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Exposición Ilustración

EINA expone el difícil trabajo de ser ilustrador

La muestra Bajo la Piel habla de la parte más compleja del trabajo como ilustrador: la creación de imágenes más allá de lo evidente.

Esta exposición, que se inauguró el 13 de julio en EINA Espai Barra de Ferro, reúne una gran variedad de recursos gráficos y audiovisuales de 22 ilustradores de 9 nacionalidades diferentes: Argentina, Chile, México, Colombia, Brasil, España, Ucrania, Irlanda y Noruega.

Los trabajos de los alumnos de la 9a edición del Postgrado en Ilustración creativa y técnicas de comunicación visual de EINA, Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona, invitan al público a ponerse en la piel del ilustrador y buscar bajo la superficie de las cosas.

La piel es la capa exterior de una persona, nos une y nos diferencia de los demás, nos cubre y otorga identidad. Es el único órgano que está en contacto directo con el mundo y va recogiendo nuestra historia, que se graba en forma de cicatrices.

Bajo la Piel es el tema paraguas de esta muestra colectiva que refleja la parte más dura de la profesión, la búsqueda constante, aunque a veces no sea lo más fácil y salgamos arañados.

Los estudiantes del Postgrado en Ilustración creativa y técnicas de comunicación visual de EINA, coordinado por Philip Stanton, participantes en la muestra son: Josefina Alvarez, Sebastian Becerra, Karoline Buer, Nuria de Bofarull, Karoline Buer, Margarita Díaz, Francesc Estrada, Camila García, Josephine Geoghegan, Sergio González, Evelina Iatselenko, Daniela López Castaño, Melissa Figueroa, Nayla Kaiser, Leonardo Lester, Javiera Mac-lean, Eugenia Margarit, Andressa Meissner, Andrés Naranjo, Diego Plaza, Laia Riol, Alba Sanjuán y Vale Wilson.

Imagen © Josefina Alvarez

Imagen © Evelina Iatselenko

Imagen © Vale Wilson

Imagen © Alba Sanjuán

Imagen © Laia Riol

Imagen © Diego Plaza

Imagen © Andrés Naranjo

Imagen © Andressa Meissner

Imagen © Eugenia Margarit

Imagen © Javiera Mac-lean

Imagen © Leonardo Lester

Imagen © Nayla Kaiser

Imagen © Sergio González

Imagen © Josephine Geoghegan

Imagen © Camila García

Imagen © Melissa Figueroa

Imagen © Francesc Estrada

Imagen © Margarita Diaz

Imagen © Nuria de Bofarull

Imagen © Karoline Buer

Imagen © Sebastian Becerra

En EINA consideran que la ilustración se ha convertido en un recurso visual imprescindible de los medios de comunicación (soporte papel, audiovisual o digital) y por eso se erige como catalizador que recoge y pone en contacto las diferentes procedencias, inquietudes, ambiciones y maneras de hacer que coexisten en un sector tan diverso.

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Arte Digital Exposición

Infosphere, muestra que reflexiona el efecto de lo digital en el arte

Para explorar cómo ha transformado lo digital al arte por lo que creativos, arquitectos y científicos presentan en la exposición Infosphere, una muestra proveniente del ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe llega al Centro Nacional de las Artes (Cenart).

El término infósfera (infosphere) fue usado por primera vez en 1971 para definir la capa de información que se genera a partir del intercambio de datos. Este neologismo engloba la red técnica desarrollada a partir de la telegrafía, telefonía, televisión, radio, el radar, los satélites y el Internet.

Esta red abarca todo el planeta y permite el intercambio mundial de datos, así como la organización para el desplazamiento de personas y el traslado de mercancía. Sin el tráfico mundial de datos, bienes y pasajeros, sería imposible satisfacer las necesidades y aspiraciones materiales y existenciales de más de siete mil millones de personas.

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Blast Theory
Colección: ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe

La exposición Infosphere busca poner de manifiesto cómo el arte responde al reto de una sociedad global interconectada. Las 35 piezas de esta muestra abarcan diversos temas: desde el fenómeno cultural de la digitalización, hasta la visualización de ondas electromagnéticas o la geología de los medios y la materialidad de sus infraestructuras. De igual manera, plantea un análisis artístico de algoritmos, soberanía de datos, redes sociales y Big data, realizado a partir de distintas disciplinas que observan las contingencias acarreadas por la infósfera.

Infosphere fue curada por Peter Weibel, Daria Mille y Giulia Bini, miembros del ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe, uno de los espacios dedicados al arte y tecnología más destacados del mundo. La exposición formó parte del Festival GLOBALE, con el que el ZKM (Zentrum für Kunst und Media) celebró los 300 años de fundación de la ciudad alemana de Karlsruhe; ahora una nueva versión de ella se presentará en el Cenart.

