Categorías
DISEÑO Exposición

La revolució és una ficció, la ficció és una revolució llega a Espacio Cultural EINA

El próximo 2 de noviembre se inaugura La revolució és una ficció, la ficció és una revolució, propuesta de Joan M. Minguet.

La exposición está presidida por una gran cantidad de imágenes y de textos que dialogan en torno a estos dos enunciados. Desde el anonimato. No hay repisas que identifiquen autorías. Y desde un espacio no institucional de la cultura en sentido estricto, un espacio docente, básicamente

Se trata de un proyecto colectivo donde se pretende hacer un ensayo en el marco de una exposición (¿es esto posible?) que muestra cómo la palabra y el concepto REVOLUCIÓN nos ha sido robado, lo usa todo el mundo y desde todas partes, y no siempre con el contenido de revuelta, de insumisión que la palabra y los hechos habían tenido.

La revolución se diluye, pero hay revolucionarios, gente con voluntad de transformar las cosas. ¿Quizás la FICCIÓN es un camino para hacernos más sublevados? ¿Tiene razón un cartel histórico cuando dice que «El arte es un arma de la revolución»?

La muestra permanecerá abierta hasta el 25 de noviembre y se puede visitar de lunes a viernes de 16h a 20h.

Inauguración: 2 de noviembre a las 19h

Lugar: Espacio Cultural EINA Barra de Ferro (Barra de Ferro, 2, Barcelona)

Duración: hasta el 25 de noviembre. De lunes a sábado, de 16h a 20h

Tipología: Actividad gratuita abierta a todos los públicos

Todas las imágenes son ©EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona

Categorías
Exposición Fotografía

Reflexiones de la figura femenina por Charles Hinojosa

En la actualidad parece que cada día hay menos tiempo para detenerse y pensar en nosotros mismos, conectarnos con nuestros cuerpos, como si nos olvidáramos de la piel que habitamos, estos elementos son los que busca debatir la fotógrafa Charles Hinojosa en Impasse.

La exposición, que se presentó en la galería de Arte Moderno Flux Z Chopin//Studio, y permanecerá hasta el 16 de noviembre de 2017, es una invitación a darse un tiempo de pausa y de reflexión para decantar un contexto de globalización, en donde la proliferación de imágenes es delirante.

En esta suerte de caos perceptual, Charles Hinojosa traza con brújula una constelación personalizada, a través de un Impasse de asimilación y silencio.

La mujer, en este marco, es vista por fuera, por dentro, por ella misma; se revela y se rebela, re- significando su sentido ontológico. Un revival, o recuperación sígnica del pasado, la imagen femenina se recupera en la posmodernidad.

«Se trata de trasgredir los lenguajes entre si, trabajar en ellos para buscar una nueva sintaxis de la forma.
Antes la mujer era solo mirada por el hombre. Pero los símbolos del amor y la fertilidad ya no pueden ser representados de la misma manera. En el marco de la vida contemporánea el cuerpo de mujer se lee de otra manera, se empodera, se fragmenta a veces se desintegra, para renacer de sus cenizas», expresó Hinojosa con relación a su primer trabajo fotográfico.

Pero, frente a este frenesí de imaginarios… ¿Qué nos dicen los desnudos desafiantes, a veces hieráticos de Charles Hinojosa?, ¿Qué nos dicen estos cuerpos femeninos escultóricos y rígidos que buscan salir de encuadres? ¿Una explosión? ¿Una implosión? ¿Hacia dónde? -se pregunta la directora general de Flux Z Chopin//Studio Delmari Romero Keith.

Bajo esta mirada, ¿Qué cuestionan estos seres, a veces, crudos a veces disolutos? de esta semio-nauta que navega a través del tiempo? Y si el arte es una entrevista infinita con las formas y ese diálogo es una negociación perpetua que deriva en motor creativo, «¿Qué nos dicen hoy, estas mujeres?, ¿Qué elementos retoma de sus referentes como Abaporu de Tarsila do Amaral, o algunos ecos de Tina Modotti?», continua Romero Keith.

Desde la perspectiva de la directora general de Flux Z Chopin//Studio, el desnudo femenino -tema recurrente en la historia del arte-, se recupera en el Renacimiento como símbolo de plenitud y energía; tiene posturas y facciones en los desnudos de Charles Hinojosa que se acercan más al ideal de guerreras que resisten los estereotipos, como si hubiera filmado la misma realidad cambiando el ángulo de la cámara.

