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Escultura

Arte neocinético de Gisseline Amiuny

La escultora Gisseline Amiuny De Ottati muestra porqué el arte debe de permanecer cercana a la ciencia y tecnología, ya que sus obras conducen a una aventura visual e interactiva, donde la luz y el movimiento generan otras formas de percibir la realidad.

El trabajo de Amiuny pertenece a la corriente de neo-cinética, que algunos consideran la última de las vanguardias, ha dado origen a una nueva generación de jóvenes artistas que han asumido la construcción de su propio escenario en el arte construido.

En el arte cinético y moderno, quedan atrás el óleo sobre la tela. En esta corriente se introdujo en el arte nociones inéditas como el tiempo y el espacio, produciendo un cambio significativo en el lenguaje visual tradicional, ya que el espectador, de ente contemplativo pasó a ser parte integrante de la obra al involucrarse y participar en ella. De igual manera, la superficie plana se transformó en una ambientación espacial tridimensional.

La propuesta de Gisseline Amiuny, nos conduce a una aventura visual e interactiva, donde la luz y el movimiento generan otras formas de percibir la realidad, al interactuar con una compleja arquitectura de tramas y formas especulares que crean volúmenes virtuales con efectos cinéticos.

«A través de las líneas, las curvas y las formas geométricas, me puedo expresar como artista. Me inspira experimentar con la luz, las sombras y los reflejos que producen las formas geométricas interactuando con los materiales, así como la creación de efectos sutiles que en su conjunto engañan a la vista y hacen pensar, al que observa, que hay superficies curvas, donde solo existen elementos planos, que hay elementos inclinados, donde solo hay piezas rectas o que simplemente existen sombras y reflejos que se incorporan a la obra y cambian dependiendo de la posición desde donde se observen. También utilizo el movimiento virtual y las vibraciones ópticas.

«El cerebro y el ojo siempre van juntos, pero creo que el corazón tiene una importancia significativa como tal. Mi orientación es hacia las piezas artísticas dinámicas, que al ser observadas de diferentes ángulos, se puedan descubrir varias obras incluidas en una misma ”, comparte la artista respecto a su obra.

Todas las imágenes son © Gisseline Amiuny De Ottati

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Fotografía

Vista panorámica de Nick Frank

El fotógrafo alemán Nick Frank busca ofrecer una sorprendente vista panorámica, este modo de disparo le permite al fotógrafo omitir cualquier elemento en su composición.

A primera vista, uno podría pensar que esto se hace a expensas del sentido del detalle. Sin embargo, la fotografía de Franck ofrece innumerables cosas para visualizar, al tiempo que las ubica en un contexto de gran escala. Él obtiene inspiración para sus fotógrafos de internet, televisión, el metro e incluso en la ducha.

En su fotografía, él no intenta retratar la realidad, sino que trata de mostrar su propia visión subjetiva. El resultado final es estas impresionantes fotografías minimalistas.

Lens Position: 393

Todas las imágenes son © Nick Franck

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Fotografía

Melancolía fotográfica de Noell Oszvald

Las fotografías de Noell Oszvald son impresionantes, debido a su naturaleza conceptual que se conjunta con lo minimalista, geometría y un toque arquitectónico en blanco y negro.

Osvald utiliza el color para evitar cualquier distracción que pueda ser creada por los colores, el fotógrafo desnuda sus imágenes a su esencia desnuda con composiciones que confían en líneas rectas puras en las cuales el sujeto se funde con su entorno.

Las composiciones perfectamente controladas transmiten una sensación de calma, así como sentimientos de melancolía y soledad. Además de las líneas que dividen el espacio, las impecables interacciones geométricas y el marcado contraste entre las distintas tonalidades de negro se ponen en oposición con el silenciado silencio de las emociones del sujeto.

Todas las imágenes son © Noell Oszvald

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Fotografía

Geometría fotografiada por Minh T.

Minh T. es un fotógrafo que desarrolla la serie de Geometric Encounters, en la que retrata el encuentro inesperado entre formas circulares, angulares y lineales, demostrando que éstas pueden poeticamente coincidir.

Para el autor, la figura humana, sólo desempeña un papel figurativo, cuya sensibilidad sublima la arquitectura que está a su alcance.

Todas las imágenes son © Minh T.

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Fotografía

Magnífica arquitectura de Créteil capturada por Robin Leroy

Créteil es un pequeño pueblo no muy lejos de París. Un lugar con frío urbanismo a primera vista, pero muy intrigante si se ve por los ojos de un fotógrafo amante de la arquitectura y sus formas.

En esta serie, la ciudad se transforma en un lugar habitado por personajes misteriosos, estos edificios de majestuosa y moderna belleza. Robin Leroy nos sorprende y nos conmueve mostrándonos esta nueva Créteil.

Todas las imágenes son © Robin Leroy

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Arte Digital

Maravillosa geometría en movimiento de Tyler Haywood

Desde hace cuatro años, el diseñador Tyler Haywood comenzó a publicar GIFs en Tumblr bajo el nombre de Angular Geometry. A Haywood le gustó mucho el proceso, nunca dejó de publicar, creando un nuevo GIF personalizado para su blog cada día.

Los GIFs están relacionados con su interés en los gráficos de movimiento, centrándose en los movimientos diminutos pero cautivadores de cubos de Rubik-como las estructuras, rippling agua, y arco iris deslumbrante.

