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Pintura

Misticismo del oráculo en obras pictóricas

En la actualidad mirar el mundo desde una perspectiva mágica o con miras a lo desconocido se observa con cierta sospecha, entregarse al azar, al vacío es lo que proponía la exposición Oráculo, que se presentó en la GAMA Crea.

La muestra que reunió obras de Gina Kiel, María Conejo, Patricia Mera, Diana Bama y Mónica Loya es un viaje por la visión de las culturas antiguas, en las que era posible adentrarse al misticismo.

Si bien, todo esto puede leerse como algo ajeno o extraño, lo cierto es que se trata de un viaje interno, el visitar el oráculo y hacer esos grandes descubrimientos sólo se trata de recordar la inscripción de Delfos.

«El oráculo producía con estos presagios un llamado a lo más profundo del ser donde el interpelador debía reconocer en ello la voz que trasciende lo sensible y lo intelectual y así trazar su camino», se podía leer en la descripción de la obra.

Las artistas utilizan sus obras para ser un oráculo moderno que conduzca al espectador a cuestionarse, a conocerse y encontrar un camino de conciencia.

Imagen © Diana Bama

Imágenes © Gina Klein

Imagen © María Conejo

Imágenes © Mónica Loya

Imagen © Patricia Mera

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Pintura

MAM presente lo mejor de su acervo con dos exposiciones

Pocas veces se reflexiona en el impacto que tiene el arte para quienes trabajan en museos o galerías, así que para reconocer esta situación, y al trabajo artístico que forma parte del acervo, el Museo de Arte Moderno (MAM) presenta las exposiciones Patrimoniales y Somos museo, que se engloban bajo el título genérico Colección abierta.

Las muestras ofrecen distintas lecturas del acervo del recinto, a través de dos selecciones de piezas: por un lado las que están declaradas como monumentos artísticos, y por el otro, aquellas que son las más representativas para quienes laboran en el museo y su público.

La Secretaría de Cultura, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), inicia así la celebración del 54 aniversario del MAM, que cerrará el año con seis muestras que transmitirán, a través de obras icónicas, el amor por su colección y la convicción de que el arte es un medio para identificarnos con nosotros mismos y una conexión con nuestro pasado y la identidad mexicana.

Las muestras que ofrecerá el museo, son producto distintos trabajos selectivos y curatoriales en su colección permanente, conformada por más de 3 mil pinturas, esculturas, fotografías, tapices y otros objetos artísticos, que dan cuenta del ver y sentir en el siglo XX, a través de distintos este recorridos por las obras más emblemáticas del MAM.

Patrimoniales, reúne 130 piezas, como pinturas, fotografías, dibujos y litografías, realizadas entre 1913 y 1974 por artistas como Saturnino Herrán, María Izquierdo, Frida Kahlo, Gerardo Murillo “Dr. Atl”, José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y Remedios Varo, entre lo que también se incluyó a Rufino Tamayo, autor emblemático en el arte mexicano y en el acervo del MAM.

Somos museo, conformada por 42 obras realizadas entre 1919 y 2007, por  creadores como Raúl Anguiano, Olga Costa, Juan O’ Gorman, Olga Costa, Julio Galán, Héctor García, Graciela Iturbide, Manuel Álvarez Bravo, Teresa Margolles, Daniel Lezama, entre otros, y es el resultado de la colaboración de 11 trabajadores del museo, quienes se involucraron al dar su visión sobre lo que más les llama la atención de la colección y cómo a través de la interlocución con el público, ciertas piezas se han quedado en su memoria y en su afecto.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Pintura

Reflexiones de la figura femenina en Occidente por Martine Johanna

En la serie Dark Matter, Martine Johanna ofrece una colección de pinturas acrílicas conmovedoras que combinan el retrato y la abstracción. Se trata es una exploración autobiográfica de la feminidad, la adolescencia y el lugar de las mujeres en la cultura occidental.

«Cuando comencé a trabajar, aparecieron formas abstractas de oscuridad, amenazantes y grandes», dice el artista en un comunicado. «Cuando era niño, una vez me hice amigo de las sombras en mi habitación, y hoy, de manera similar, entro en una relación con todos los aspectos de mí misma que encuentro desagradable. Estas formas crean un diálogo positivo, con la mujer introspectiva (infantil) y sus experiencias, en masas de colores arremolinados».