Los postulados estéticos de Hinojosa –explica Delmari Romero Keith-, nacen de esa contemplación con la historia del arte. Conoce los códigos y herramientas del quehacer contemporáneo. Así, en este aprendizaje pareciera que la fotógrafa se da un Impasse de introspección y de reserva para contenerse y generar distancia. El arte es esa mirada identitaria de la distancia.

Desde una perspectiva más rica y compleja que la simple denuncia del acto de poder, quizá la joven artista pretende imaginar que aún es posible innovar la realidad, así al plasmarla, la transforma. Hoy día, entre muchas posiciones, se define la obra de arte no tanto como objeto, sino como acontecimiento, como un momento de epifanía y de transformación ontológica, como un instrumento de vinculación con la cultura: el arte, retoma su origen como lenguaje y evolución transformadora.

Todas las imágenes son © Charles Hinojosa

Categorías
Arte Contemporáneo Exposición

Un elogio a la locura por Pedro Friedeberg

Inspirado por el ensayo El Elogio de la Locura, considerado como una de las obras más influyentes de la literatura occidental, catalizadora de la reforma protestante en el s. XVI, Pedro Friedeberg produce una serie de obras que conforman una traducción visual al texto.

En esta serie, el artista presenta una secuencia de imágenes con un ritmo cinemático y lúdico. Sus imágenes denotan una suspensión del movimiento que ubica a la problemática moral planteada por Erasmo de Rotterdam en un contexto sociocultural actual.

Erasmo realiza una original crítica a la heráldica, el egoísmo, la “sangre azul” y las pretensiones de la genealogía como una forma de locura que todos admiran. Friedeberg suma a esta locura atemporal, la crítica a la moralidad distorsionada por los avances tecnológicos, la omnipresencia cotidiana de las telecomunicaciones, el crecimiento económico lineal, el deterioro ambiental  y la adopción descontextualizada de los sistemas espirituales asiáticos como formas de exacerbación de la locura.

Además como parte de la exposición de esta serie de 40 piezas resultado del acercamiento estético de Pedro Friedeberg al texto de Erasmo de Rotterdam, MAIA en colaboración con el reconocido estudio de tatuajes «estudio 186» presenta tattoo shop de Pedro Friedeberg, en el que elementos y personajes presentes en la obra del artista serán traducidas del papel a la piel. El catálogo de imágenes para ser tatuadas incluye personajes surrealistas, elementos geométricos y abstracciones recurrentes en la obra del artista. Cada tatuaje será único e irrepetible y podrá ser adquirido y certificado por el artista a lo largo de la exposición.

Todas las imágenes son © Maia Contemporary

Categorías
Exposición Ilustración

Imaginario del pulque explorado por Mayra León

Cada bebida alcohólica del mundo tiene sus mitos e historias fantásticas que giran en torno a su creación, por eso no es de extrañar que los creativos las tomen como tema central de sus obras.

Lo anterior es el punto de partida para Mayra León, quien en Elíxir desarrolla una serie de ilustraciones que giran en torno al pulque, esa bebida ancestral y que está relacionada a los dioses del antiguo México.

Mayra describe su trabajo «como conjunto de dibujos que conforman mi más reciente libro de artista, que trata sobre una mítica versión sobre la creación del pulque. Yo no quería hacer una apología sobre la embriaguez, sino proponer una mirada personal hacia un elemento tradicional de la cultura mexicana; así, ya en lo rural como en lo urbano, desarrollo estas imágenes que cuentan una historia como hilo principal, y otra casi clandestina, encubierta: una historia de amor. A estas imágenes la sigue una serie de pinturas que acompañan al pulque, y al imaginario que sobre el permea en nuestro pueblo».

Respecto a su proyecto, comparte que un libro de artista «es un soporte –como el lienzo al pintor, o el barro al ceramista- donde el pasar de las hojas y la manipulación del objeto son una de sus características principales, pero no es un libro en el sentido tradicional, sino una propuesta del artista para expresar por este medio su discurso. Yo lo encuentro excelente para difundir mi trabajo entre un público más amplio; por eso desde hace cuatro años hago y hacemos –en lo personal y en lo colectivo- libros de artista en el taller que nombramos “Amoxcalli”, voz náhuatl que significa “casa del libro”, que era como los antiguos mexicanos llamaban a sus bibliotecas, donde resguardaban sus libros (que ahor5a conocemos como códices).


Todas las imágenes son © Mayra León

Categorías
Exposición Pintura

Discursos de la piel llegan al Munal

El Museo Nacional de Arte (Munal) presenta la exposición Discursos de la piel, que muestra al visitante las contribuciones que Felipe Santiago Gutiérrez realizó al desarrollo de la pintura decimonónica en México.