«Siempre he pensado en la geometría angular como un cuaderno de dibujo», comparte Haywood con Colossal. «Sólo abre y mira qué pasa. Cada día es un nuevo comienzo, por lo que no hay necesidad de preocuparse tanto. A veces voy a desplazarse a través de mi archivo de más de 1500 GIFs y ver patrones o ideas que vienen a través de mi arte que no me di cuenta estaban allí en el momento de la creación. Es un catálogo interesante de mi subconsciente en algunos aspectos. «

Todas las imágenes son © Tyler Haywood

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Escultura

Fantástica geometría en papel de Tahiti Pehrson

Tahiti Pehrson ha trabajado con papel como medio durante más de 15 años, que destacan por exploraciones visuales en patrones complejos, desde formas arquitectónicas hasta motivos recurrentes en el mundo natural.

Utilizando cientos de hojas de afeitar, crea, a veces, instalaciones a gran escala ya veces específicas del sitio, así como piezas más pequeñas de hojas de papel geométricas cortadas a mano de Canson o Lenox.

A menudo utiliza guilloché, un sistema de patrones muy precisos, intrincados y repetitivos que datan de la época clásica griega y romana, comúnmente utilizado en el grabado y en la moneda para evitar la falsificación, como un patrón inicial, al que luego agrega patrones secundarios que tienen una sensación más orgánica para formar capas adicionales. La precisión y la perfección del diseño en las obras de arte de Pehrson regularmente llevan al espectador a la suposición de que sus piezas son ejecutadas por un tipo de cortador láser. Sus tallas intrincadas exploran los temas tales como fragilidad e interrelaciones de objetos físicos.

Todas las imágenes son © Tahiti Pehrson

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Exposición Pintura

Geometría de Elena Asins hermana a Madrid y Guadalajara

La pasión y la sensibilidad del arte geométrico de la artista española Elena Asins (1940-2015) son parte de una retrospectiva celebrada en el marco de las actividades de Madrid como invitada de honor a la mexicana Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara.

La muestra, titulada Fragmentos de la memoria II, es producto de la colaboración entre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, con sede en Madrid; el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (Musa) y el Ayuntamiento de Madrid, y reúne 90 obras que suman 280 piezas en total que se exhiben por primera vez en Latinoamérica.

La exposición tiene su antecedente en la gran retrospectiva que el Museo Reina Sofía hizo a la artista en 2011, en la que se presentó una buena parte de su obra. Para esta ocasión se complementó con una selección de 40 piezas del legado que el Museo heredó tras su muerte, explicó Carmen Fernández Aparicio, una de las curadoras, antes de la inauguración.

El blanco y negro y algunos matices de grises inundan las salas del Museo de las Artes, una paleta que Asins prefería por sobre los colores más vivos, que sin embargo están presentes en algunas piezas de su trabajo más temprano.

Todas las imágenes son © Museo Reino Sofía

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Escultura

Piezas geométricas de Heike Brachlow

La creativa Heike Brachlow encuentra inspiración en la arquitectura y la geometría, que refleja en sus esculturas de vidrio fundido que dependen en gran medida de su forma, que es a menudo la de un cilindro o un cubo.

Las obras de su serie de Theme and Variation series parecen tener un equilibrio imposible a medida que subtilmente se curvan hacia arriba, cubos individuales coloreados con la misma mezcla de óxidos en cantidades crecientes. Su trabajo rosado, visto abajo, contiene el óxido del neodimio que hace que cambie el color en diversas luces, cambiando de un color de rosa al tono verde dependiendo de con qué luz sea exhibida.

Además de tener propiedades de color dispares, muchas de las piezas se pueden desmontar y reorganizar, invitando a su público a crear pilas únicas de su cuenta, y tal vez mezclar el gradiente proporcionado.

Otras piezas, como las de su serie cilíndrica Waiting, están formadas de tal forma que permiten que el componente superior gire sin esfuerzo sobre su base. Su serie On Reflection también tiene una calidad cinética similar, con piezas giratorias de vidrio que parecen más como cubos giratorios que silos.

Todas las imágenes son © Heike Brachlow

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Pintura

Retratos «doblados» de Marcelo Daldoce

El pintor Marcelo Daldoce está trayendo literalmente una nueva dimensión al arte con sus retratos doblados de mujeres, se trata de figuras femeninas escondidas detrás de unos gráficos poligonales.

En su trabajo actual, los patrones geométricos ocultan y revelan a las mujeres de abajo, contorsionando sus cuerpos en formas imposibles. Él dice:

Al darle vida a una superficie plana, me esfuerzo por crear un rompecabezas entre lo que es real y lo que es ilusión, lo que se pinta y lo que se manipula, convirtiendo pintura en carne, papel en escultura

Daldoce trabaja principalmente con acuarela, que ha modernizado a través de su técnica y estilo. Color, patrón, imagen. Es casi demasiado procesar, que es donde entran en juego los pliegues de tipo origami. Las sombras arrojan partes oscuras de la obra de arte, dando al ojo un lugar para descansar.

En los retratos, el papel de bordes afilados es paradójico para las suaves curvas y valles de los cuerpos de las mujeres, y este contraste se lleva a través de los diversos elementos de su obra: oculto / expuesto, abstracto / figurativo, plano / enarbolado, colorido / neutro, tradicional / contemporáneo.

Todas las imágenes son © Marcelo Daldoce