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Arte Urbano

Arte urbano transforma paisaje urbano de Puebla

Llevar arte a todo el mundo es algo que los llamados «artistas urbanos» realizan desde hace años. En la actualidad, muchos han dejado de discutir si está bien o no que colaboren con las autoridades e instituciones, así que estos se apoyen de ese tipo de instancias para dar forma a algo nuevo.

El trabajar en conjunto tiene sus recompensas, ya que 42 artistas y 150 voluntarios, que trabajaron en la pinta de 92 murales, fueron quienes dieron forma al proyecto Ciudad Mural Puebla, el cual se trabajó de forma simultánea en tres sedes: las juntas auxiliares de La Resurrección y San Andrés Azumiatla y, dentro de su capital, la unidad habitacional La Margarita.

Esta iniciativa no sólo consistió en la pinta de murales, sino que hay un trabajo colectivo muy importante con las comunidades donde se realizaron. Además del arte visual también se llevaron a cabo funciones de teatro, conciertos y talleres.

Fueron 90 familias quienes, sumadas a más de 150 personas entre voluntarios, músicos, artistas de teatro, bailarines y talleristas, decidieron compartir sus historias e involucrarse en el proceso para conectarse mediante el diálogo, la participación y el arte que inspiren un cambio en sus comunidades.

En tanto que los artistas debieron investigar la historia de esos espacios con el objetivo de plasmar su esencia cultural; para ello, escucharon las anécdotas de la gente, rastrearon datos históricos y, posteriormente, realizaron los bocetos para que fuesen aprobados por su gente.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Entrevistas Pintura

Ciria, su cariño a México y su búsqueda por derribar fronteras

Hace más de un año, José Manuel Ciria llegaba a México con algunas piezas de su exposición Territorios y Mapas, que rompía fronteras físicas y abstractas, así que en esta ocasión vuelve para expandir la muestra y afianzar su lugar en el país.  

Esta nueva versión del proyecto presenta la serie completa, además de algunas que fueron creadas especialmente para México. En conjunto son 21 piezas en formato grande, que se componen de pinturas que realizó en su estancia por Nueva York, llamado Memoria; otras son de Europa; las últimas inspiradas en los colores y atmósfera de las tierras mexicanas.

Acerca de las obras para México, Ciria comparte, con cierta alegría, que «fue divertido, porque yo tengo un tiempo preparándome. Tan sólo este año he hecho tres viajes a México, lo cual es para abrir una casa-taller aquí, ya tenemos patrocinadores, ya es inminente. Entonces la intención es estar aquí seis o siete meses al año, y que sea mi centro de operaciones».

La ciudades que habitan tienen un gran impacto en la obra del español, así que al cuestionarlo de cómo la geografía le ayuda en su arte, él explica que «siempre a los hermenautas y a los críticos de arte (les digo) que una forma de rastrarme, una forma de conocer mi trabajo es saber por donde me he trabajado; donde ha sido elaborado, pues he tenido beca en París, en Roma, en Israel, en Londres, en Berlín, siete años en NY.

«Si se me rastrea, si se quiere clasificar mi obra una forma bastante fácil de hacerlo es ver mis trabajo en cada sitio, porque la geografía impone su propio carácter. A mí me gusta dejarme llevar. Esa experiencia que tienes en NY me lleva producir de una manera distinta y además lo que hago es sensibilizarme y dejarme atravesar por lo que siento con las musas del lugar».

Al hablar de su estilo de gran formato, que es posible ver en Territorios y mapas, Ciria explica que puede deberse a ciertos complejos de la infancia, pues en el colegio al ser uno de los mejores dibujantes de su clase tenía que ayudar a los maestros a realizar algún dibujo.

«Ellos pintaban fatal y me tocaba a mí hacer los dibujos y ese tamaño de pizarra, grande de 1.50 por tres metros, al principio inicié con timidez, me decían que dibujara más grande, porque lo tenían que copiar mis compañeros, llega un momento en que la pizarra se queda pequeña. (…) Yo trabajo en 2×2, es mi media de ahí lo llevo a más grande o más pequeño, pero hay que trabajar con una dimensión donde te sientas cómodo, donde te topes con la realidad».

El creativo siente una gran atracción por México, así que ahonda en que los trabajos que ha hecho aquí, destacan por los colores vibrantes, algo que no encontraba en Madrid. Cada que está en el país, «las musas me tocan, me siento querido, porque la gente me trata muy bien, la atmósfera es fantástica, la luz el sabor».