Santiago Gutiérrez fue quien logró el primer desnudo total femenino realizado en Colombia y México. Con lo cual tradujo a la pintura el lenguaje literario metafórico del cuerpo femenino. De acuerdo con el Munal los visitantes reconocerán las diversas facetas estéticas del artista y su incursión en varios géneros pictóricos. Así como los viajes que realizó a distintas regiones de Europa.

Bajo la curaduría de Víctor Rodríguez Rangel y conformada por alrededor de 110 obras, Discursos de la piel explora las diversas etapas creativas del pintor texcocano y, junto con piezas de 31 artistas de la talla de Camille Corot, Franz Xaver Winterhalter, Jean-Joseph Benjamin-Constant, Pelegrín Clavé, Federico de Madrazo y Kuntz, Édouard Dantan y Juan Cordero, revalora a uno de los creadores más insignes de la escena mexicana.

Dividida en cuatro núcleos temáticos, esta muestra no solo revela las aportaciones de la obra de Gutiérrez a la consolidación de un estilo artístico nacional, sino también su importancia para la sedimentación de una escuela de pintura moderna en Colombia.

Las naturalezas del cuerpo en la academia, primer apartado de la exposición, ahonda en el estilo artístico predominante en la Academia de San Carlos durante los años en los que Gutiérrez fue alumno. Las obras de diferentes géneros pictóricos realizadas por él y otros creadores dan cuenta del cambio entre el estilo pictórico realista y el claroscuro, así como las transformaciones en el tratamiento del dibujo de la piel y el cuerpo. Sobresalen La caída de los ángeles rebeldes (1850) y San Bartolomé (s. f.) de Gutiérrez.

En Decoro y lujo. El retrato, segunda sección de la muestra, se presenta un conjunto de retratos que Gutiérrez realizó de personajes destacados y funcionarios. Son efigies trazadas en diferentes formatos que permiten testificar las aptitudes artísticas de su progresivo refinamiento como fisonomista. En este espacio, dichos retratos y los realizados por Winterhalter y Madrazo dialogan con los de Clavé, profesor de Gutiérrez.

En el tercer núcleo de la exhibición, Impresiones de viaje, se ilustran las vivencias e influencias artísticas que cosechó Gutiérrez a lo largo de los 20 años que recorrió Norteamérica, Sudamérica y Europa. Muchacha italiana (ca. 1872) de Camille Corot y Retrato de mulata (1875) y Mendigo (ca. 1891) de Gutiérrez son algunas de las piezas que el público no se puede perder.

Finalmente, en Imaginarios del desnudo femenino, última sección de la exposición, se observa el desarrollo en el tratamiento del desnudo femenino y la transformación de la tradición iconográfica en las academias de arte durante el siglo XIX. Ejemplo de ello es La cazadora de los Andes (ca. 1891), pieza emblemática de Gutiérrez que se convirtió en uno de los referentes más importantes del desnudo femenino en México. En este apartado también sobresalen obras como Desnudo barroco (ca. 1920) de Germán Gedovius y Odalisca acostada (ca. 1870) de Jean-Joseph Benjamin-Constant.

Todas las imágenes son © Conaculta

Categorías
Exposición

MODO reflexiona en torno a la pasión del fútbol en México

Uno de los deportes que más impacto tiene en el mundo, sin duda, es el fútbol (o football, dependiendo de lo quisquilloso que seas), por eso es necesario reflexionar acerca del impacto cultural que tiene en la sociedad.

Para ahondar en estas particulares perspectivas el Museo del Objeto (MODO), inauguró la exposición 11 décadas de fútbol en México, un viaje por los más de 100 años que tiene de existencia el fútbol mexicano.

La muestra pretende rescatar mediante artículos de varios coleccionistas la memoria del fútbol mexicano que data de los primeros años del siglo XX con la fundación del Orizaba Athletic Club en 1901.

La exposición curada por Manuel y Christian Cañibe presenta los diferentes aspectos que conforman el mundo del futbol en México a través de uniformes, trofeos, reliquias, fotografías, publicidad, vídeos, carteles y balones.

“Los temas de la exposición incluyen: los equipos y su vestimenta; los mundiales en México y la selección nacional, los grandes jugadores de todas las épocas, el futbol en los medios de comunicación, la época romántica del balompié mexicano, los elementos esenciales del juego y los íconos del futbol local”, señaló Christian Cañibe.

Tras el sismo del 19 de septiembre, el recinto ubicado en la calle Colima 145, colonia Roma Norte, informó en un comunicado que reabrirá sus puertas este miércoles con la intención de brindar un espacio amable para la mente y corazón del público en general.

