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Ilustración

Místicas ilustraciones de David Mauricio

Siempre es un gusto descubrir nuevos creativos, así de casualidad nos encontramos con David Mauricio Flores López, que resulta muy variada, aunque siempre con algo de místico por abordar temas como la muerte y lo corpóreo. 

Una delicada línea es lo que destaca en sus proyectos personales, que destaca por un gran cuidado al detalle. Aunque podría parecer muy serio, se da algo para compartir algo más «frívolo», aquí vemos al pequeño Throg, que mustra un gusto por los cómics.

Todas las imágenes son © David Mauricio Flores Lopez

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Moda

Prendas esculpidas de Misha Japanwala

Azaadi es la colección de prendas esculpidas por el artista y diseñador Misha Japanwala, este trabajo fusiona la moda y el arte, que busca ser un homenaje a la fuerza y ​​la valentía de las mujeres de Pakistán.

En los últimos procesos de su investigación para la colección, Japanwala viajó a Pakistán donde pasó tiempo hablando con víctimas de violencia doméstica sobre sus experiencias. Al regresar a Nueva York después de este viaje que afectó, ella completó Azaadi, imprimiendo a la colección las historias de las mujeres con las que habló. El resultado es una selección íntima de prendas esculpidas que iluminan el cuerpo femenino tanto en tela como en yeso.

La artista creó moldes de yeso gris de su propio cuerpo desnudo para simbolizar escudos de armadura; una metáfora para la protección de dichas mujeres. Los moldes de las manos están tomados de las mujeres a las que habló Japanwala, que juntan partes de sus cuerpos con las suyas.

La artista y diseñadora nacida en Londres creció en Islamabad, Pakistán, antes de mudarse a Nueva York, donde pasó el último año trabajando en una colección para su tesis universitaria.

En su declaración como artista explica el viaje de comprensión de la precaria experiencia de ser mujer en Pakistán: «Quería usar yesos de mi propio cuerpo como vasos para resaltar la fuerza de las mujeres que no tenían miedo de luchar para vivir en sus propios términos».

Todas las imágenes son © Teagan West y Alec Lesser

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Pintura

Enfermedad humana retratada por Ken Currie

La obra de Ken Currie resulta incómoda de apreciar, debido a que aborda la temática de la enfermedad, vejez y lesiones, así que nos presenta cuerpos afectados por el tiempo, que aprovecha para abordar tópicos políticos y filosóficos.

Desde comienzos de la década de 1990, el artista escocés Ken Currie ha sido conocido por su observación del cuerpo a menudo inquietante, describiendo el daño infligido por la guerra y el conflicto, la enfermedad y la decadencia como respuesta a lo que él consideraba la enfermedad de la sociedad contemporánea.

Las pinturas ricas y luminosas de Currie abordan los temas trágicos de la modernidad, equilibrando las imágenes opuestas de destrucción y degradación mecanizadas con el potencial generativo y creativo del cuerpo humano.

Las obras aquí mostradas presentan a la figura transformada por actos de violencia oculta o en misteriosos procedimientos médicos. También retrata el tema de la desfiguración, relacionado al rictus, que se relaciona con una mueca fija o una sonrisa.

Todas las imágenes son © Ken Currie

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Pintura

Arte figurativo de Peter Smeeth

La obra de Peter Smeeth impactan por la luz y el espacio haciendo que el lienzo plano parezca tridimensional, estilo que le ha servido para especializarse en los retratos, aunque su trabajo figurativo ofrece una fantástica visión del mundo.

Él está feliz de pintar bodegones con reliquias familiares, temas religiosos, pinturas de historia, personas fallecidas de fotografías y para pintar cualquier idea, fantasía o pesadilla.

Smeeth ha dibujado y pintado desde la primera infancia. Como médico retirado, tiene un interés especial en la condición humana. Sin embargo, él disfruta de todas las formas de arte desde lo totalmente abstracto a lo súper real. Trabaja en la mayoría de los medios: lápiz, pastel, carbón, acuarela, óleo, acrílico, así como yeso o bronce.

Todas las imágenes son © Peter Smeeth

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Escultura

Juguetonas y grotescas piezas de Ronit Baranga

Cada tanto es bueno para el alma volver y revisar las nuevas piezas de Ronit Baranga, quien crea obras escultóricas de cerámica que describe como existentes en la «frontera entre la vida y la muerte», obras que garantizan hacerle sentir cosquillas o pesadillas al espectador.

Baranga  esculpe las bocas humanas y los dedos emergentes de la vajilla. La borrosa frontera entre los vivos y los inmóviles en estas obras es intrigante. «Es fascinante. Es desalentador. Te hace pensar», escribe el escultor.

Las piezas son a la vez juguetonas y siniestras como vienen a la vida como si de una caricatura se tratara.  La vajilla útil, pasiva, ahora se puede percibir como un objeto activo, consciente de sí mismo y su entorno – respondiendo a ella. No permite ser tomado por concedido, para ser utilizado. Decide por sí mismo cómo comportarse en la situación.

Todas las imágenes son © Ronit Baranga

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Pintura

Belleza se contrapone con la «fea» realidad

Las escenas pintadas de Michelle Avery Konczyk usan elementos del cuerpo humano y del mundo natural, con resultados absorbentes e inquietantes. Sus obras representan a menudo en la acuarela en el papel montado al panel para una sensibilidad delicada.