La exposición estará acompañada de diversas actividades complementarias, como talleres, charlas y visitas guiadas para niños y el público general. Durante los últimos días de exhibición se contará con la presencia de las curadoras para realizar recorridos guiados, así como un programa de video comentado.

Infosphere será inaugurada el 25 de mayo a las 19:00 horas y podrá ser visitada de martes a viernes de 10:00 a 18:00 horas en las galería Central, Espacio Alternativo y Arte Binario del Cenart, hasta el 3 de septiembre de 2017.

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Imagen archivo de Wafaa Bilal, selección de imagen de 3rdi, performance de 1 año,
2010-2011. Cortesía de Mathat: Arab Museum of Modern Art.

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Wafaa Bilal
Imagen archivo de Wafaa Bilal, selección de imagen de 3rdi, performance de 1 año,
2010-2011. Cortesía de Mathat: Arab Museum of Modern Art.

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Postcards from google earth
Clement Val

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Laurent Grasso
Cortesía del artista, Sean Kelly Gallery y Galerie Perrotin.
© Laurent Grasso / ADAGP, París, 2017

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Laurent Grasso
Cortesía del artista, Sean Kelly Gallery y Galerie Perrotin.
© Laurent Grasso / ADAGP, París, 2017

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World Brain
Stéphane Degoutin y Gwenola Wagon
Imagen de Anatole Serexhe cortesía de ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe

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The Algoritmic Treading Freak Show
RYBN.ORG
Imagen de Anatole Serexhe cortesía de ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe

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Arte Contemporáneo Exposición

Para los amantes de la creatividad, llega la III edición de venta de arte en Blend

Espacio 22, dedicado a la promoción, exposición y venta de arte en Blend, la tienda de diseño más importante del país, lanza su tercera exposición y venta de obra de grandes artistas contemporáneos.

Para esta ocasión se invitaron a 9 jóvenes artistas contemporáneos: Alvaro Ugarte, Begoña Gonzalez, Alexis Mata (Ciler), Isauro Huizar, Jacinta Lanz, Mary Carmen Guzmán, Martin Gerard, Prince Lauder y Sofía Echeverri.

La exposición y venta de arte de Espacio 22, permanecerá abierta al publico hasta el 30 de Junio 2017 en Paseo de las Palmas 520, Lomas de Chapultepec.

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CILER.- Alexis Mata, mejor conocido como “Ciler”, artista visual mexicano quien comenzó su carrera como grafitero en 1997. Ciler toma imágenes existentes y las transforma para darles nuevos significados El artista ha expuesto su obra en México y Europa, y ha colaborado como ilustrador y diseñador gráfico para marcas como Vans, Nokia, Nike y Kid Robot. Ciler, es un artista de formación autodidacta, empezó por explorar las imágenes de la cultura popular contemporánea. Recientemente el artista se ha enfocado en las dimensiones subjetivas de los personajes que lo rodean. Ciler es uno de los artistas urbanos más reconocidos y aclamados en nuestro país.

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ALVARO UGARTE.– El trabajo de Álvaro Ugarte nace en la observación crítica. Mediante métodos de investigación poco comunes, Ugarte pone al objetivo artístico a interactuar en el plano de la cotidianidad, a través de preguntas que abren paso a la casualidad y la incertidumbre. Estas acciones, siempre con finales inesperados, toman la forma de esculturas, dibujos y otros tipos de soportes documentales. Recientemente Ugarte ha expandido su campo de estudio a las estructuras de poder, la política urbana y la migración. A partir de procedimientos aparentemente absurdos, como el espionaje y la consulta esotérica, cuestiona el funcionamiento de estos fenómenos dentro contextos sociales específicos.

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BEGOÑA GONZÁLEZ.- Egresada de la Carrera de Diseño Gráfico. Estudio fotografía en Sidney y perfeccionó su tecnica en fotografia arquitectonica. Actualmente se enfoca a la fotografía de proyectos arquitectonicos y naturaleza.

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ISAURO HUIZAR.- Egresado de la carrera de arquitectura de la Universidad de Monterrey y del programa educativo SOMA. La obra de Huizar ha sido incluida en la XII Bienal Femsa, Monterrey, México (2016) y la XVII Bienal Antonio López Saenz (2012) y ha participado en diferentes colectivas e instituciones y residencias como Fundación Casa Wabi, Oaxaca, México (2016); Lugar Común, Monterrey, México (2016) y Bien Urbain, Besançon, Francia (2015) entre otra importantes.

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JACINTA LANZ.- De padres mexicanos, nació en Dayton Ohio el 27 de mayo de 1985. Egresada de la carrera de Comunicación Visual por Centro de Diseño Cine y Televisión y Co-fundadora y directora creativa de Brandia, despacho enfocado en marcas desde 2011. Entusiasta de la fotografía, ha participado en distintas exposiciones colectivas. Sus fotos fueron recientemente publicadas en el libro The Instagram Book, donde destacan a los usuarios más influyentes y creativos de la aplicación. Actualmente cursa la especialidad de Diseño del mañana en Centro de Diseño, Cine y Televisión. Y desarrolla el proyecto fotográfico de standtogether.tumblr.com en pro de los derechos de las mujeres.

