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«Regresa a mí», un conmovedor drama familiar

Hace unos días, se estrenó la nueva película de Julia Roberts, quien ha sido parte del elenco de algunas de las cintas con mayor éxito en Hollywood y ahora protagoniza Regresa a mí distribuida en México por Diamond Films, escrita y dirigida por Peter Hedges.

Regresa a mí narra la historia de un adolescente llamado Ben Burns (Lucas Hedges), de diecinueve años, quien regresa inesperadamente a casa la mañana de Nochebuena. Su madre, Holly (Julia Roberts), se siente aliviada y contenta de tener a su hijo en casa, pero le preocupa que no pueda mantenerse libre de sus adicciones. Durante las siguientes 24 horas, se revelarán verdades que pondrán a prueba el amor incondicional de una madre por su hijo que hará todo lo posible para mantenerlo a salvo.

También forma parte del reparto, Kathryn Newton (Ivy Burns) y Courtney B. Vance (Neal Beeby). El filme es producido por Nina Jacobson, Brad Simpson, Teddy Schwarzman junto a Peter Hedges, guionista y director nominado al Oscar.

Peter ha forjado una carrera contando historias fascinantes y complejas sobre familias imperfectas que se enfrentan a situaciones únicas como se pudo ver en el clásico de culto de 1993 ¿A quién ama Gilbert Grape?, adaptada de su propia novela; Pieces of April de 2003 con la que debuta como director hasta About a Boy, que coescribió basándose en la novela de Nick Hornby.

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Datos curiosos de la película «Beautiful Boy»

Beautiful Boy: Siempre Serás Mi Hijo se estrenó el pasado 08 de marzo. La cinta es protagonizada por Timothée Chalamet y Steve Carell. Beautiful Boy es un retrato profundamente conmovedor del inquebrantable amor y compromiso mutuo de una familia frente a la adicción de su hijo y sus intentos de recuperación.

Credit: Francois Duhamel/Amazon Studios

Los datos que no sabías de Beautiful Boy:

Brad Pitt es uno de los productores del proyecto.

Está basado en experiencias personales de David y Nic Sheff después de haber atravesado por problemas de adicción, recuperación y recaídas en las drogas, pero también sobre los momentos de alegría, inocencia y amor.

Timothée Chalamet quien interpreta a Nic, pasó tiempo en centros de ayuda y rehabilitación tratando de vivir la experiencia del proceso de aislamiento para una recuperación.

El acercamiento del director Felix Van Groeningen con David y Nic, despejó prejuicios sobre el comportamiento de los adictos, despertando en él la necesidad de querer mostrar una manera simple, honesta y cruda sobre la complejidad de la enfermedad.

El libro que escribió Nic se titula Tweak y el de su padre David es Beautiful Boy.

Después de un intento fallido de rehabilitación Nic desapareció, y su familia no tuvo noticias de él durante casi 18 meses.

Sus libros ganaron reconocimiento nacional y aparecieron en las listas de best-sellers.

La banda sonora está basada completamente en los gustos de los Sheff.

El título Beautiful Boy es de la canción de John Lennon. Para David tiene una importancia especial porque entrevistó a John al principio de su carrera.

El ambiente visual fue orgánico, el dormitorio de Nic está basado en imágenes de su habitación de la infancia de la vida real.

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FICG listo para su edición de 2019

Con 295 filmes de ficción y documental, que serán exhibidos en 30 foros de la Universidad de Guadalajara (UdeG) y salas comerciales, la edición 34 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) se realizará del 8 al 15 de marzo, con Chile como país invitado de honor.

El Rector General de la UdeG, doctor Miguel Ángel Navarro Navarro, afirmó que el FICG cumple 34 años de acortar distancias entre las producciones de diversos países, distribuidores, profesionales, realizadores y un público conocedor y entusiasta.

“El festival se ha consolidado como un lugar en el que se muestran las propuestas más firmes y novedosas de la industria cinematográfica nacional e internacional; además de brindar una sólida plataforma de colaboración e intercambio, que posiciona trabajos artísticos en importantes circuitos de otras latitudes, extendiendo el impacto de los filmes participantes”, declaró.

La programación del festival ha sabido integrar las tendencias más actuales de la estética fílmica, así como los temas más conflictivos y neurálgicos del acontecer internacional, dijo.

El Presidente del Patronato del FICG, licenciado Raúl Padilla López, afirmó que el festival se ha afianzado “como la fiesta cinematográfica más importante del país”, con una amplia gama de actividades que abarcan proyecciones cinematográficas, homenajes y encuentros de profesionales, hasta el impulso y desarrollo de la industria del cine.