Para estas pinturas, Johanna experimenta con formas abstractas, composiciones fragmentadas y colores prismáticos, la pintora busca que su obra oscile entre lo hiperreal y lo abstracto. Este territorio pictórico permite a la artista explorar la opresión, los mundos internos y la feminidad son temas recurrentes en su comunicación sin palabras.

Todas las imágenes son © Martine Johanna

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Pintura

Edén imaginario de Daniel Lezama

Para el pintor Daniel Lezama 2018 es un año especial, ya que cumple 50 años de edad y 20 años de trayectoria artística, así que lo celebra de una manera única, esto es mediante la exposición Crisol, en la galería MAIA Contemporary, que marca un punto de inflexión en su obra.

La muestra está integrada por alrededor de 25 piezas entre una nueva serie de pintura figurativa de formato monumental, obra gráfica, y su primera producción de escultura en bronce.

En esta serie Lezama crea un mecanismo mítico y alegórico bajo el género ficcional de una empresa productora de sentido, a la que él denomina “La Compañía». Ésta se inspira en la antigua Compañía de Papel San Rafael, un logro de la ingeniería termoeléctrica importada de Francia ubicada en las faldas de la Iztaccíhuatl (la Mujer Dormida) y abandonada a mitad del siglo XX.

«En Crisol, Lezama busca domesticar procesos y energías vitales. En busca de un edén mexicano soñado a la manera de un territorio inspirador de una ética del bosque y el volcán interiores, Lezama crea una compensación mental, una Compañía Alquímica ficticia, en un San Rafael igualmente ficticio. Eso representan sus obras una ciencia imaginaria y una tecnología fantástica con un elenco de personajes compuesto por la iconografía de una familia de seres energéticos, que se sueñan y se generan», se puede leer en la presentación de la exposición de MAIA Contemporary.

Todas las imágenes son © Conaculta y Marcos Cano

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Pintura

Muralismo puesto en duda en Galería Karen Huber

La exposición Murales Temporales, que se presentó en la Galería Karen Huber, ponía en duda la función de la pintura en murales, ya que, de acuerdo a la curadora, está tradicionalmente relacionada con una idea de permanencia y compromiso, tanto con los espacios como con la visión del artista y su mecenas.

Sin embargo, al ser una exposición en una galería, cuya naturaleza es efímera y apela al ámbito privado, pereciera que estos principios se rompen, o al menos se ponen en cuestión.

Lejos del tradicional mecenazgo del estado hacia la pintura mural ¿Cómo encaja hoy el mural en el ámbito privado? ¿Qué sucede con su visibilidad y dónde queda el gran público? ¿Qué implica hoy para un coleccionista comisionar un mural? Como galería, nos parecen preguntas relevantes. Se abrirán otras incógnitas. Por lo pronto, estamos felices de sentir, que una vez más, estamos ante un momento profundo de la pintura en México.

Los creativos que participaron en la muestra son Roberto Turnbull, Álvaro Castillo, Rafael Uriegas, Benjamín Torres, Luis Hampshire, Marcos Castro, Marco Rountree, Tezontle; Galería de Arte Mexicano, Galería Hilario Galguera, Galería Machete, Peana Projects y especialmente a Alejandro Romero.

Galería Karen Huber se ha enfocado en la problemática de la pintura contemporánea. Esta exposición responde al interés en una de sus vertientes. Como en todas sus otras manifestaciones, los recursos formales y discursivos de la pintura mural se están reformulando.

Todas las imágenes son ©Galería Karen Huber

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Pintura

Ruptura llega a Galería Óscar Román con Luis López Loza

Los grandes del arte siempre buscan respuestas o experimentar en los límites de lo que se ha establecido, esa curiosidad o pasión es lo que los hace trascender al tiempo, así es el trabajo de Luis López Loza, que se exhibe en la Galería Óscar Román.

En la galería se presenta la exposición Las constelaciones de la forma, una serie de 87 piezas que reúnen pintura, escultura y gráfica resumen 25 años de trabajo y las etapas de su travesía artística, hasta sus más recientes creaciones en mármol.

La forma conduce a la mirada en la búsqueda de los misterios en ellas contenidos. Cada grabado, pintura o escultura dilucida el momento creativo en el que lo etéreo adquiere apariencia material.