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MARTÍN GERARD.- Fotográfo mexicano quien recibió su BFA en fotografía del Savannah Collage de Arte y Diseño en 2010. Trabaja en La Recamara: Estudio Fotográfico de la Ciudad de México, un estudio dedicado a la fotografía comercial y de retrato. También trabaja en sus proyectos artísticos que se inspiran en sus momentos cotidianos, recuerdos, sentimientos y emociones.

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PRINCE LAUDER.- Prince Láuder explora las variantes entre la moda y el arte. Cuenta con casi 10 años de trayectoria desde sus inicios en ilustración de moda hasta llegar a ser director artístico de grandes proyectos internacionales. Plasma en cada imagen una idea, un sentimiento. La fuerza de sus imágenes revela una sensación. Ha sido el favorito de importantes editoriales en el mundo, tales como Vogue, Elle, Flair y Harper ́s Bazaar por mencionar algunas. La historia que cuenta en cada imagen, las texturas desordenadas pero con delicadas formas, le dan ese punto mágico a sus colaboraciones. Marcas como Chanel, Givenchy, Miu Miu y H&M, le dan absoluta confianza a la imaginación de este artista. Actualmente ha sido galardonado como uno de los 100 mejores artistas del collage en el mundo, publicado en ellibro “Making a Splash” en Hong Kong.

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SOFÍA ECHEVERRI.- Lic. En Artes Visuales por la Universidad de Jalisco. Estudió dibujo y pintura. Realizó estudios de técnicas antiguas y modernas del dibujo en la ciudad de Paris, Francia (2000) y un taller de litografía en Leonard Codex, Brooklyn, Nueva York (2011). Su principal influencia en pintura actualmente son los artista Alex Tinei, Per Kirkeby y Alex Kanevsky. Realizo un taller de cerámica en la Ciudad de México (2016).

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Exposición Fotografía

Año dual México-Alemania celebra la riqueza biológica

México vivo. Una travesía megadiversa es una exposición que muestra la riqueza biológica de México, a través de un recorrido por una parte de nuestro país vinculándolo con algunas aportaciones de científicos alemanes que contribuyeron a su mejor entendimiento.

El objetivo principal de la exposición, que es parte de la programación germana del Año Dual, es lograr que la importancia de la conservación de la biodiversidad se ancle en la forma de pensar y actuar del público para que tome acciones responsables y urgentes.

La muestra presenta seis ecosistemas representativos de México por su diversidad biológica y cultural. Usando la metáfora de un viaje en carretera, se pretende motivar y sensibilizar a los visitantes sobre el valor intrínseco de la naturaleza y la biodiversidad.

Este proyecto es el resultado de la colaboración entre instituciones mexicanas y alemanas como el Instituto de Biología, la Dirección General de Divulgación de la Ciencia y el Museo Universum de la UNAM; CONABIO, Goethe-Institut Mexiko, GIZ y el Jardín y Museo Botánico de Berlín.

Su contenido hace un revisión crítica de la historia y el presente de la sensibilidad social ante la naturaleza y la biodiversidad, en momentos en que urge tomar acciones a todos los niveles para preservar y proteger el patrimonio natural.

México vivo. Una travesía megadiversa constará de exhibiciones interactivas, fotografías, audios, videos y más, que explicarán a los visitantes el vínculo entre la sociedad –de un mundo cada vez más globalizado-, con la naturaleza y viceversa.

Plantas y herbarios, documentos de investigación antiguos y contemporáneos, fichas y modelos, así como también planteamientos artísticos sobre la complejidad de la biodiversidad, rompen con los puntos de vista disciplinarios tradicionales y provocan una reflexión sobre la relación de la humanidad con su entorno natural, teniendo presente que hablar de la naturaleza significa hablar sobre nosotros mismos.

Al mismo tiempo, una de las metas de esta muestra es traducir la reflexión crítica en métodos de acción responsable en la vida cotidiana y en función de la protección de nuestra biodiversidad.

México vivo. Una travesía megadiversa se inauguró el pasado 27 de abril a las 12:00 horas en el Museo Universum de la UNAM, ubicado en Ciudad Universitaria.

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Todas las imágenes son © Helga Ochoterena y Steven Dessein

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Exposición Pintura

Alex Lazard y su pintura en «equilibrio alternativo»

La pintura tiene una forma única de «hablar» con el espectador, una manera en la que el pintor logra tocarnos, así son las obras de Alex G. Lazard, quien insiste en este tipo de arte y se puede apreciar en la muestra Equilibrio Alternativo.

La exposición, que se encuentra en el Centro Cultural del México Contemporáneo (CCMC), alude al hecho de que cada obra tiene una temática distinta, de allí que es un equilibrio alternativo de cómo el autor percibe la realidad.

