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Entrevistas Pintura

Ciria, su cariño a México y su búsqueda por derribar fronteras

Hace más de un año, José Manuel Ciria llegaba a México con algunas piezas de su exposición Territorios y Mapas, que rompía fronteras físicas y abstractas, así que en esta ocasión vuelve para expandir la muestra y afianzar su lugar en el país.  

Esta nueva versión del proyecto presenta la serie completa, además de algunas que fueron creadas especialmente para México. En conjunto son 21 piezas en formato grande, que se componen de pinturas que realizó en su estancia por Nueva York, llamado Memoria; otras son de Europa; las últimas inspiradas en los colores y atmósfera de las tierras mexicanas.

Acerca de las obras para México, Ciria comparte, con cierta alegría, que «fue divertido, porque yo tengo un tiempo preparándome. Tan sólo este año he hecho tres viajes a México, lo cual es para abrir una casa-taller aquí, ya tenemos patrocinadores, ya es inminente. Entonces la intención es estar aquí seis o siete meses al año, y que sea mi centro de operaciones».

La ciudades que habitan tienen un gran impacto en la obra del español, así que al cuestionarlo de cómo la geografía le ayuda en su arte, él explica que «siempre a los hermenautas y a los críticos de arte (les digo) que una forma de rastrarme, una forma de conocer mi trabajo es saber por donde me he trabajado; donde ha sido elaborado, pues he tenido beca en París, en Roma, en Israel, en Londres, en Berlín, siete años en NY.

«Si se me rastrea, si se quiere clasificar mi obra una forma bastante fácil de hacerlo es ver mis trabajo en cada sitio, porque la geografía impone su propio carácter. A mí me gusta dejarme llevar. Esa experiencia que tienes en NY me lleva producir de una manera distinta y además lo que hago es sensibilizarme y dejarme atravesar por lo que siento con las musas del lugar».

Al hablar de su estilo de gran formato, que es posible ver en Territorios y mapas, Ciria explica que puede deberse a ciertos complejos de la infancia, pues en el colegio al ser uno de los mejores dibujantes de su clase tenía que ayudar a los maestros a realizar algún dibujo.

«Ellos pintaban fatal y me tocaba a mí hacer los dibujos y ese tamaño de pizarra, grande de 1.50 por tres metros, al principio inicié con timidez, me decían que dibujara más grande, porque lo tenían que copiar mis compañeros, llega un momento en que la pizarra se queda pequeña. (…) Yo trabajo en 2×2, es mi media de ahí lo llevo a más grande o más pequeño, pero hay que trabajar con una dimensión donde te sientas cómodo, donde te topes con la realidad».

El creativo siente una gran atracción por México, así que ahonda en que los trabajos que ha hecho aquí, destacan por los colores vibrantes, algo que no encontraba en Madrid. Cada que está en el país, «las musas me tocan, me siento querido, porque la gente me trata muy bien, la atmósfera es fantástica, la luz el sabor».

Relata que esta relación creativa tuvo un momento de iluminación, allá por el 2005 en un viaje que realizó por Zacatecas, esto lo hizo quedar prendado de México. «Me dije yo quiero trabajar aquí. Existen muchas posibilidades en Ciudad de México, te encuentras cualquier cosa, un taller, una imprenta, un tío que hace no sé qué.  Para un artista es un maravilla. México es una potencia, tiene todo lo que es contemporáneo, pero al mismo tiempo también lo conversador, se mantienen los negocios familiares de toda la vida y eso es fascinante».

En la serie Territorios y mapas, como lo indica su nombre, José Manuel explora las fronteras, los territorios y geografías, así que para lograr abordar a cada país se compromete con la ciudad, hasta perderse en ésta. Busca que su paso no sea transitorio, sino que la cada lugar le brinde algo de su esencia. Esto es en cuanto a las fronteras físicas.

Respecto a las fronteras más abstractas como el tiempo y la memoria, indica que es algo que viene trabajando desde hace tiempo, no sólo en lo pictórico, también en instalaciones que le permiten abordarlo de otras maneras, incluso esto lo lleva a nuevas facetas, ya que tiene «la idea de montar una exposición de pintores que estén aquí y no son conocidos, montarla aquí (México) y llevármela a Estados Unidos, porque no hay alguien que esté haciendo exactamente eso, estoy seguro que hay un montón de gente fantástica que no conoce nadie e ir a buscarle».