Relata que esta relación creativa tuvo un momento de iluminación, allá por el 2005 en un viaje que realizó por Zacatecas, esto lo hizo quedar prendado de México. «Me dije yo quiero trabajar aquí. Existen muchas posibilidades en Ciudad de México, te encuentras cualquier cosa, un taller, una imprenta, un tío que hace no sé qué.  Para un artista es un maravilla. México es una potencia, tiene todo lo que es contemporáneo, pero al mismo tiempo también lo conversador, se mantienen los negocios familiares de toda la vida y eso es fascinante».

En la serie Territorios y mapas, como lo indica su nombre, José Manuel explora las fronteras, los territorios y geografías, así que para lograr abordar a cada país se compromete con la ciudad, hasta perderse en ésta. Busca que su paso no sea transitorio, sino que la cada lugar le brinde algo de su esencia. Esto es en cuanto a las fronteras físicas.

Respecto a las fronteras más abstractas como el tiempo y la memoria, indica que es algo que viene trabajando desde hace tiempo, no sólo en lo pictórico, también en instalaciones que le permiten abordarlo de otras maneras, incluso esto lo lleva a nuevas facetas, ya que tiene «la idea de montar una exposición de pintores que estén aquí y no son conocidos, montarla aquí (México) y llevármela a Estados Unidos, porque no hay alguien que esté haciendo exactamente eso, estoy seguro que hay un montón de gente fantástica que no conoce nadie e ir a buscarle».

Acerca del taller que planea establecer y esa búsqueda de artistas mexicano se debe a considera un investigador del arte, así que tiene gran seguridad de que en México hay gente que está creando lo más innovador con bases teóricas, pero que aún no han tenido la oportunidad para salir, así que buscará apoyar a esas jóvenes promesas. Todo esto en un lugar cercano a la colonia Roma, pues le parece un barrio fascinante.

¿Y de dónde viene esa fascinación por la Roma Norte? Para Ciria es algo que va más allá de la película Roma, de Cuarón, ya que tiene unos «restaurantitos, unos bares; tiene un sabor, la gente es alucinante. Te vas a pasear… Ahora mismo tengo un penthouse alquilado en Polanco, sí sales a la calle, muy bonito, mucho lujo y es un coñazo, no hay nadie. Sin embargo, en la Roma, sales y está poblado, prefiero salir que vivir escondido, me gusta más tener experiencia y hablar y estar con gente, que te hable y te sonríe y hacerte amigos de las personas».

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Pintura

Sueños pictóricos de Jorge Domínguez Cruz

El trabajo de Jorge Domínguez Cruz busca la reflexión, debido a la filosofía que agrega en cada pieza. Las concepciones del mundo, bien arraigadas, se mezclan con la mente y dan una combinación surrealista, que dan un toque único a su obra.

Jorge es un pintor autodidacta que emerge con fuerza creativa, un ímpetu que lo hace abordar temas como el sueño y el futuro, pero con elementos muy mexicanos, una raíz que no puede evitar el creativo veracruzano.

Todas las imágenes son © Jorge Dominguez Cruz

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Pintura

Colores más allá de las fronteras de Tom Xylander

México aún se presenta como un territorio salvaje y exótico, que logra cautivara los europeos, esta mágica atracción, parece, es la que atrabajo a Tom Xylander, quien desde Alemania ha encontrado en el país una fuente única de inspiración.

A través de los años, Tom estableció su relación con el mundo del arte y comenzó también sus vínculos directos con la cultura y las artes mexicanas mediante el aprendizaje de diferentes técnicas gráficas con artistas mexicanos de grabado.

El viajero parece haber encontrado parte de esencia artística con la técnica de colografía, especializada en los talleres de Oaxaca. La originalidad de las obras de Tom se basa en su carácter multicultural: las líneas dinámicas en sus obras de arte, las texturas dramáticas y la expresividad de los colores, aluden al conocido arte visual mexicano así como a las composiciones geométricas de sus piezas que recuerdan sus raíces y tradiciones alemanas.

Los valores estéticos de las obras de arte de Xylander rompen con cualquier límite geográfico y condensan en sus grabados la experiencia profesional y emocional que el artista obtuvo tanto en Europa como en Latinoamérica dando como resultado imágenes poéticas únicas.