Estas piezas se inspiran en temas emocionales que reflejan la idiosincracia plástica mexicana, mismas inquietudes que plasma en grabados realizados en distintas técnicas.

Las pinturas de Alex Lazard son en su mayoría de gran formato, realizadas principalmente en acrílico. En cuanto al grabado, utiliza las técnicas sobre madera y metal.

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Para sus pinturas utiliza linóleo, no tela para pintar, ya que es un material muy rígido que me permite ponerle mucha carga a sus cuadros. También llega a trabajar con el grabado. La razón del gran formato es que tiene una paleta muy estridente porque los trazos son muy libres y llenos de una carga emocional.

Lazard no trabaja con un bosquejo anterior, para él “todo surge en el momento”, le gusta jugar con elementos figurativos, “alargarlos y volverlos más juguetones, surrealistas, expresionistas».

Alex cuenta entre sus obras artísticas más relevantes pinturas de gran formato, realizadas principalmente con acrílico u óleo sobre tela.

Las piezas aquí mostradas son sólo una probada, ya que el trabajo que se muestra en el CCMC son sus más recientes trabajos.

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Todas las imágenes son © Alex García Lazard

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DISEÑO Eventos Exposición

Diseño industrial de los 50s de Polonia y Checoslovaquia

La exposición Bruselas en Praga, Picasso en Varsovia. Diseño en Europa Central 1956–1968 es el resultado de una colaboración entre el IED Madrid y los países del Grupo de Visegrado: Polonia, que actualmente preside el Grupo, la República Checa, Eslovaquia y Hungría.

La exposición muestra el diseño industrial de la segunda mitad de la década de los 50 y de los años 60 de dos países de Centroeuropa: Polonia y Checoslovaquia, una década excepcional en la que gracias al “deshielo” político iniciado tras la muerte de Stalin se produjo una verdadera expansión del diseño moderno de objetos de uso cotidiano: muebles, objetos de cerámica, lámparas, telas o aparatos eléctricos y técnicos.

En la exposición se presentan objetos de uso cotidiano que en la época cambiaron el aspecto de las casas polacas y checoslovacas: muebles, juegos de café de porcelana, floreros, ceniceros, fuentes y platos decorativos, objetos de vidrio y aparatos eléctricos. Desde la perspectiva del tiempo, algunos de los objetos expuestos asombrarán por su frescura, modernidad y actualidad visual.

Los objetos están expuestos en grupos temáticos, lo que permite a los espectadores comparar las dos escuelas de diseño que nunca fueron comparadas en su época. Presentamos también dos recreaciones de interiores “modélicos” de viviendas equipados con muebles y accesorios populares en aquellos años.

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En lo que respecta al mobiliario, en esta época se dio el paso clave de abandonar el diseño de conjuntos de muebles para estancias concretas, apostando por muebles individuales, escogidos por los usuarios concretos según sus necesidades, en un camino hacia la modernización. En consecuencia del éxito internacional de los muebles polacos, en los años 60 se convirtieron en producto de exportación, sobre todo a los mercados occidentales, aunque también a otros países del bloque comunista. Como curiosidad, en 1961 las fábricas polacas comenzaron a suministrar diseños polacos a la red de tiendas suecas IKEA.

Los objetos que componen la exposición proceden de dos colecciones privadas: una pertenece al coleccionista polaco Filip Spek, historiador del arte y comisario de este proyecto y la otra, compuesta por los objetos checoslovacos, es propiedad de Jan Jeništa, coleccionista y polonista checo. Acompañan los objetos unas reproducciones de carteles húngaros de la época que decoran los interiores dispuestos según la moda que predominaba en Centroeuropa en los años 60.

El IED Madrid acoge la exhibición, y en su diseño, producción y organización han participado alumnos y docentes de 2º año del Título Superior en Diseño Gráfico y de 4º año del Título Superior en Diseño de Interiores.

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Día 27 de abril :

12:00 visita guiada con Filip Spek, comisario de la exposición y coleccionista (la visita será en polaco con traducción al castellano)

Para inscripción a las visitas guiadas se ruega confirmar a la dirección:
f.petrosino@madrid.ied.es

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Escultura Exposición Pintura

Melancolía es «diseccionada» en el Munal

Un estado que va más allá de la tristeza, un momento que otorga reflexión, e incluso, creación y en el que todos nos hemos encontrado es la melancolía y es el pilar de la exposición Melancolía, que llegó al Museo Nacional de Arte y permanecerá al 9 de julio de 2017, en las salas del primer piso del recinto.

La muestra ahonda en la manera en la que la melancolía, comúnmente caracterizada por reflejar las pasiones y afectos más oscuros del ser humano, es representada en el arte mexicano.

