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Pintura

«La Imagen Ausente», de Rodrigo Ramírez

En la muestra La Imagen Ausente, de Rodrigo Ramírez, el artista busca que el espectador se enfrente al directo a las imágenes, inspirado a lo que el escritor francés, Blanchot denominaba como el desastre: una irrupción a lo desconocido, de lo indescifrable.

El pintor insta a visualizar con todo a lo que no se puede acceder por medio de la información, la comunicación o el entendimiento racional o dialéctico.

«En la frase «La Imagen Ausente, se enuncia la brecha o el abismo que se queda en el extravío. Es un fallo de falta, algo que quiere hacerse presente pero que no está. Aquel no está, abre la posibilidad para el desasosiego y para el deseo, y precisamente cuando el lo poético se instaura, para intentar hablar de dónde no se tienen recursos para hablar «, se puede leer en la ficha de la exposición.

Todas las imágenes son © Galería Luis Adelantado México y Onda MX

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Pintura

Munal celebra 100 años del arribo de Carlos Mérida a México

México tiene una forma única de impactar a los artistas, así es lo que nos muestra el trabajo de Carlos Mérida a su paso por México, hace aproximadamente 100 años, y que se puede observar en el Museo Nacional de Arte.

La obra de Mérida se reúne en la muestra Carlos Mérida. Retrato escrito (1891-1984), una exposición con una narrativa guiada por la voz del propio Mérida extraída de su autobiografía, proceso creativo y afinidades artísticas que construyó hasta su muerte, en 1984.

El punto más destacable de Mérida fue que se incorporó al movimiento muralista mexicano, patrocinado por el Estado, a principios de la década de 1920. Para 1947 regresó a París e inició su ciclo de pintura “abstracto-surrealista”, motivado por su amor a los temas indígenas. Dos años después volvería a México dividiendo su obra en dos categorías: el trabajo “propio” y los encargos comerciales, destacando en el primero su interés por lo prehispánico.

Al respecto de su paso por México, en el sitio Discurso Visual, se recoge esta interesante cita de Mérida:

El viejo concepto del muralismo mexicano –escribió Carlos Mérida– (Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Roberto Montenegro) ha dejado ya de ser, aunque fecundo en muchos sentidos. Han quedado para la posteridad, la Capilla de Chapingo, de Rivera, el Hospicio de Guadalajara, de Orozco, y la obra inicial de Siqueiros, los fragmentos de su paso por la Escuela Preparatoria. Y ahí está sellada toda una esplendorosa época que es cosa del pasado. Se comprenderá lo limitado de este viejo concepto del muralismo mexicano […] cuando se piensa que fue gestado en un momento de crisis creativa y social; y acelerado por impaciencias más románticas que analíticas, se tiene que aceptar. De ahí parte el divorcio existente entre la labor pictórica llevada a cabo y los edificios públicos en que se ejecutó.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Pintura

Hermosos territorios creados por Ásgeir Jón Ásgeirsson

Siempre es un gusto descubrir a creativos que se arriesgan a cambiar de formatos o abordar distintos temas, ya que siempre aportan algo de sí mismos en estas nuevas áreas, así es el trabajo de Ásgeir Jón Ásgeirsson.

Ásgeir tiene una inclinación por la calma, como se puede observar en su Instagram, pero se aventura a territorios más caóticos como el incierto futuro, esto en sus ilustraciones digitales para el juego Starborne, donde presenta el conflicto y la batallas, algo que resulta espectacular.

iSu acercamiento más terrenal es con la fantasía, al trabajar en temas de vikingos y una Tierra poblada por monstruos de fantasía. Algunas de las piezas nórdicas son parte del trabajo que realizó para el álbum Með Vættum, de la banda de metal islandesa Skálmöld. La inspiración proviene en parte de Heimskringla, una saga islandesa, pero también de las increíbles letras escritas por Snæbjörn Ragnarsson.

Todas la imágenes son © Ásgeir Jón Ásgeirsson

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Pintura

Efecto teatral en la obra de Thomas Ehretsmann

El pintor Thomas Ehretsmann tiene un gran talento para crear fantásticas atmósferas, sus obras muestran un dominio en el uso de los claroscuros y efectos de sombras teatrales. Incluso en sus composiciones más simples y directas, Ehretsmann transmite una sensación de drama y una sensación de eventos que están por suceder.

Ehretsmann trabaja principalmente en acrílico sobre papel, utilizando la versatilidad de ese medio para permitir tanto transparencias finas como acuarelas como pasajes densamente opacos. Gran parte del trabajo de Ehretsmann involucra retratos. Incluso aquellas imágenes que no son retratos directos transmiten la sensación de que el artista ha capturado un retrato de sus modelos durante la creación de la imagen.