Todas las imágenes son © Tom Xylander

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Pintura

Inquietante enfermedad pictórica de Luis Galán

El trabajo de Luis Galán explora distintas maneras de ver la belleza, ya que su obra aborda la figura humana, pero desde la extrañeza, cuerpos que podrían parecer poco naturales, aunque causan cierta intriga y obliga a no dejar de mirar.

El trabajo de Galán tiene un toque del inframundo, ya que sus personajes parecen salidos de la tumba, como si llevaran la muerte en cada paso, una forma distinta de mirar al cuerpo, desde lo que podríamos definir como la enfermedad.

Todas las imágenes son © Luis Galán

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Pintura

Bella oscuridad de Marco Zamudio

Un rasgo que destaca el trabajo de Marco Zamudio es el del realismo, corriente que busca rescatar de manera activa, al abrir la galería La Silvestre, aunque aquí sólo veremos un poco de su obra y no tocaremos el proyecto como galerista.

Zamudio nos comparte una oscuridad brillante que camina hacia una luz oscura. Una dualidad que muchas veces resulta perturbadoramente bella. Marco es un hombre generoso que tiene fe en la vida y en el Arte y que a través de su trabajo nos anima a creer en la belleza y en el ser humano.

La oscuridad de pintor siempre lleva un pedazo de muerte, cada que la vemos parece que nos roba algo a nosotros, cada que se intenta desentrañar parte del misterio hay un intercambio. Apreciar su cuadro exige al espectador utilizar la imaginación.

Todas las imágenes son © Marco Zamudio

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Pintura

Memoria pictórica de Janus

Convertir el pasado en arte es la especialidad del creativo conocido como Janus, ya que utiliza la memoria para crear su obra pictórica entre lo abstracto y lo figurativo.

El trabajo artístico de Janus habita en un plano misterioso, una plástica que trasmite alma, emoción y cierta fragilidad, que es posible «tocar» en la textura. Su imaginario personal recorre a lo simbólico y popular de la cultura mexicana. 

Cada pieza proyecta símbolos del subconsciente motivados por su realidad inmediata – el paisaje, los colores, las formas, las plantas, la playa; los animales y todas las cosas- con trazos humanoides, colores y vibraciones que invitan a una realidad interior.

Las imágenes que se perciben en sus obras son abstracción de experiencias: figuras básicas, reales, colores enfatizados que buscan generar movimiento, para sumergir al espectador dentro de su mundo y memoria. 

En su exploración artística y discursiva, Janus ha encontrado, como destellos de flashes en su memoria, el recuerdo de bienes materiales que lo llevan a reflexionar sobre lo que ha consumido a lo largo de su vida y el impacto que estos han generado, por ello ha empezado un proyecto pictórico en el que emplea materiales reciclados que le permitan no sólo crear diversas texturas, si no plantear cuestionamientos sociales.

La obra de Janus ha sido reconocida en certámenes como la Medalla de Plata a las Artes como mejor pintor en el Festival Internacional de Artes Visuales de Los Cabos 2014; en el 2015 obtuvo mención honorífica con la obra Castilla, durante la Séptima Bienal Sudcaliforniana de Artes Visuales Carlos Olachea, en La Paz y la mención honorífica en la bienal Art Olympia 2019 en Japón, que busca descubrir e impulsar artistas de todo el mundo.

Además, en el 2014 participó  en el International Art Exchange France en París y en el 5 ème Chemin des arts & de la Culture Internationale Toutry, Francia; fue seleccionado en la XlX Bienal López Sáenz, en Mazatlán; participó en la exposición colectiva Moving Pictures Art for Change in Nashville U.S.A, entre otras.

Todas las imágenes son © Janus

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Cine Reseñas

Redención abordada en The Goldfinch

Una vida fantasmagórica es la que se sobrelleva cuando se lleva encima una gran culpa. Se trata de un dolor auto impuesto que no permite llevar una vida plena, esto es algo de lo que le sucede al protagonista de The Goldfinch, película dirigida por John Crowley.

La película sigue la vida de el joven Theodore Decker (interpretado por Oakes Fegley, de niño; y Ansel Elgort, de adulto) quien presencia un ataque terrorista con bomba en el Museo Metropolitan de Nueva York, en éste la madre de Theodore fallece.