Se incluye una selección de 137 piezas, entre pinturas, grabados, esculturas y publicaciones, que podrá visitarse del 5 de abril al 9 de julio de 2017, en las salas del primer piso del recinto.

Bajo la curaduría de Abraham Villavicencio García, y conformada por el trabajo de alrededor de 80 artistas de la plástica mexicana, esta exposición reflexiona en torno a la manera en que el sentir humano ha sido explicado, interpretado y representado, dejando ver a la melancolía como una posible raíz de creatividad artística.

En palabras de Villavicencio, “esta exhibición busca exaltar las cargas afectivas evocadas en obras de importantes artistas novohispanos, modernos y contemporáneos a través de temas como el pecado, la culpa, el duelo, el desamor, la muerte, la espiritualidad, la creación y la magia”.

Roberto Montenegro Así es la vida, 1942 Óleo sobre tela 100 x 150 cm.

Roberto Montenegro, Así es la vida, 1942, Colección López Velarde

«Melancolía pone de mani esto que, además de pesadumbre, locura y miedo, este sentimiento es capaz de producir creatividad, heroísmo, intelectualidad y la búsqueda en lo profundo del ser humano. Repensarla de la mano de los artistas mexicanos que participan en esta muestra, es una oportunidad para reencontrarnos con raíces culturales antiquísimas que nos permiten descubrir, bajo una nueva luz, nuestro potencial de trascendencia, de salvación y de autoconocimiento”, apuntó Sara Baz Sánchez, directora del Museo Nacional de Arte.

La muestra está conformada por 4 núcleos temáticos, el primer tema recibe el nombre de La pérdida del paraíso, donde se re exiona sobre las distintas maneras en que el cristianismo representó la amargura y desesperanza tras la caída de Adán y Eva, ocasionadas por la creencia en un pecado original y en la vida privada de la contemplación divina. Se observa al melancólico deambular en sufrimiento incesante por el reproche y el autocastigo. Algunas de las piezas que conforman este núcleo son Rey de burlas (Siglos XVII- XVIII), de Cristóbal de Villalpando; y Después de la tormenta (1910), de Diego Rivera.

Por su parte, La noche del alma, segundo núcleo de la muestra, reúne representaciones artísticas que abordan las pérdidas de amor, como la muerte de los hijos para las madres, la viudez, la orfandad y los amores fallidos, que en algunas ocasiones pueden llevar al suicidio o al sinsentido. La cuna vacía (1871), de Manuel Ocaranza; Margarita arrepentida (1881), de Felipe Ocádiz; Retrato de Sofía (1991), de Julio Galán; La dama de las violetas (1908), de Germán Gedovius; y Bodas del cielo y el in erno (1996), de Arturo Rivera, son algunas de las obras que componen esta selección.

Saturno, dios antiguo que personi caba al tiempo e identi cado con el más sombrío de los planetas, fue considerado responsable de la melancolía. Sus poderes cobran fuerza en La sombra de la muerte, tercer apartado de la exposición, que a través de piezas como María Magdalena (ca. 1690-1700), de Juan Tinoco; Este es el espejo que no te engaña, también conocido como Alegoría de la muerte (1856), de Tomás Mondragón, Así es la vida (1942), de Roberto Montenegro, y Muerte y resurrección (s.XX), de José Clemente Orozco; aborda el desengaño del mundo del que es testigo el melancólico. La muerte se convierte en su gran obsesión como el compañera dialéctica y necesaria de la vida.

Finalmente, en Los hijos de Saturno, último núcleo de la exposición, se da cabida a la idea renacentista según la cual, quienes nacían bajo los signos zodiacales de sagitario y acuario, regidos por Saturno, estarían impregnados de una sabiduría cósmica y del genio artístico; por tanto, estos individuos sobresalían entre la humanidad como ascetas, profetas, santos, místicos, poetas, artistas, lósofos y alquimistas. Eran la prueba de que la melancolía era el camino para ascender hasta la claridad del alma humana y a la mente del universo. Entre las obras que conforman esta sección, sobresalen: Pierrot doctor (1898), de Julio Ruelas; Mujer en la ventana (1948), de Alfonso Michel; El iluminado (1982), de Ru no Tamayo; y Magus (2010), escultura de bronce hecha por Leonora Carrington.

Saturnino Herrán, Los ciegos

Saturnino Herrán, Los ciegos, 1914, Museo de Aguascalientes

La selección de piezas proviene de la colección del Museo Nacional de Arte, además de la invaluable participación de 44 colecciones institucionales y particulares, entre las que destacan las pertenecientes a la Pinacoteca de la Profesa, Isabel y Agustín Coppel, A.C., la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, el Museo Regional de Querétaro, el Museo Franz Mayer, la colección Andrés Blaisten y la colección Pérez Simón, entre otras.