Anunció que este año el FICG entregará el Mayahuel de Plata a la actriz mexicana Blanca Guerra, por sus contribuciones al cine mexicano. El productor chileno Juan de Dios Larraín y Esther García, productora de la compañía “El Deseo” –del director español Pedro Almodóvar–, recibirán el homenaje Mayahuel Iberoamericano; mientras que el Mayahuel Internacional será otorgado a director Hugh Hudson y al actor Peter Fonda, quien celebrará los 50 años de la película Easy rider.

El escritor y director de cine español Gonzalo Suárez, acudirá por primera ocasión al festival para dar una conferencia magistral como parte de la Cátedra Latinoamericana Julio Cortázar. Y el cineasta español Carlos Saura filmará parte de su película El rey de todo el mundo en el Conjunto Santander de Artes Escénicas durante el festival.

En esta edición se entregará, por primera vez, el Premio Internacional de Largometraje de Animación, con el apoyo del director mexicano Guillermo del Toro, quien también contribuyó a la transformación del Premio Internacional Rigo Mora de Cortometraje de Animación. También será anunciado el fallo de la primera beca de cine Del Toro–Jenkins.

En las clases magistrales del Talent Campus estarán como invitados los cineastas Timothy y Stephen Quay; los actores Peter Fonda y Diego Luna; el diseñador de producción y arte de la película Roma, Eugenio Caballero; la actriz Blanca Guerra; Vittorio Storaro, uno de los más destacados directores de fotografía y el productor chileno Juan de Dios Larraín.

Padilla López afirmó que Chile y México han tejido “fuertes lazos de hermandad”, a pesar de estar separados geográficamente por miles de kilómetros, comparten una gran cantidad de similitudes culturales.

La Consejera de Asuntos Políticos y Cooperación, de la Embajada de Chile en México, licenciada Verónica Rocha Ormello, dijo que desde 1999 este país del Sur del continente ha tenido una “fructífera y rica” participación en el festival, y que este año traerá a Guadalajara una delegación de 40 realizadores, productores y profesionales cinematográficos, además de ocho películas en competencia oficial y 24 que conformarán la muestra de cine chileno.

Entre los filmes que estarán en exhibición destacan el cortometraje animado Historia de un oso y el largometraje Una mujer fantástica, del director Sebastián Lelio, ganadores de un Premio Oscar; Gloria Bell, también dirigida por Lelio; además del largometraje de ficción Perro bomba, de Juan Cáceres y el documental Lemebel, ganador del Premio Teddy al cine sobre diversidad sexual en el Festival de Cine de Berlín.

La película original de Netflix, Emboscada final, protagonizada por Kevin Costner, Woody Harrelson y Kathy Bates, clausurará el festival el próximo 15 de marzo, en una gala en la que también se darán a conocer a los ganadores de la sección oficial.

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Green Book, historia de una amistad entrañable

En ocasiones, es posible sentir presencias fantasmales, fuerzas que ya no deberían existir, pero que persisten pese a todo, esto es la marca del racismo, situación que retrata Peter Farrelly en Green Book (2018), su más reciente obra, y que nos muestra un Estados Unidos en los 60s que no parece haber cambiado mucho en lo que respecta a su trato hacia los afroamericanos.

La historia que Farrelly aborda, está basada en un hecho real y se trata un suceso, que es poco usual en la vida: la forja de una amistad. Este lazo se da entre Nick «Tony Lip» Vallelonga (Viggo Mortensen) y Dr. Don Shirley(Mahershala Ali), unión que se construye en una filme de carretera; que muestra cómo la cotidianidad y el trato es lo que permite desterrar al fantasma.

La obra de Farrelly se sustenta en las personajes, así que es clave conocer a cada uno antes de su encuentro. Para empezar tenemos a Tony Lip, un italiano promedio, con poca educación, que resuelve «problemas» a puños, en la mayoría de ocasiones y que se ha ganado fama por esto. Se trata de un hombre apegado a sus hijos y, en especial, a su esposa, interpretada por Linda Cardellini. Se trata de un alguien propio de su época, que no es racista por gusto, si no que en los 60s era el status quo.