La maestría de Thomas viene al condensar complejas historias, o sucesos, en tan sólo una imagen que ha sido parte de The New Yorjer, Rolling Stone, Elle Magazine y varios libros y revistas europeas y estadounidenses. Su obra ha sido expuesta en Gallery L’Oeil du Prince en París y en Gallery Brulee en Estrasburgo.

Todas las imágenes son © Thomas Ehretsmann

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Pintura

Enfermedad humana retratada por Ken Currie

La obra de Ken Currie resulta incómoda de apreciar, debido a que aborda la temática de la enfermedad, vejez y lesiones, así que nos presenta cuerpos afectados por el tiempo, que aprovecha para abordar tópicos políticos y filosóficos.

Desde comienzos de la década de 1990, el artista escocés Ken Currie ha sido conocido por su observación del cuerpo a menudo inquietante, describiendo el daño infligido por la guerra y el conflicto, la enfermedad y la decadencia como respuesta a lo que él consideraba la enfermedad de la sociedad contemporánea.

Las pinturas ricas y luminosas de Currie abordan los temas trágicos de la modernidad, equilibrando las imágenes opuestas de destrucción y degradación mecanizadas con el potencial generativo y creativo del cuerpo humano.

Las obras aquí mostradas presentan a la figura transformada por actos de violencia oculta o en misteriosos procedimientos médicos. También retrata el tema de la desfiguración, relacionado al rictus, que se relaciona con una mueca fija o una sonrisa.

Todas las imágenes son © Ken Currie

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Pintura

Realidades alternativas de Botond Keresztesi

El espacio para la creación artística Future Gallery nos muestra otras posibilidades con la curaduría de artistas como Botond Keresztesi, quien presentó, hace un tiempo, D.D.R. – Digital Dreams Recording.

Las piezas de Keresztesi crean realidades alternativas al llevar al espectador hacia microcosmos desconocidos, aunque familiares. Las obras colisionan en 2D y 3D como un reflejo de imágenes absorbidas en la vida cotidiana y reunidas en un paisaje surrealista. De ensueño y a veces espeluznantes, conectan imágenes digitales, superficies de Internet, realidades cibernéticas, infomerciales, pop y cultura de vanguardia en una corriente de conciencia que flota a través del lienzo.

Keresztesi usa material encontrado, como volantes de fiestas rave de almacén de principios de los 90 mezclados con imágenes tomadas por el propio artista. Estos fragmentos de fotos son visualmente equivalentes a colecciones de imágenes: soñar, una sombra de momentos de nuestra vida cotidiana. Los sueños se construyen a partir de las imágenes de nuestras percepciones diarias, ensambladas a partir de nuestro banco de datos visuales. El espacio virtual y el espacio físico de los sueños son muy similares. Tomando estas citas pictóricas del paisaje onírico, los mundos virtuales, la historia del arte y la cultura alternativa, Keresztesi transgrede los contextos y logra construir interacciones humorísticas entre estos mundos visuales.

Todas las imágenes son © Future Gallery

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Pintura

Territorio abstracto de Ciria

El artista José Manuel Ciria logra plasmar el ímpetu del viajero que busca romper fronteras, que van más allá de lo tangible, que explora en la muestra Territorio y Mapas. Expresiones Paralelas, que se exhibe en el Ateneo Español de México.

La muestra presenta 12 obras abstractas, de reciente producción, que son el resultado de estancias de Ciria en España, Estados Unidos, Alemania, Israel, Italia o Francia, en donde pudo indagar y reflexionar, pensamientos que desembocaron en 12 collages.

En la exposición el artista explora el paralelismo entre el conflicto que se genera cuando el hombre se empeña en generar fronteras y poner líneas cuando los territorios y mapas no pueden ser controlados.

José Manuel Ciria es uno de los artistas más destacados de su generación y una figura central en el heterogéneo panorama de la pintura española de las tres últimas décadas. El artista nació en Manchester el 3 de Febrero de 1960, país en el que se quedó hasta los ocho años, cuando sus padres decidieron regresar a España, su país de origen. Dicho viaje no sólo le representó un cambio de residencia, sino también su incursión en el arte.

Desde su infancia, Ciria destacó por sus creaciones en dibujo o pintura, tanto que con tan sólo 17 años, ingresó a la Facultad de Bellas Artes de Madrid. Ahora, con más de 400 exposiciones en diferentes países, el pintor llega a México.