Melancolía estará acompañada por una publicación en español, memoria gráfica de las piezas que conforman la muestra y enriquecida con textos de los especialistas Roger Bartra, Helí Morales, Marcela Martinelli Herrera, Ángel Octavio Álvarez Solís, Jaime Ruíz Noé, Sara Baz, Mónica López Velarde, y un texto curatorial de Abraham Villavicencio García. Este catálogo podrá adquirirse en la tienda del museo.

En el marco de la muestra, y con la finalidad de ampliar la experiencia de los visitantes, el museo presentará un programa de actividades paralelas conformado por una sala de mediación, pláticas con especialistas, un ciclo de cine, y una activación de danza. Todas actividades serán gratuitas y podrán consultarse en la página y las redes sociales del museo.

José María Ibarrarán y Ponce , 1877 Óleo sobre tela 204.7 x 141.5 cm

José María Ibarrarán y Ponce , 1877

Rufino Tamayo El iluminadio, 1982 Óleo y arena sobre tela 95 x 130 cm Col Bravo Ahuja

Rufino Tamayo, El iluminado, 1982, Colección Bravo Ahuja

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Emilio Baz Viaud, La suicida, 1952, Colección Andrés Blaisten

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Baltazar de Echave Ibía, San Pablo y San Antonio ermitaños, siglo XVII, Museo Nacional de Arte

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David Alfaro Siqueiros, Mujer llorando, 1944, D.R. David Alfaro Siqueiros/ Somaap/México/2017

Manuel Ocaranza, La cuna vacía

Manuel Ocaranza, La cuna vacía, 1871, Museo Nacional de Arte

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Manuel Rodríguez Lozano, Mujer de blanco, 1942, Colección Banco Nacional de México

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Juan Tinoco, María Magdalena, siglo XVII, Colección Banco Nacional de México

Félix Parra. Solos 1898

Félix Parra, Solo, 1898, Colección particular

Diego Rivera, Después de la tormenta, 1910

Diego Rivera, Después de la tormenta, 1910,  D.R. © 2017 Banco de México, Fiduciario en el Fideicomiso rela vo a los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

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Julio Ruelas,  Pierrot doctor, 1898 Colección Isabel y Agus n Coppel A.C.

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Exposición Fotografía

Candida Höfer presenta su particular visión «En México»

Las actividades del Año Dual Alemania-México se presenta la exposición internacional Candida Höfer en México, que reúne una selección de la obra que la reconocida artista alemana realizó durante el otoño de 2015.

La muestra, organizada en el marco del Año Dual Alemania-México y los festejos de los 25 años del Mandato Antiguo Colegio de San Ildefonso, se inauguró el martes 4 de abril y estará abierta para disfrute del público hasta el domingo 30 de julio de 2017.

Candida Höfer en México exhibe 25 excepcionales fotografías de gran formato, de la serie que Höfer tituló En México y que la artista realizó de espacios emblemáticos de nuestro país: Teatro Degollado y Hospicio Cabañas, de Guadalajara; Teatro Juárez de Guanajuato; Palacio de Bellas Artes, edificio Basurto, Biblioteca Vasconcelos, Catedral Metropolitana, Museo Nacional de Arte y Museo Nacional de Antropología, de la Ciudad de México; Museo Nacional del Virreinato en Tepotzotlán, Estado de México, Iglesia de Santa María Tonantzintla y Biblioteca Palafoxiana, en Puebla; Iglesia de San Jerónimo Tlacochahuaya y Convento e Iglesia de Santo Domingo, en el estado de Oaxaca. La exposición se complementa con 13 fotografías de formato menor y 2 proyecciones fotográficas en cuyas imágenes se da cuenta de la riqueza del patrimonio arquitectónico nacional al develarse aquellos fragmentos de la realidad que la fotógrafa desprendió del entorno durante su visita a México, gracias al Goethe-Institut Mexiko.

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Las fotografías de interiores de edificios donde se desarrolla la vida social y la enseñanza, como teatros, iglesias, bibliotecas y museos, captadas por Höfer, se distinguen por las atmósferas envolventes que colman la ausencia, logradas a partir de un meticuloso manejo de la luz, del estudio de las estructuras y un rigor preciso que siempre resalta las variaciones características de un determinado lugar. El resultado son “retratos espaciales” en los que confluyen los planos y los colores, así como las relaciones de orden y desorden. El espectador puede adentrarse en las obras, descubrir estos lugares tal como son y observar, a través de una mirada contemporánea, el bagaje histórico y estético de estos sitios.

Para una mejor apreciación, la muestra Candida Höfer en México está dispuesta en siete salas de la planta baja del Antiguo Colegio de San Ildefonso en un total de 939 metros cuadrados. El público podrá disfrutar de las fotografías de recintos icónicos como el Hospicio Cabañas, en donde la perfección representativa de Höfer acentúa la relación inestable entre la forma arquitectónica y la pintura que la cubre. Capta la obra mural de José Clemente Orozco como un tatuaje que recubre el espacio, transformándolo en un mensaje revolucionario. Mientras, los colores saturados de Daniel Buren, artista francés que intervino el Hospicio en 2014, presentan el mismo espacio en una experiencia estética pura y vibrante.