Por su parte, el buen Don Shirley es un músico afroamericano con talento excepcional, cuya habilidad lo llevo a tener la oportunidad de superarse y prepararse para interpretar las grandes obras para piano de los grandes como  Beethoven, Chopin, Rachmaninov… Pero, debido a su color de piel sus allegados le recomiendan tocar piezas más populares, algo más accesible para los blancos. Se trata de una persona, que por su intelecto y bagaje cultural se ve alejado de la sociedad, a vivir bajo el estigma del genio y obligado a estar en soledad.

¿Cómo es que estos personajes tan desiguales se unen en la década de los 60s? Por una propuesta de trabajo inusual, ya que Don Shirleyrequería un chófer para una serie de gira por los estados del Sur, de Estados Unidos, aquellos donde era más compleja la situación racial, así que las habilidades de alguien como Lip eran requeridas, pues se esperaban una gran variedad de problemas.

Si bien, al primer encuentro de estos personajes se ve una historia usual, donde estos lucharán hasta aceptarse y tratarse con respeto, Farrelly logra una buena química entre Lip y Shirley, además de que el humor, en buena medida, hace diferente esta experiencia fílmica. Es posible apreciar cómo cada uno se nutre entre el intercambio, cómo es que logran aprender.

Un punto al que invita a reflexionar la película, al menos para algunos espectadores, es que que esta situación racial aún no ha cambiado mucho en algunos sectores, ya que al afroamericano aún se leve cómo ese ser que se le puede ensalzar como un premio o un medio para mostrarse como menos racistas, sólo por «tener un amigo negro».

Un punto álgido en la película es cuando Shirley y Lip se enfrentan, momento en el que se deja entredicho que no importa que Lip sea de la clase trabajadora y no tuviese la oportunidad de estudiar, él nunca podrá entender la discriminación, que no importa lo genial que sea Shirley seguirá siendo sólo un negro más, sin importar su clase y educación; algo incómodo para ver, sin duda.

Pese a todo ese dolor racial, se trata de una película amigable, que utiliza el humor para sobrellevar la situación y que muestra que lo épico está en estas situaciones, que podrían considerarse, pequeñas. Demuestra que el forjar una amistad es el medio para romper las fronteras con el otro, un suceso que enriquece a las personas y permite cambiar puntos de vista.

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Cine Reseñas

«The mule», un viaje por la diversidad de Estados Unidos

Una de las grandes tragedias de la vida es que sólo una vez recorrida, somos apreciar los detalles; una vez que llegamos a la vejez descubrimos que lo más relevante son las personas que nos rodean, algo que deja entrever The mule (2018), la más reciente película dirigida, y actuada, por Clint Eastwood.

El largometraje relata la historia de Earl Stone (Clint Eastwood), un horticultor en la cima del éxito, un hombre que se dedicó pondero las flores por encima de su familia. Un día, de la nada, todo su éxito esfuma, y la única forma que encuentra para producir dinero es convertirse en traficante de drogas, en una «mula».

Si bien el argumento de la película se basa en un hecho real, que destaca por lo sorprendente, un hombre blanco que se convierte en narco. Más allá del sensacionalismo, lo que más destaca de la película son las relaciones, que van desde lo familiar, su comunidad, hasta con los nuevos habitantes de Estados Unidos, que se han integrado a la cultura, algo que Eastwood, repite. Si en esta ocasión fueron latinos, el grupo más evidente, en el pasado eligió a los homng, Gran Torino (2008).

Para empezar hablar de las relaciones, tenemos una familia rota, Stone se encuentra separado de su esposa Mary (Diane West), mientras que es odiado por su hija Iris (Alison Eastwood), casi podría decirse que se trata de una típica familia norteamericana. La única que espera algo del horticultor es su nieta Ginny (Taissa Farmiga), por cumplir sus promesas hechas a ella es que el protagonista iniciará su travesía como narcotraficante.

El amor y culpa conducen a Earl a convertirse uno de los principales traficantes de un cártel mexicano. Esto da paso a a su vínculo con los latinos, que en el primer contacto sólo lo tratan como un viejo más, pero conforme cumple sus encargos el veterano de guerra se gana su confianza y crea una especie de amistad entre iguales, tanto así que recibe el apodo de «Tata».

La interacción con ese segmento de la población, aunque muy por debajo, muestra los beneficios del intercambio cultural, ya que con ellos ayudan a Stone a entender el funcionamiento de un celular. El director convierte a los smartphones en un chiste habitual, al repetir que estar «pegados» a los celulares es un problema usual de la generaciones más jóvenes. Otra «denuncia» o aspecto dañino de la sociedad, es el olvido de los viejos, veteranos en particular una comunidad a la que el pertenece el personaje de Eastwood, éste utiliza el dinero de las drogas para subsanar el mal y convertirse en una especie de Robin Hood.

