde tocar, esperamos que el 2020 se venga más fuerte».

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Gastronomía

BAXTER ROOM, un lugar único que conjunta el estilo y el buen sabor

BAXTER ROOM es una mezcla de estilos inspirados en un concepto europeo y japonés, diseñado por CASA INTERNACIONAL DEL TÉ, operadores y creadores de la ya reconocida boutique de té, IZLAH “La casa internacional del té”.

BAXTER ROOM se caracteriza por la alta calidad que ofrece en sus productos, los cuales buscan generar una tendencia en el nuevo segmento de cafeterías de especialidad y tea & matcha bar.

«El mercado de café y té es extremadamente competitivo, por ende, el éxito depende en su totalidad de la FORMA DE ATENDER Y OFRECER nuestras bebidas y de brindar CALIDAD PREMIUM en cada uno de nuestros productos. Por tal motivo se ha pulido la manera de presentar nuestros productos con materiales únicos que a simple vista evocan la originalidad y esfuerzo en su preparación», comentó José Luis Rojas, director del grupo que opera BAXTER ROOM, «Casa Internacional del té».

BAXTER ROOM, actualmente cuenta ya con dos sucursales, la primera ubicada en Av. Presidente Masaryk #360, en el corazón de Polanco y la segunda ubicada en Av. Michoacán 120 col. Condesa. Estas dos, son las primeras de varias cafeterías que la compañía de origen mexicano estará abriendo próximamente en nuestro país.

En tanto, Daniel de la Torre, director de operaciones del grupo que opera BAXTER ROOM, “Casa Internacional del té”, indicó que, en este nuevo concepto, también los turistas se sentirán atraídos por un espacio original en donde conviven millennials, fashionistas y buscadores de nuevos conceptos, ya que BAXTER ROOM muestra el estilo de vida que conlleva la cultura del café y las bebidas saludables, además de innovación en este segmento. “nuestras mezclas son únicas, elaboradas con el mejor café de México, así como nuestros tés e infusiones seleccionados y creados desde su país de origen para satisfacer los más exigentes paladares. ¡Y claro, el producto estrella; nuestro Premium Matcha grado ceremonial! En conjunto, BAXTER ROOM mezcla aromas, texturas y sabores que convergen en una experiencia inigualable”.

Lo que caracteriza a BAXTER ROOM, es su alta calidad y prestigio, además de tener un precio competitivo, con variedad de sabores, procesos y presentaciones.

En BAXTER ROOM, los precios van desde $35 (expresso sencillo), hasta $75 pesos (café preparado por métodos), y desde $45 en adelante las especialidades de Matcha y Té de IZLAH.

Finalmente, comentan sus directivos, la compañía busca posicionarse y ser un referente en esta nueva oleada de cafeterías de especialidad, replicando su modelo en diferentes hot spots estratégicos de la ciudad y posteriormente del país.