Tras una primera etapa ligada a una figuración de carácter expresionista, José Manuel Ciria estabiliza a principios de los años noventa la principal clave poética abstracta: el diálogo entre el fluir azaroso de la mancha y el rigor de la geometría, lo que supondrá la redefinición crítica de las dos herramientas fundamentales de la estética abstracta del siglo XX. A esta primera clave pronto se sumará el interés del artista por la diversidad de los registros iconográficos así como su infatigable labor de experimentación en el terreno de los materiales y los soportes. A partir de la combinatoria de todas las posibilidades y sustentado por una sólida reflexión conceptual, José Manuel Ciria elaborará a lo largo de los años noventa numerosas series cuyos principales ejes temáticos serán el tiempo y la memoria.

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Pintura

36 Crew explora lo «Humano»

Sin duda, definir lo humano es algo complicado, que no tendría una respuesta única, por eso cuando varias personas reflexiona acerca de esto el resultado es increíble como nos muestran los chicos del 36 Crew, en la colección Humano.

El 36 Crew, integrado por Root RisesSaul TorbeSeam TresseisMpekTmuz Treseis, Lozar, Huereck y Luis Lezama, grupo de artistas que convergen en el medio del street art presentan la — diversos puntos de vista para interpretar el concepto que nos determina como especie.

La idea de que la humanidad puede explicarse por un rasgo o grupo de rasgos bien delimitados puede llevar a conclusiones poco concretas, así como el pensamiento de que una sola etapa en la evolución fue el punto de inflexión crítico en el inevitable camino que condujo al Homo sapiens.

El humano se define no de un sólo punto de quiebre sino del conjunto de ellos, de las experiencias y de las decisiones que a través de la razón o el instinto lo llevan a un resultado o a otro.

36 Crew es un grupo de artistas que convergen en el medio del street art presentan en Humano, diversos puntos de vista para interpretar el concepto que nos determina como especie.

Imagen @ Huereck

Imagen @ Lezama

Imagen @ Mpek

Imagen @ Root Rises

Imagen @ Seam

Imagen @ Seam

Imagen @ Torbe

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Pintura

Realidad distorsionada de Costa Dvorezky

El pintor Costa Dvorezky retrata a personalidades del diferentes partes del mundo, esto al tomar inspiración de sus viajes en barco y abundantes experiencias de vida como visitante y residente en diferentes países.

A través de sus pinturas Costa va más allá de lo obvio para descubrir el simbolismo dentro del aspecto humano de la vida cotidiana. Su creatividad y estilo cobran vida a través de sus obras que representan imágenes oscuras y surrealistas. Como espectador de las imágenes de Costa, uno es transportado a un mundo de proporciones ficticias que existe en los rincones de la mente del artista.

Figuras humanas y animales metamorfoseadas envueltas en la oscuridad, sugieren la existencia de un orden mundial distorsionado. Sus imágenes evocan a las personas para examinar de cerca y cuestionar la realidad de lo que uno ve. A través de su obra de arte, desafía al observador no solo a comprender el alcance de la imagen real, sino también a comprender los sentimientos que la imagen provoca. Sus pinturas son tan audaces como las declaraciones que hacen, y le corresponde a cada individuo descifrar cuál es realmente el significado detrás de la imagen.

Nacido en Rusia en 1968, Costa desarrolló su marca única de arte a través de su extensa escolarización en el Art College y la Academy of Arts en Moscú. Su pasión y talento para el arte fue reconocida por la Unión de Artistas Jóvenes de Rusia cuando recibió el Premio al Desarrollo del Año en 1997.

Todas las imágenes son © Costa Dvorezky

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Pintura

Obra onírica de Ricardo Fernández

La pintura es el territorio en el que Ricardo Fernández conjunta el pasado con el presente, lo mitológico y ancestral, un espacio donde la imaginación se une al estilo naturalista del artista, que se aprecia en la serie Monstruos de la madrugada, que estuvo presente en la Galería de Arte de la SHCP.

Fernández hace visible lo intangible, aquellas presencias que se han quedado en el ambiente, seres e ideas que se revela en los sueños y que en los cuadros es posible apreciar, se vuelven reales cuando las plasma en el lienzo.

Las piezas se inspiran en la fascinación del pintor por el pasado, que se observa en la mayoría de los cuadros con elementos prehispánicos, en ciertos cuadros se rememora a la antigua Grecia pero con temas aztecas. Leyendas de la creación del universo desde este lado, más cercanas al mexicano.

Ricardo Fernandez Ortega nació en Durango en 1971, desde muy joven mostró habilidades artísticas, curso la carrera de Artes Visuales, en la Escuela de Pintura, Escultura y artesanías de la Universidad de Juárez del estado de Durango.

Es un pintor surrealista, que fusiona un estilo clásico con pintura moderna, la obra de Fernández posiciona la figura femenina en espacios imaginarios, provocando un dialogo sobre los erótico, lo íntimo y lo domestico de los roles a la mujer en la sociedad.

Todas las imágenes son © Ricardo Fernández