Acerca del taller que planea establecer y esa búsqueda de artistas mexicano se debe a considera un investigador del arte, así que tiene gran seguridad de que en México hay gente que está creando lo más innovador con bases teóricas, pero que aún no han tenido la oportunidad para salir, así que buscará apoyar a esas jóvenes promesas. Todo esto en un lugar cercano a la colonia Roma, pues le parece un barrio fascinante.

¿Y de dónde viene esa fascinación por la Roma Norte? Para Ciria es algo que va más allá de la película Roma, de Cuarón, ya que tiene unos «restaurantitos, unos bares; tiene un sabor, la gente es alucinante. Te vas a pasear… Ahora mismo tengo un penthouse alquilado en Polanco, sí sales a la calle, muy bonito, mucho lujo y es un coñazo, no hay nadie. Sin embargo, en la Roma, sales y está poblado, prefiero salir que vivir escondido, me gusta más tener experiencia y hablar y estar con gente, que te hable y te sonríe y hacerte amigos de las personas».

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Ilustración

Estilo figurativo de Stamatis Laskos

Stamatis Laskos es un artista callejero griego, ilustrador y pintor también conocido como Sive, que crea retratos deformados a través de representaciones muy estilizadas que están llenas de detalle, profundidad y dimensión.

Stamatis controla proporciones para crear una maravillosa re-imaginación de la anatomía humana. Laskos, que trabaja tanto en arte callejero como en ilustración, crea mundos surrealistas habitados por figuras con cuerpos abstractos, con miembros alargados y caras de caricatura con narices estiradas y orejas.

Su arte callejero está pintado con colores frescos y terrosos aplicados con pinceladas crudas. Las obras ilustrativas de Laskos, aunque tienen menos rango de color, se representan con detalles y texturas impresionantes. Abrazando los códigos y la estética del arte callejero, progresivamente se movió de un mundo caricaturesco hacia producciones más simbólicas.

Todas las imágenes son © Stamatis Laskos

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Pintura

Pinturas figurativas de Belinda Wiltshire

Belinda Wiltshire elabora pinturas al óleo, llevando abstracciones u otros toques surrealistas que añaden intimidad a cada retrato. Trabaja principalmente en lo figurativo y, a veces, artistas compañeros aparecen en sus obras.

«Tal vez es una rosa en los suburbios por la noche o las yemas de los dedos iluminadas por el sol brillando contra el cielo, pero estas pequeños momento de la vida, mi vida, me atraen «, compare la creativa son lo que la inspiran. «Y mientras estoy allí, mirando, en trance, estoy completamente atrapado por mi propia mortalidad».

Todas las imágenes son © Belinda Wiltshire

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Pintura

Creativas abstraccions de Ryoko Tajiri

Ryoko Tajiri, nació y creció en Japón, estudió diseño gráfico en la Tama Art University de Tokio, donde se centró intensamente en la pintura de arte de estudio. Inspirado por el movimiento figurativo del área de la bahía, Tajiri se trasladó a San Francisco y entró en la academia de la universidad del arte, y recibió eventual su MFA.

La obra principalmente figurativa de Tajiri es a la vez representativa y abstracta. Uno puede reconocer fácilmente la figura u objeto, pero los patrones geométricos irregulares y las formas dominan. Fondos de colores brillantes, planos rectangulares y fuertes contrastes evocan la fragmentación cubista y un sentido de profundidad.

Todas las imágenes son © Ryoko Tajiri

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Fotografía

Mitos abordados desde la imagen por Jacques-Aurélien Brun

Jacques-Aurélien Brun emplea el dematerialized craft de la fotografía digital para crear imágenes abstractas, para lo que utiliza la recolección, la edición y la descontextualización para crear un conjunto donde se conectan diferentes tipos de tipologías de imágenes de una manera formal o dialéctica.

El fotógrafo trabaja en temas como la búsqueda de un viejo mito y uno moderno, la desaparición y la mujer de fantasía, el viaje esperado y soñador. El fotógrafo explora temas profundamente arraigados como la femme fatale, los viajes de expectativa o el tratamiento de la intimidad que se encuentra en lo cotidiano. El punto de partida de Brun es siempre una pista o fragmento que lo sitúa en un proceso de interpretación y recontextualización. Para producir un proyecto, Jacques-Aurélien comienza con la realidad y luego crea los fragmentos de una historia o comienza como el inicio de una novela.