El seguir a la búsqueda de sus propios temas pictóricos lo enmarcó en la llamada generación de la Ruptura, que en conjunto con Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Lilia Carrillo, Vicente Rojo, Alberto Gironella renovaron el lenguaje, los medios, los temas y las problemáticas del arte mexicano a mitad del siglo XX.

Óscar Román, en un texto publicado en Estratega, explica que «las constelaciones de la forma retoma una frase del discurso “Anatomía de un tiempo creativo”, en el que López Loza se reconoce a sí mismo como “un viajero que anda detrás de un destino diferente al ya conocido”. Cada una de sus obras signica para él un destino alcanzado y para el espectador una guía para navegar en los mares de la imaginación. Detrás de cada forma creada, de cada pigmento que rasga un sonido distinto sobre el lienzo, de cada sombra descubierta en la pintura están las constelaciones que el artista ha seguido en su ruta creadora».

Después de más de medio siglo de producción artística la solidez de la expresión y la singularidad del trabajo Luis Lopez Loza evidencia un lenguaje propio donde las formas se crean a partir de yuxtaposiciones cromáticas. La escultura la pintura y el grabado son para Lopez Loza una forma de reaccionar hacia la naturaleza de la vida lo cual lo lleva, en sus propias palabras: “Crear formas perdidas que resguardan un misterio, y que en ocasiones me parece como si detrás de ellas hubiera una sombra, éste es el deseo que me incita al trabajo constante, siempre acompañado de elementos conceptuales. Me entrego a esta espiral buscando alturas cromáticas que dialoguen entre sí. Esto es una forma de estructurar mis pasiones, de liberarme de la esclavitud que impone una realidad tan persistente como combativa.”

Loza estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, en el Centro Superior de Artes Aplicadas en la Ciudad de México y en el Pratt Graphic Art Center de Nueva York. Impartió cursos de grabado en la Universidad de Strumica de la antigua Yugoslavia y en la Academia Van Eyck de Maastricht, Países Bajos. Fue acreedor a la beca de la Fundación Guggenheim en Estados Unidos.

Todas las imágenes son © Galería Óscar Román

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Ilustración

Fantásticas litografías de Rufino Tamayo

Siempre es gratificante conocer un poco más de los grandes artistas, esto es lo que hace atractiva la exposición Rufino Tamayo en el Tamarind Lithographic Workshop, que presenta algunas de las litografías que desarrolló Tamayo en 1964.

La muestra, que se presenta en el recinto que lleva el nombre del artista oaxaqueño, ofrece las obras gráfica que el modernista creó durante su estancia en el Tamarind Lithographic Workshop, taller de experimentación neoyorkino.

Se trata de una oportunidad única para admirar esta obra, ya que la muestra reúne 26 de las 28 litografías que Tamayo hizo en ese taller y que ahora se encuentran en diversas colecciones pertenecientes a los herederos del maestro, para compartir con el público un pequeño capítulo de la trayectoria de Tamayo como artista.

En Nueva York, Tamayo experimentó con muchos recursos técnicos que no eran considerados posibles dentro de la litografía clásica y de hecho incorporó la falta de pericia, que era un problema técnico, como un elemento estético renovador y modernizante en este género surgido en el siglo XVIII.

Lo que hizo Tamayo en el Tamarind, según Juan Carlos Pereda, subdirector de Colecciones del Museo Tamayo, fue extraordinario pues renovó la gráfica impresa como también renovó la pintura. México es un país de artistas gráficos con grandes figuras como Leopoldo Méndez que hacía una litografía impecable, tradicional, ortodoxa, en cambio Tamayo, la nutre, la enaltece y lleva la gráfica a lugares insospechados.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Pintura

Dualidad de la Luna y el Sol se exhiben en el Antiguo Colegio de San Ildefonso

La Luna y el Sol son excelentes figuras que representan la dualidad que existe entre lo femenino y lo masculino, por eso es que son temas que tienen representaciones únicas en el ámbito pictórico.

Lo anterior, es lo que plantea la exposición Luna y Sol, Dualidad, de la Colección Milenio Arte, integrada por 34 obras pictóricas realizadas por 17 artistas mujeres inspiradas en la Luna, y 17 creadores plásticos inspirados en el Sol. Se trata de 34 intervenciones a portadas del periódico Milenio, realizadas en 2016, que se presenta en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.