El viaje es lo que abre a nuestro protagonista a interactuar con los más variados grupos sociales, como un grupo de motociclistas lesbianas, algunos afroamericanos, incluso aquellos poblados habitados sólo por los blancos. Se trata de un mapa poblado de gran variedad, propio de las carreteras y que se traza, no sólo con las imágenes, sino también con el soundtrack, algo que muestra cómo se funden las culturas.

Aunque muchos de los encuentros que tiene con los diferentes grupos, podrían indicar un cierto racismo, debido a las bromas y formas de expresarse de Stone, el soundtrack elegido muestra muchos ritmos latinos.

Pero The mule no sólo se trata del viaje, también es de crimen, así que aún vemos un poco de aquellos personajes forajidos de Eastwood al enfrentarse al personaje al agente de la DEA Colin Bates (Bradley Cooper). Una observación al pie, resulta curioso que la policía y agencias no sospechan de Stone, resultan ser estos los que infligen más racismo.

Todos los viajes que realiza el viejo Stone lo llevan a reencontrarse con su familia, hasta que logra «echar raíces», una metáfora con la que se juega a lo largo de la película, como si lo efímero de la fama, se dejará de lado y sólo dejar que florezca esa cercanía con sus seres queridos. Un viaje de reconciliación.

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«Van Gogh: en la puerta de la eternidad» llega a México

La película recién nominada a los premios de la Academia Van Gogh: en la puerta de la eternidad en la categoría “Mejor actor drama” por la magistral actuación de Willem Dafoe llega a salas mexicanas este viernes 25 de enero.

Basada en relatos de vida, hechos, rumores y retratos que solo existieron en la mente del post-impresionista Vincent van Gogh (Willem Dafoe). La historia narra su vida en Francia, lugar donde vivió por un tiempo y convivió de cerca con Paul Gauguin (Oscar Isaac). Lapso en el que creó las obras maestras más espectaculares con las que hoy en día es reconocido en todo el mundo.

Dirigida por Julián Schnabel (ganador Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes) protagonizada por Willem Dafoe quien interpreta a Vincent Van Gogh, lo acompañan en el elenco Oscar Isaac (Paul Gauguin), Rupert Friend (Theo Van Gogh) y Mads Mikkelsen (The Priest).

Titulo Internacional: At eternity’s gate

Distribuído en: México, Brasil, Argentina, Colombia, Chile, Perú, Bolivia

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Cine Reseñas

«La Violación», un retrato de la violencia que perdura

La Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero) lleva años impulsando los proyectos cinematográficos alternativos que acercan los estudios de género y los derechos humanos a un público diverso que puede o no estar familiarizado con estos temas a través del cine y otras disciplinas.

El MICGénero se ha vuelto todo un ícono en la lucha por la igualdad, así que para continuar con su lucha fue creado Bestiario Films,  una distribuidora de reciente creación que buscar mostrar las películas del MICGénero de manera más comercial.

Los responsables de Bestiario Films & Productions describen el proyecto como «una distribuidora/productora atenta al cambio social y a las estéticas emergentes de nuestros tiempos. La cultura, la política y la sociedad están en una transformación, generando resiliencia. En este sentido, somos una galería de monstruos desfilando en imágenes. Por tanto y parafraseando a la poetisa trans Susy Shock, reivindicamos nuestro derecho a ser un monstruo. Mostremos el bestiario del mundo».

Una de las primeras películas que Bestiario, presenta en el México como distribuidora, es La violación (Le Viol du routier), dirigida por Juliette Chenais de Busscher, que relata la historia de Tamara y Gabrielle, una par de jóvenes francesas que se conocen durante un viaje que realizan por Francia y que está marcado por la violencia que ellas ejercen hacia los hombres.

La obra, filmada en blanco y negro con la finalidad de atenuar la violencia, muestra cómo las protagonistas utilizan su feminidad y sexualidad para explotar las debilidades de los hombres que se durante un viaje por la carretera.

El título violento del filme, que en español se dejó sólo como La violación, anuncia que las protagonistas están en una caza constante de víctimas para dominarlas, aunque por ciertas pistas que nos da Chenais, esto no es gratuito, ni un capricho, sino que una de las protagonistas oculta un trauma, así que se trata de una venganza a los hombres que acosan y atemorizan a las mujeres diariamente.