Todas las imágenes son © Jacques-Aurélien Brun

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Pintura

Pinceladas abstractas de Daniel Bilmes

Daniel Bilmes juega con la textura en sus pinturas al óleo, con pequeños y meticulosos trazos que crean retratos absorbentes.

El pintor a menudo limitando sus colores con lo que logra extraer una vitalidad de su intrincada línea y abstracciones. Sus retratos parecen ser una continuación de las tradiciones del aceite mientras se mezclan en nuevas aplicaciones.

«Mi enfoque se caracteriza por una exploración personal profunda, que combina el realismo con elementos de simbolismo y abstracción», dice. «A través de texturas táctiles y expresiones delicadas, sus pinturas entrelazan lo mágico y lo mundano. Su trabajo es a la vez esperanzador y melancólico. Realista y simbólico «.

Todas las imágenes son © Daniel Bilmes

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Pintura

Explosivas pinturas de Jonas Burgert

Las pinturas al óleo de Jonas Burgert están repletas de figuras surrealistas y tonos fluorescentes; extrañas escenas a veces aparecen como pilas y explosiones de objetos y seres dispares, con rostros fijos mirando por encima de ellos.

Sus estudios de una sola figura, por su parte, son a menudo envueltos y confinados, pero con cierto contenido específico.

«Las inspiraciones de Burgert son múltiples y derivadas de diversas ideologías y culturas», dice un comunicado. «Vienen de postales, de la literatura o de imágenes del festival indio de los colores de Holi, o del viaje del artista a Egipto, donde él visitó los restos de su cultura antigua. Ciertamente, una fuente importante de inspiración se encuentra en la historia del arte. Muchas veces se ha dicho que la obra de Burgert recoge los hilos del pensamiento del Renacimiento tardío, particularmente el amor manierista por lo grotesco y lo curioso, las disparidades de color ásperas y crasas y de un estilo exagerado y «antinatural». Otras inspiraciones notables son Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel, El Greco, Tintoretto, Poussin y Max Beckmann «.

Todas las imágenes son © Jonas Burgert

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Pintura

Retratos abstractos de Jesùs Leguizamo

El pintor colombiano Jesus Leguizamo combina elementos realistas del retrato con el abstracto, creando piezas surrealistas que desbordan emoción.

Las pinturas de Leguizamo parecen una mirada íntima al estado emocional de la mente de alguien, y sus pinceladas expresivas parecen transmitir una sensación de confusión o tumulto mental. Hay un dinamismo en sus pinturas, como si se tratara de una cámara de captura de movimiento que toma un sólo fotograma de su personaje.

En sus representaciones de personas, Jesùs borra y desenfoca aquello que define al ser humano: la cara. A través de pinceladas expresivas, crea obras conmovedoras que exploran la fragilidad humana y cómo esto se puede expresar en el medio de la pintura. Sus inquietantes pinturas aparecen como un vistazo íntimo del estado emocional de alguien o un recuerdo que ha empezado a desvanecerse, dejando fragmentos incompletos en su mente.

Todas las imágenes son © Jesùs Leguizamo

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Pintura

Arquitectura abstracta por Mehdi Ghadyanloo,

Pinturas de objetos arquitectónicos en paisajes abstractos fueron creadas por Mehdi Ghadyanloo, conocido por sus pinturas utópicas y filosóficas que interrogan preceptos humanos universales como el miedo, la esperanza y la pérdida.

La obra del artista está fuertemente influenciada por la arquitectura de los modernistas del siglo XX como Le Corbusier y los paisajes del otro mundo de pintores surrealistas europeos como René Magritte y Giorgio de Chirico.

El tono melancólico y la expresión de la obra de Ghadyanloo se deriva de su experiencia de crecer en Irán bajo severas condiciones de conflicto militar y sanción económica. El silencio palpable de sus paisajes implica una ansiedad y un miedo que no se pueden hablar en voz alta, sin embargo, sus pinturas ofrecen fugaces instancias de esperanza que se encuentran en los lugares más difíciles.

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Todas las imágenes son © Mehdi Ghadyanloo