El atentado pone en movimiento la película, pues es cuando el protagonista debe mudarse con una familia del Upper East Side de Manhattan, donde la figura de Nicole Kidman como la madre de esta «familia de reemplazo» en el personaje de Mrs. Barbour es quien destaca, ya que tras la tragedia se vuelve el ancla para el pequeño Theodore.

Uno de los puntos más sobresalientes del largometraje es la manera en que va reconstruyendo el atentado, así poco a poco comprendemos de dónde proviene la culpa y dolor del protagonista.

Esta exploración al recuerdo merece unas palabras a parte, ya que el director al principio muestra cómo todo se encuentra desenfocado, una visión que el protagonista en su recorrido logrará reconciliar y redescubrir de manera más objetiva su propia memoria.

La lucha interna por reconciliarse con el pasado, es lo que hace que Theodore se refugie en la pintura de El Jilguero, de Carel Fabritius, que hurtó tras el atentado, se convierte en una especie de tótem que lo une al fantasma maternal. Estos robo a la humanidad se suma a la culpa del protagonista.

Es en la tragedia que el pequeño busca vincularse con Pippa (interpretada por Aimee Laurence, de joven; y Ashleigh Cummings, de adulta) quien igual que él sufrió una pérdida en el atentado. Un destino entrelazado por la muerte.

Un cierto mensaje en torno a las drogas se vislumbra, ya que bien llevados algunos analgésicos lo ayudan a sobrellevar el dolor, a huir de las pesadillas, pero más adelante éstas lo llevarán a la dependencia y único medio para ser una «persona funcional».

La vida hogareña con Mrs. Barbour se ve interrumpida por la llegada del padre, interpretado por Luke Wilson, que se lleva Theodore al solitario desierto de Las Vegas. Aquí vemos algunas escenas que muestra cómo el pequeño se hunde en un vacío, la más memorable cuando parece hundirse en la oscuridad de una piscina.

Theodore sufre de la figura abandónica del padre, un ser ausente. Una soledad que se sobrelleva por la amistad con su amigo Boris (Finn Wolfhard y Aneurin Barnard).

Las relaciones son el centro de la película, pues cada una ofrece diversas perspectivas de cómo le ayudan a manejar el dolor al protagonista, de cómo las personas que le rodean ayudan o afectan con su culpabilidad y el sufrimiento de pérdida.

Se trata de una historia de redención con el pasado, de aprender a dejar ir las cosas. Un lugar común que siempre es bueno redescubrir de una perspectiva nueva.

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Pintura

Paroxismo marino de Marcelo Calvillo

Casa Equis se ha establecido como un espacio para la difusión de nuevos artistas, uno de los primeros en presentarse fue el artista mexicano Marcelo Calvillo con la muestra Paroxismo.

En su obra Marcelo toma como punto de partida el paisaje marino, ya que lo ve como un medio de expresión metafórico del acontecer histórico y las pasiones humanas. La representación de la escafandra como un símbolo, no convencional, de las ideas rígidas, obsoletas o totalitarias y el mar como elemento de transformación y movimiento constante. Las masas, la agitación social.

En sentido figurado, el título Paroxismo está relacionado al momento más intenso o agudo, de una sensación, de un sentimiento, de una pasión, de una excitación, de una historia. En medicina, el paroxismo corresponde al momento más intenso de una enfermedad o de cualquier estado agudo.

Todas las imágenes son © Casa Equis

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Pintura

Brillantes retratos de Alejandra Varela

La pintora Alejandra Varela utiliza el retrato para trasladarse entre el pasado y el presente, para marcar su punto de vista en torno al color, es algo de lo que ofrece la serie Chromophobia, que se exhibió en Galera.

Varela se aventura a explotar el color, realizar combinaciones brillantes que hacen resaltar la mirada de sus personajes, quienes relatan historias del día con día, evocando recuerdos de un pasado hecho de color que continuamos descubriendo.

Alejandra vive y trabaja entre Milán y la Ciudad de México, ciudad en la que nació en 1995 y en donde pasó su infancia y gran parte de su juventud. Se formó artísticamente en la academia NABA (Nuova Accademia di Belle Arti) de Milán, donde se inició en nuevas técnicas artísticas y en dónde encontró una profunda reflexión sobre el color. De regreso en México, continúa su estudio pictórico, llevándolo a nuevas dimensiones. Su arte se encuentra en transformación perenne y nadie, ni siquiera ella, sabe dónde parará.

Todas las imágenes son © Alejandra Varela Perera