Mediante una cuidadosa elección del punto desde donde la fotógrafa toma la imagen, Höfer produce una composición perfectamente simétrica de espacios en el Teatro Juárez, que coincide, casi punto por punto, con la proyección en perspectiva central del dibujo arquitectónico. El orden visual de esa toma también responde al control de luz y tiempo. Usa la luz natural ajustando la cámara a tiempos muy largos de exposición y cerrando el diafragma al máximo: así se produce la gran profundidad de campo y el detalle de la imagen.

De sus obras, Höfer ha dicho que “no son fotografías de arquitectura, sino retratos de espacios”. No es la representación de un motivo -el interior de un edificio público como el Palacio de Bellas Artes- lo que define su obra; la verdadera intención de su fotografía es producir una epifanía: iluminar el conocimiento del espectador sobre la naturaleza del espacio, a través de la provocación estética. De manera paradójica, es en el vacío de sus vistas envolventes donde se comprende la naturaleza del espacio habitable.

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El proyecto de Höfer en México, puede entenderse como un símil al de aquellos viajeros extranjeros del siglo XIX, como Alexander von Humboldt, Karl Nebel, Johan Moritz Rugendas o Désiré Charnay, que se lanzaron a recorrer el país para encontrar imágenes de paisajes, motivos arquitectónicos o “antigüedades” arqueológicas que permitieran identificarlo en sus características únicas. A esas maravillosas “vistas” decimonónicas reproducidas en grabado, litografía o papel salado, se suman hoy en la contemporaneidad las monumentales y coloridas fotografías de Höfer. Las imágenes de Höfer son una suerte de dioramas posmodernos que además de mostrar los objetos arqueológicos, los asocian al espacio que los acoge, como ejemplo están las fotografías del Museo Nacional de Antropología, recinto también presente en la exposición.

La obra de la artista alemana establece un diálogo entre la fotografía y la arquitectura, a partir del orden y la proporción visual. Más que representar una iglesia —como la Catedral de México—, lo que persigue Candida es subrayar la simetría, proporcionalidad y equilibrio de la estructura formal. Qué mejor herramienta para meditar sobre la arquitectura que la fotografía: un medio cuyo dispositivo de producción, la cámara, se basa en los mismos principios óptico-geométricos que la perspectiva.

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Todas las imágenes son © Candida Höfer

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Exposición Pintura

Sigmar Polke por primera vez en el MAM

La obra de uno de los artistas alemanes más importantes de la postguerra Sigmar Polke (1941-2010), trabajos que no se inscriben dentro de ninguna academia o corriente, llega por primera vez a México para presentarse en el Museo de Arte Moderno (MAM), a partir de este 11 de marzo, como parte del Año Dual México-Alemania.

La exposición Sigmar Polke. Música de un origen desconocido es una serie integrada por 40 gouaches de 70 por 100 centímetros realizados en 1996, los cuales dan cuenta de las reflexiones que el artista plasmó en su obra durante más de 50 años de vida activa.

Uno de los puntos más destacables de Polke es que en el año 1963 funda junto a Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), tendencia pictórica dentro del pop art que basándose en la publicidad busca caricaturizar distintos aspectos de la sociedad de posguerra. Se le llamó «el gran alquimista del arte» por experimentar hasta lograr por ejemplo que sus cuadros cambiasen de color al reaccionar a la contaminación medioambiental.

Sylvia Navarrete, directora del MAM, aseguró que es un honor para el recinto recibir la obra de Sigmar Polke, al que calificó como un artista interesante y singular, parte de una generación que renovó los lenguajes pictóricos y la estética posmoderna.

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Y es que su obra, dijo, llena de escepticismo e ironía, marcó una nueva figuración tras el auge del minimalismo y el arte conceptual, con imágenes explosivas, una brutalidad en los brochazos y el uso de la yuxtaposición sin miedo a la saturación, lo vulgar o lo kitsch.

Para la serie Música de un origen desconocido, el artista recortó flores a partir de la prensa amarillista para titular las piezas con frases que ayudan a construir la obra de arte y funcionan como consejos para la vida cotidiana, y que también pueden integrar una filosofía de vida.

Los asistentes tendrán la oportunidad de admirar piezas realizadas en técnica gouache sobre papel, muy coloridas, con títulos tan sugerentes como En términos estadísticos, cada alemán posee 10,000 cosas, ¿Cuánto mide un metro?, Algunas cosas tienen una importancia reconocida por el Estado. En la actualidad ya no se permite embargar televisiones y Convirtamos las mentiras en discurso, los discursos en disparates, los enemigos en tiempo y el tiempo en eternidad.