En su trabajo Konczyk incorpora varias entidades, ya que añade más partes del cuerpo y los ojos, que «toma la manera realista en la que pinto en mi imaginación. A través de esto, puedo mostrarles la belleza que se encuentra dentro de nuestras feas realidades. Hay una ironía apretada, que es mi arte, porque es todo lo que menos se espera una pintura de acuarela. Es mi objetivo empujar los límites del medio y llevarlo donde ningún artista ha ido antes, no sólo en la técnica y el tema, sino en la presentación».

Todas las imágenes son © Michelle Avery Konczyk

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Ilustración

Surrealismo en las mujeres de Miles Johnston

Los personajes femeninos que habitan el mundo de Miles Johnston parecen estar sufriendo una transformación casi perpetua, sus rostros o cuerpos divididos por la mitad, o su forma entera transformándose en algo de la naturaleza.

En los últimos años ha examinado cuatro transformaciones específicas organizadas en series tituladas Deform, Divide, Attract y Recur, trabajos en los que cada obra presenta el rostro o el cuerpo de una mujer que parece estar en un estado de ánimo reflexivo, melancólico y soñado, a menudo en el contexto de un mundo natural que contiene elementos surrealistas.

Todas las imágenes son © Miles Johnston

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Escultura

Cuerpos perturbadores del dúo Santissimi

Entre las muestras surrealistas y el museo de los horrores, de obras perturbadoras que cuestionan nuestra relación con el cuerpo, la belleza y nuestra propia humanidad, son lo que destaca la obra de Santissimi, dupla artística  conformada por Antonello Serra y Sara Renzetti.

Santissimi crea esculturas de resina increíblemente realistas, que esta serie en particular explora los orígenes del hombre y nuestra fascinación por la genética. Los híbridos animal-humanos son especialmente relevantes dado los recientes desarrollos en la investigación de células madre.

El trabajo del Santissimi mira al arte como una máquina operativa en la que cruzar, quedarse, las formas más o menos cómplices del conocimiento que se refleja en la definición: ‘empirismo filosófico en el arte’. El empirismo filosófico significa poner en práctica el conocimiento, realizar una operación de pensamiento o, para ser más preciso, traducir en términos visuales, el pensamiento científico y filosófico.

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Todas las imágenes son © Santissimi

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Moda

Moda utilizada como escultura

Existe un grupo de artistas cuyo trabajo se relaciona con el cuerpo y la identidad, algo con lo que están transformando el mundo de la moda, esto es el contexto para entender el trabajo de Cristin Richard.

Su obra examina la condición humana y el hecho de que el cuerpo está físicamente y mentalmente determinado en esta condición, ya que es la ventana con la que utilizamos para relacionarnos con el mundo. Así que Cristin transcribe su propia historia personal a través de impulsos a preguntas existenciales.

En esta serie Richard juega con la moda, la escultura, el rendimiento y el comentario social con el fin de llevar a cabo estos vestidos bellamente hechos que se asemejan a la apariencia de la piel humana.

Aquí, Richard está interesado en examinar el cuerpo, la identidad personal, así como objetos escultóricos de una manera sutil pero poderosa. Ella explora estos temas creando vestidos esculturales que se asemejan al color de la piel ya las texturas de la piel hechas fuera de los intestinos animales. El uso de Richard de material orgánico, es lo que da a su mirada los medios de existir como piezas completamente manipuladas, un detalle obvio que hace que sus prendas de vestir de moda tienen más de una sensación escultural que sólo las piezas de moda regular.

Después de crear los vestidos, el artista reúne una actuación elegante que incluye mujeres de varios tonos de piel; modelos que emparejan perfectamente los tonos del color de piel de los vestidos. Aunque sus piezas son usables y muy de moda, aquí, los vestidos van más allá de las tendencias.

Con la idea de la moda como escultura, Cristin Richard desdibuja la línea entre el arte y la moda. Ella cree que la moda permite crear una segunda piel. Proporciona un escape que está arraigado en la verdad a la propia identidad. Uno puede transformarse en lo que hace que se sientan bien, lo que les permite acercarse a la sociedad en su propia manera única. A través de estas observaciones, el artista desarrolla y analiza el tema de la aparición de uno mismo, y también el uno del otro.

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Todas las imágenes son © Cristin Richard

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Fotografía

Limitaciones del cuerpo exploradas por Antony Crossfield

El fotógrafo Antony Crossfield creó una serie de imágenes fotografías que tienen la finalidad de ofrecer nuevas perspectivas para apreciar las formas naturales que van desde el entorno hasta el propio cuerpo.

La colección, titulada Second skin, toma como punto de partida la capa exterior del cuerpo humano para empujarla fuera de los límites de la superficialidad. Es en estos ejercicios que el fotógrafo pretende «presentar el cuerpo no como una envoltura protectora que define y unifica nuestros límites, sino como un órgano de intercambio físico y psíquico entre los cuerpos».

 «Me interesaba la piel como un sitio de interrupción en lugar de tranquilidad; Tradicionalmente la piel se presenta como una fachada suave e impenetrable, aquí es un límite poroso, incierto «, dice Crossfield, en un comunicado. «El pelo del cuerpo y la textura de la piel se magnifican, planteando preguntas sobre la perfección corporal y las imágenes idealizadas en una era de obsesivo escrutinio del cuerpo. La piel, como el dibujo, es un sitio de memoria imperfecta e inscripción. Ambos pueden funcionar como una hoja o interfaz que registra y abarca el tiempo».

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Todas las imágenes son © Antony Crossfield