Todas las imágenes son © MODO

Categorías
Exposición Pintura

Poesía y plástica tomadas por Peñalta en Lecturas pétreas

Lo que somos, creemos, deseamos, tememos y aborrecemos es lo que plasmó el artista plástico Peñalta en su exposición Lecturas pétreas que desde 24 de agosto puede recorrerse en el vestíbulo del Foro Polivalente Antonieta Rivas Mercado de la Biblioteca de México.

La exposición está construida bajo una novedosa técnica que consiste en pintar sobre piedra, intervenir y extraer de ella personajes y seres, en sintonía con el fenómeno psicológico llamado “pareidolia”.

En su mensaje, Peñalta convocó a los asistentes a recordar esos momentos de la infancia cuando nos imaginábamos seres misteriosos en las nubes o en cualquier superficie con formas, ahora toca a la piedra proveer de personajes que sólo quien los observa puede describir “es una forma muy especial de presentar una obra inacabada, además sólo se graba en piedra lo memorable”.

La obra dialoga con la poesía que es el eje central de la exposición “creo que se ve magnifica aquí rodeada de libros, del pensamiento mexicano, de los textos especiales de Eduardo Casar, Josué Ramírez y Luigi Amara parte integral de la exhibición”.

La exposición está integrada por 20 piezas de dos centímetros de grosor y un promedio de 75×45 centímetros que están trabajadas como óleo sobre ónix, pero también se encuentran piezas sobre mármol y cuarcita.

Entre las obras que integran la muestra están Niña migranteMelancolíaFumando fuegoMiradasEl gritoContemplación y Rostro, piezas en las que el público cada vez que las vea encontrará algo diferente pero siempre relacionado a un encuentro con la naturaleza y lo humano.

Cuando vemos la obra artística no sabemos qué se imaginó el artista al momento de intervenir la piedra, quizá sólo agregó un poco de pigmento para resaltar al personaje detenido ahí  durante cientos de miles de años y la forma de trabajarlo, la forma de sugerir sólo concluye cuando el espectador está frente a la pieza observado detalle a  detalle la superficie de la roca.

Como parte de una serie de presentaciones que contemplan galerías, espacios públicos y privados como la casa del arquitecto Barragán, pronto también en la SecretarÍa de Cultura o el Ahuehuete de la Roma, Lecturas Pétreas muestra el dinamismo que coloca a Peñalta en uno de los lugares más importantes de la cultura mexicana, con una propuesta muy poderosa, que radica tal vez un poco en su inocencia y el ejercicio de ser niño una vez más.

Del 24 de agosto al 24 de septiembre están invitados a presenciar el arte de Peñalta en Foro Polivalente Antonieta Rivas Mercado de la Biblioteca de México, Plaza de La Ciudadela 4, col. Centro, Ciudad de México.

Categorías
Exposición Instalación

Carne y arena, plantea experimentar migración en una experiencia individual

La instalación Carne y arena (Virtualmente presente, físicamente invisible) rompe el paradigma del cine como fenómeno colectivo y lo transforma en una experiencia individual, que se presentará en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco a partir del 18 de septiembre.

El proyecto, que surgió hace cuatro años, explora la condición humana y la crisis que la humanidad atraviesa a nivel mundial con el fenómeno de la migración, aseguró su creador, Alejandro G. Iñárritu.

La exposición  es un trabajo de realidad virtual que enfrenta al espectador con la vivencia de los migrantes mexicanos y centroamericanos en su intento por cruzar la frontera con Estados Unidos.

Esta experiencia sensorial inédita, en la que G. Iñárritu utiliza tecnología de punta nunca antes usada para crear un espacio multinarrativo, es un trabajo inmersivo que potencia la empatía hacia estos viajeros y está inspirado en historias verdaderas para explorar la condición humana de los migrantes.

En colaboración con el fotógrafo Emmanuel Lubezki, el realizador crea una obra que busca borrar la frontera entre los personajes y el espectador. De mero observador, el público se vuelve protagonista de la instalación.

Carne y Arena se exhibirá en México en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco a partir del 18 de septiembre, tras presentarse en el Festival de Cannes (se trata del primer proyecto de realidad virtual incluido en la selección oficial de dicha muestra), en el Museo LACMA en la Ciudad de Los Ángeles, así como en la Fundación Prada, en Milán.

Durante cuatro años, G. Iñárritu conoció y entrevistó a diversos migrantes. Sus historias lo persiguieron a tal punto que decidió crear esta pieza artística única en su género, gracias a la cual el público se ve obligado a caminar por el desierto para presenciar y compartir la condición humana de quienes cruzan la frontera entre México y Estados Unidos, pero que alude al tránsito entre todas las fronteras del mundo.