En la muestra, cada participante ofrece su mirada, acerca del sincretismo del Sol y la Luna, como una expresión de la dualidad central de nuestro imaginario colectivo, a través de representaciones religiosas y científicas.

Un punto que destaca es que los artistas tiene distintas trayectorias y pertenecen a diferentes generaciones, quienes con su propio lenguaje produjeron estas piezas en diversas técnicas y materiales como óleo, acrílico, carbón, collage, tinta china, encáustica y temple, entre otras.

Entre los artistas que participaron en la convocatoria de la Fundación Milenio para desarrollar las obras se encuentran: Laura Reich, Tatiana Montoya, Jorge Luna, Virginia Chévez, Lorena Camarena, Diana Carolina López, Manuela Generali, Alfredo Nieto, Carmen Parra, Lizette Arditti, Tanya Kohn, Luisa de Noriega, Román Miranda, Cristina Samsa, Patricia Sánchez Saiffe y Diana Salazar.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Pintura

Los disparates de Goya llegan al Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara

El trabajo de Francisco de Goya y Lucientes causa una gran fascinación, debido a la fuerza de sus cuadros y temáticas, aunque uno de sus proyectos más enigmáticos son Los Disparates, una serie de la que el autor no proporcionó ninguna pista escrita que permita descifrar el significado de las piezas.

A través de alegorías, testimonios y visiones manifestadas en sueños, con las series de Caprichos, Desastres de la guerra y Disparates, Goya estructuró una crítica mordaz sobre las costumbres y los excesos de su patria. Denunció la ignorancia, la superstición, los abusos del poder y las funestas consecuencias bélicas.

Las piezas, que se exhiben en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, es una carpeta de láminas ejecutadas al aguafuerte, aguatinta y punta seca cuyas planchas han sido fechadas entre 1815 y 1819. Se trata de una enigmática colección ya que, a diferencia de otros ejercicios, el autor no proporcionó ninguna pista escrita que permita descifrar el significado de tan desconcertantes composiciones donde luces y sombras enfatizan o esconden a seres deformes, voladores, gigantescos, temerosos y desafiantes; personajes de malos hábitos y peores prácticas que conviven en lúgubres carnavales o histéricos bailes amenizados por castañuelas.

La muestra presenta 18 de los Disparates que fueron impresos a partir de las placas encontradas en la Quinta del Sordo, finca que perteneció al maestro. Es importante señalar que, de manera posterior, se publicaron cuatro láminas más halladas en París, por lo que existen 22 en total. Adicionalmente, se exhibe un autorretrato que corresponde al conjunto de los Caprichos.

El Museo propone una visita que a partir de la comparación de las imágenes de cinco Disparates y de igual número de pinturas que Goya realizó por encargo, los visitantes descubrirán, por un lado, las similitudes que comparten en su temática y composición y, por el otro, las diferencias de tono e intención que permiten distinguir dos facetas del artista: la del autor complaciente y la del genio libre que se expresa con mordacidad.

Las obras de referencia serán vistas a través de una tableta electrónica, dispositivo que los asistentes podrán manipular para pasar de una pieza a otra y contemplar sus detalles.

Todas las imágenes son © Francisco de Goya y Lucientes

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Pintura

Artistas celebran aniversario de Galería Manuk

Siempre es un gusto escribir de nuevos espacios culturales que poco a poco se abren camino para compartir arte y conocimiento con la sociedad, por eso hoy traemos un poco de información de la Galería Manuk (San Miguel de Allende, México).

Manuk recientemente celebró su segundo aniversario con la inauguración de la exposición Gardeno, que reúne obras de Lourdes Ortiz Rubio, Ricardo de la Torre, Ken Prescott y Leigh Hyams.

El lugar es un espacio abierto para artistas que quieren exponer y mostrar su propuesta de arte, así como talleres y charlas relacionadas con el arte. Lourdes Rivera desarrolló en Fábrica la Aurora la Galería & Taller que abre sus puertas en agosto de 2016 con el concepto de aprender a liberar los sentidos en un espacio abierto usando todo tipo de materiales con el lema de libertad, orientación, tenacidad y cambio.

Todas las imágenes son © Galería Manuk