Debido al juego que las protagonistas que utilizan su sexualidad, se tiene esta fuerza desde diversas aristas, que van desde la violencia hasta la fantasía. El punto de la ensoñación y el deseo evocan a que ciertas secuencias se difuminen con la fantasía, que no dejan claro si es algo que ocurre o sólo imaginación. Una de las que más destaca en esta área es el encuentro entre Eros y Thanatos, que sucede en un trío entre Gabrielle, Tamara y un chico con una enfermedad, en la que se reluce la fragilidad de lo masculino.

Sin duda, la obra de Juliette Chenais de Busscher resulta incomoda para los hombres, aunque para cualquiera que sea sensible, ya que el espectador es obligado a enfrentarse a las acciones cometidas por su propio sexo. Las escenas que se muestra más claro, y que rompe con la narrativa, es cuando de manera directa las protagonistas le hablan al público y lanzan «piropos» hacia el público, esto sirve para denunciar cómo estos no tienen nada de agradable y sólo es algo de mal gusto.

Gabrielle y Tamara se convierten en una especie de heroínas, debido a que ellas deciden sus aventuras sexuales, en todo momento tratan de mostrarse fuertes, aunque su personalidad no sea así, se complementan mediante la amistad que forjan en el camino, aunque tienen roces, como es común en cualquier relación humana, esto las muestra como personajes más reales, que sienten celos y envidia de una compañera.

Uno de los puntos álgidos es el final cuando la película hace «honor» a su nombre, que se entremezcla con el recuerdo violento que sucedió a una de las protagonistas, con una carga simbólica fuerte.

Posterior a la proyección se sostuvo una conversación con la directora Juliette Chenais de Busscher, que aclaró algunos puntos acerca de la realización de la película, en la que ella buscaba una representación más femenina en el cine, ya que considera que aún existen muy pocos personajes femeninos. Además de visibilizar la situación de violencia que aún viven las mujeres.

Para Juliette Chenais de Busscher era importante mostrar el viaje introspección que viven Gabrielle y Tamara, el cómo pese a ser mujeres fuertes tienen dificultades para mostrar sus emociones, además de la relación de amistad, que es algo inusual, debido a que se tiende a tomar como una relación lésbica, y que de eso no hay nada.

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Colette, la mujer que revolucionó la literatura francesa

Encontrar nuestro lugar en el mundo, y la propia voz, es algo de lo más complicado que existe, ya que nos confronta con nosotros mismos y el entorno que nos rodea, esta búsqueda podía resultar más compleja en el pasado con el peso de la sociedad, aunque aún lo es, como nos muestra la película biográfica Colette, dirigida por Wash Westmoreland.

El trabajo de Westmoreland nos relata la historia de una de las escritoras más afamadas de la Francia del siglo XX, Sidonie-Gabrielle Colette quien es reconocida como  una de las escritoras de más éxito en ese país, aunque como sucede con las mujeres es poco reconocido su impacto en el mundo.

En la película, protagonizada por Keira Knightley, se nos muestra a Colette como una mujer que difícilmente encajaba en la sociedad francesa de aquellos años, esto debido a la manera en que se expresaba, pensaba e, incluso, su peculiar andar, sin una pose tan recatada por los modos.

La historia se da movimiento cuando la joven se ve seducida por un hombre llamado Willy (Dominic West) un «escritor» libertino, quien estaba en medio del rutilante mundo cultural de París. Willy era reconocido por escribir novelas que se convertían éxitos, aunque las comillas vienen, ya que éste se dedicaba a explotar a escritores fantasmas, quienes eran los responsables de crear las obras literarias.

El matrimonio transcurre sin muchos altibajos, hasta que Colette descubre las infidelidades de Willy, los problemas de apuestas y el olvidado al que ella se ve relegada en la gran urbe. Pese a estas situaciones el «amor» logra que superen las dificultades, el cariño que profesa Colette por su esposo da como resultado un paso al vacío cuando ella se decide a escribir Claudine, la primera obra escrita por Colette, aunque fue publicada bajo el nombre de Willy.

Claudine se convierte en una especie de «hija» que une a Willy y Colette. Ante la llegada del éxito que supuso este primer libro, Willy muestra su verdadera cara, ya que deja ver su lado más violento, si bien, por ser un progresista, nunca golpea a a Gabrielle, sí la somete al abuso psíquico al obligarla a escribir más aventuras de Claudine. Así la escritura se convierte en algo doloroso y traumático.