La instalación se limita a una persona a la vez, ya que el participante en solitario tiene la libertad de moverse físicamente dentro de un espacio de unos 200 metros cuadrados donde puede observar la acción desde diferentes perspectivas.

En esta producción de Mary Parent Entertainment, ILMxLAB de Lucasfilm, Fondazione Prada y Emerson Collective participan migrantes reales que decidieron compartir su historia, digitalizados y convertidos en los actores virtuales de la experiencia.

La presentación de esta pieza en la Ciudad de México es posible gracias al trabajo conjunto y a los acuerdos alcanzados entre su realizador, los productores, la Universidad Nacional Autónoma de México y el Gobierno de la Ciudad de México. Cuenta con el apoyo de Cinépolis y de su director general, Alejandro Ramírez.

Debido a la naturaleza de la instalación, que implica una visita individual cada 15 minutos, sólo será posible ingresar ya con el boleto comprado con anterioridad. No habrá boletos a la venta en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

Los boletos de Carne y Arena estarán disponibles semanalmente en el sitio web www.carneyarenatlatelolco.com, a partir del lunes 18 de septiembre.

Cada lunes se abrirá la taquilla hasta agotar los boletos disponibles para la semana en curso. Cada persona podrá comprar máximo dos entradas y no será posible adquirir pases con anticipación para fechas posteriores.

Quienes no cuenten con las posibilidades de hacer la compra vía electrónica, podrán acudir a las taquillas de los cines del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria), que abrirán los lunes a partir de las 9 am. Es importante aclarar que sólo se venderán físicamente 40 boletos para las funciones de esa misma semana y que únicamente se podrán adquirir dos boletos por persona.

El boleto, con un costo de 300 pesos, tendrá un descuento de 50 por ciento para estudiantes, maestros y trabajadores de la Universidad Nacional Autónoma de México, estudiantes de Prepa Sí, personas con discapacidad, trabajadores y maestros del Gobierno de la CDMX y afiliados al INAPAM. En todos los casos está sujeto a disponibilidad e incluye el acceso al resto de los proyectos y las exposiciones del Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

Categorías
Eventos Fotografía

Fotografías del lado oculto de René Magritte

A mediados de 1970, una serie de fotografías y películas de René Magritte fueron descubiertos, 10 años después de la muerte del artista.

Todo este material, que forma parte de la muestra René Magritte: The Revealing Image, Photos and Films, será presentado en una exposición exclusiva en la Latrobe Regional Gallery, Australia, que ofrece una nueva perspectiva sobre uno de los fundadores del movimiento surrealista belga.

Estas imágenes no sólo nos dan acceso raro a un Magritte informal y a las personas cercanas a él; su descubrimiento ha llevado a un examen de la estrecha relación que mantuvo Magritte con la fotografía y el cine.

El director de esta exposición, Xavier Canonne (Director del Museo de Fotografía de Charleroi, Bélgica) ha conseguido estas obras, en su mayoría procedentes de colecciones privadas europeas, inaccesibles al público, con obras raras de la Fundación Magritte y del Museo de Fotografía Charleroi.

Magritte era conocido por su ironía y sus enigmas: cielos azules, manzanas y sombreros de coco. La exposición presenta 130 fotografías del artista, sus amigos y colegas, junto a ocho películas, incluyendo muchas piezas que nunca fueron exhibidas.

Todas las imágenes son © Latrobe Regional Gallery

Categorías
Exposición Fotografía

Exposición nos llevará al mirar de Juan Rafael Coronel Rivera

La obra del fotógrafo y curador Juan Rafael Coronel Rivera presentará su exposición Rappel à l’ordre: La plaga, un análisis visual alrededor del turismo, en el Centro Deportivo Israelita de la Ciudad de México, el próximo 10 de septiembre.

La exposición está integrada por 49 fotografías impresas en plata sobre gelatina en formato de 11 x 14 pulgadas. Las imágenes fueron realizadas por el también poeta.

La exhibición, que fuera originalmente realizada para la Terminal 1 del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México-, marca el retorno del fotógrafo al circuito de exposiciones. Coronel Rivera no había mostrado su trabajo de manera individual desde el año 2009.

El ensayo que acompaña su portafolio fotográfico, fue escrito por el crítico José Antonio Rodríguez quién dice: «Sin duda, ante un proyecto de esta naturaleza, estamos en un dilema. El dilema de cómo se mira al Otro. O bien, del cómo somos mirados. Del cómo nos deslizamos en territorios ajenos y propios y del cómo otros transitan, por ahí mismo, mirándonos. Veamos si no».

Todas las imágenes son © Juan Rafael Coronel Rivera