“Sigmar Polke. Música de un origen desconocido” tendrá una serie de actividades paralelas para profundizar en la obra del artista alemán. Previamente a su inauguración, que tendrá lugar el próximo 11 de marzo a las 12:30 horas, la especialista Wiebke Trunk ofrecerá una charla introductoria a las 11:30 horas.

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El domingo 12 de marzo, la misma especialista ofrecerá un taller de exploración de 12:00 a 17:00 horas, mientras que el sábado 6 de mayo se llevará a cabo una mesa redonda en la que invitados especiales reflexionarán sobre la obra del autor.

“Sigmar Polke. Música de un origen desconocido” estará en exhibición en el MAM hasta el 21 de mayo, luego de haber sido presentada en el Museo Amparo de Puebla. Después viajará a Oaxaca, donde estará abierta al público en el Museo de Arte Contemporáneo de esa ciudad.

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Todas las imágenes son © Arturo López / Secretaría de Cultura

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Arte Urbano Exposición

Delimbo Gallery inicia celebración de 10 años con Momo

Concebido como un espacio para dar cabida a los artistas urbanos, la Delimbo Gallery inicia sus 10 años de existencia con la muestra Wilderness, una nueva exposición firmada por el reconocido artista MOMO el próximo jueves día 9 de marzo.

Nacido en San Francisco en 1974, MOMO es un artista que trabaja con herramientas caseras, investigando técnicas de albañilería y adaptándolas a su propio modus operandi para elaborar, diseñar y organizar murales en el espacio público.

Wilderness, además, será una cita doblemente especial ya que, durante dicha inauguración, el artista norteamericano realizará una performance en directo. La exposición se inaugurará el jueves día 9 de marzo a las 21h. y se podrá seguir disfrutando en Delimbo Gallery (c/ Pérez Galdós 1, acc) hasta el 30 de mayo, de lunes a sábado en horario de 11 a 14h. y de 18 a 20:30h. En esta exposición colaboran con Delimbo Gallery Petit Palace Hoteles, la Plataforma de Arte Contemporáneo y Perro Viejo Tapas.

De su trabajo, cuya estética es «reconocible de inmediato, vibrante y no representacionalista», el comisario de arte urbano para la Tate Modern, Rafael Schacter, ha dicho que «diluye los límites entre lo digital y lo abstracto, entre la precisión y la practicidad» buscando, en «un proceso perfectamente imperfecto» que se basa tanto en su trabajo de estudio como en su producción para espacios públicos, dos facetas «en continua retroalimentación entre la una y la otra», cómo explorar «las infinitas posibilidades de la composición y el color».

La estética geométrica única de MOMO diluye las líneas entre lo analógico y lo digital, entre la precisión y la practicidad. Haciendo uso tanto de su producción en estudio como de su trabajo público como herramientas de experimentación continua, que provocan una continua retroalimentación entre ellas, MOMO ha creado una forma imperfectamente perfecta de crear imágenes; una forma que explora las infinitas posibilidades de la composición y el color.

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La aventura de MOMO en el collage tiene que entenderse como la raíz de su estética contemporánea. Producir este tipo de trabajos, in situ en los espacios públicos de la ciudad, armado únicamente con un cuchillo y una multitud de papeles de colores, permite a MOMO descubrir todo su potencial al disponer de una manera muy libre de los materiales, cortando a tirones sus diversos elementos. Cada collage fue entendido como «un experimento para el placer intelectual», un intento de crear composiciones que «rompieran con su entorno». Cada uno fue un intento de que colores y formas fueran de la mano de una forma que pueda «parecer inestable» o «incierta», y que a la postre resulte algo «indecisa». Utilizando como set un vocabulario de formas, los collages jugarían de manera auto-consciente con la forma y la estructura que les rodea, cambiando su estatus físicos mientras compiten con lo que tienen alrededor, o lo imitan, dependiendo del caso

Para Laura Calvarro y Seleka Muñoz, sus directores, esta exposición refuerza su decisión de «crecer de la mano de los artistas a los que representamos», abriendo una nueva etapa en la que Delimbo «ni cierra ni se muda, se reinventa» centrando sus esfuerzos en Delimbo Gallery. Este espacio del Soho Benita sevillano, zona de efervescente creatividad, se ha especializado en arte urbano y contemporáneo nacional e internacional, ofreciendo a lo largo de sus más de diez años de trayectoria una programación diferente a la del resto del panorama galerístico español, con exposiciones recientes como las individuales de Felipe Pantone y Rorro Berjano o la colectiva «Friends & Family, Vol. II», con trabajos del propio Felipe Pantone, Jeroen Erosie, SatOne y Sixe Paredes, y también representando a artistas como Hell’O Collective, Suso33, Eltono, Nano4814, Boris Hoppek, MOMO, Daniel Muñoz «SAN», Felipe Pantone, 3TTMAN, Hervé di Rosa, Nuria Mora, María José Gallardo, Okuda o Mr. Kern, entre otros.

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Todas las imágenes son © MOMO