Colette pese a los episodios de violencia se hace parte de la farsa, se vuelve un producto más del personal branding de Willy, así que juntos crean un producto y se dejan llevar por las mieles del éxito, como aventuras sexuales que vive cada uno por su lado. Aquí podemos apreciar el machismo de la época, aunque sigue presente en nuestros días, ya que mientras Colette no tuviese relaciones con hombres para Willy no existía la infidelidad. En cierta forma se podría decir que le «perdona» el lesbianismo.

Un personaje que ayuda a Colette a redescubrirse y tomar más confianza en su vida es Missy (Denise Gough) una rusa divorciada que vive bajo sus propias reglas. Ellas inician una relación que, si bien no era pública, parecía se complementaban de manera única.

La presencia de Missy le ofrece a Colette la fuerza para comenzar a luchar por lo que desea, descubrir qué le gusta y abrazar sus pasiones, entre las que destaca la actuación. Esto la alejaría de la escritura hasta que Willy de manera simbólica mata a Claudine al vender los derechos de los libros, de esta manera Colette inicia su propia historia y bajo sus propios términos.

Durante la presentación de la película para prensa se tuvo el acierto de que Mónica Lavin, Sanda Lorenzano y Ana francis Mor fuesen quienes presentaran la película, en el que reflexionaron acerca de la importancia que tiene Colette, ya que se están publicando muchas películas de mujeres escritoras como la vida de Rosario Castellanos, en Los adioses.

Cada una de las escritoras en sus palabras destacó que el filme es un medio que ayuda a marcar la presencia de las escritoras en el mundo, de sus luchas y sus palabras. Esto debido a que aún hoy en día existe una invisibilización de las mujeres en la escritura, y muchas otras áreas.

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Musicalizan película muda «L’Inferno» en el Cenart

La Sociedad Dante Alighieri invita a una nueva manera de repensar los inicios del cine, ya que fueron los responsables de gestionar la proyección de la película L’Inferno, por primera vez en México.

El pasado 10 de septiembre, en el Centro Nacional de las Artes (cenart), el Ensamble Experimental de la Academia de Arte de Florencia le dio sonido en vivo a esta cinta.

Durante muchos años fue una cinta olvidada hasta que fue renovada en el taller de restauración fílmica de la Cineteca de Bolonia en ocasión del centenario de L’Inferno.

Dirigida por Adolfo Padovan, Giuseppe de Liguoro y Francesco Bertolini, L’Inferno requirió tres años de producción y una inversión de 100 mil libras para su realización, se convirtió en el primer éxito taquillero de la historia del cine y obtuvo buenas críticas por parte de la prensa especializada.

En la película, “se utilizaron efectos especiales cinematográficos revolucionarios para la época, sobre todo la sobreimpresión, así como recursos teatrales, con vuelos asistidos por cuerdas y maquinarias, para realizar una obra visionaria”. Se recurrió a un gran número de extras y a grandes escenografías. El trabajo de iluminación también fue notable, ya que a lo largo de la película se crearon contrastes muy fuertes y dramáticos.

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¿Qué sucede con ROMA, de Alfonso Cuarón?

La película Roma, el proyecto cinematográfico más personal del cineasta Alfonso Cuarón, que es la primer película mexicana en ganar el León de Oro en la 75 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia tiene consigo gran expectativa, emoción y confusión por su fecha de estreno.

El proyecto más personal hasta el momento del director y escritor ganador del Óscar, Alfonso Cuarón. ROMA, sigue la historia de Cleo (Yalitza Aparicio), una joven empleada doméstica de una familia de clase media en la colonia Roma de la Ciudad de México. A través de una ingeniosa carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón recurre a su propia infancia para crear un retrato vívido y emocional de los conflictos domésticos y la jerarquía social en medio de la agitación política de los años setenta.

Según el medio especializado The Hollywood Reporter, Netflix está considerando estrenar la película en cines una o dos semanas antes que en su servicio de streaming. La publicación detalla que este estreno podría ser entre noviembre y diciembre en 20 salas de cine estadunidenses, lo que dejaría el estreno en la plataforma online para diciembre.

Roma, que se presentó en competencia en el Festival de Cine de Venecia, será presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto y es la pieza central del Festival de Cine de Nueva York.

Estaba invitada a competir en Cannes en mayo, pero fue retirada unas semanas antes de que arrancara el festival francés porque también tendrá su estreno en la plataforma de streaming Netflix. Este tipo de estrenos digitales va en contra de las nuevas normas de Cannes, que considera una ventana de exhibición en salas francesas y un periodo de tres años antes de su llegada a internet.