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Pintura

Sueño del cuervo por Miguel Cuauhtémoc

La obra del artista plástico Miguel Cuauhtémoc se ubica entre el sueño y la realidad, pinturas en las que figuras reconocibles se funden con el color para crear un viaje pictórico único.

El trabajo de Cuauhtémoc es muy variado, pero el primer acercamiento que tuve a su trabajo es con Los sueños del cuervo , que se presentó en el Hotel NH Santa Fe, y nos permite un acercamiento a ese territorio, un vistazo al inconsciente donde esa figura tan cercana a Poe, parece acompañar al pintor también.

El artista mexicano, conocido por sus pinturas al óleo y acrílico, así como esculturas en madera, arte objeto e intervenciones de objetos de uso cotidiano. Sus obras han sido parte de exposiciones en el Centro Nacional de las Artes, el Instituto de Cultura de Guanajuato, Casa de Arte Málaga y de distintos recintos culturales de la Ciudad de México. Tiene estudios en diseño por el Instituto Nacional de Bellas Artes y cursos de escultura y fotografía en la Academia de San Carlos y Casa de Lago. En su pintura destacan influencias del arte abstracto, art brut y figurativo, artistas como Manuel Felguérez, Vladimir Prodanovich y Jean-Michel Basquiat. Esta obra es una descripción gráfica y pictórica del arte floral y la idea de como las hubiera pintado Pablo Picasso.

Todas las imágenes son © Miguel Ángel Cuauhtémoc

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Pintura

Deseo desbordado de Nizaac Vallejo Silva

La pasión y el deseo sexual son elementos que se desbordan en la obra de Nizaac Vallejo Silva, quien juega con los contenidos pictóricos eróticos, por medio de un aglomerado de gestos, glúteos, muslos, manos, labios que expresan trazos y contornos de placer.

Estas piezas son parte de la serie Disecciones en cuerpos disolutos, que estuvo expuesta en ArtSpace México, como parte del programa de pintura contemporánea Viva la paranoia. En sus pinturas se puede observar una especie de estudio anatómico que sugiere ser descubierto a través de la disección de aglutinados de mulsos, brazos, pectorales y senos que, en conjunto denotan sensualidad y hedonismo.

La obra de Vallejo va del gis al pastel a la acuarela, al agua fuerte, al óleo creando unos cuadros con una atracción impresionante. En cada pieza hay una latencia de la experiencia física traducida al lenguaje de la pintura.

Todas las imágenes son © Nizaac Vallejo Silva

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Pintura

Presenciales fantasmales que habitan el cuerpo en la obra de Mónica Loya

Es común pensar que las presencias, recuerdos o fantasmas habitan los espacios, lo material; la obra de Mónica Loya se vuelve un medio catártico para reflexionar que nuestro cuerpo es el ente que lleva, y sufre, todo ese pasado consigo.

La serie que acertadamente se titula Ghosting, se exhibe en la galería Panteón, muestra cuerpos y elementos que toman una resignificación ante la no-presencia del otro. Busca expresar los problemas y sensaciones de desamor que pueden tren consigo relaciones modernas: ansiedad, superficialidad y decepciones, entre otras.

El trabajo de Mónica Loya tiene mucho estudio anatómico detrás. La precisión de sus dibujos se superpone con la visión surrealista que imprime sobre gran parte de sus trabajos. Loya pinta con acuarela, haciendo que sus rasgos se desvanezcan y se mimeticen con la hoja en blanco, pero también que se fundan con otros retratos de una manera casi fantasmagórica.

Todas las imágenes son © Mónica Loya

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Pintura

Nostalgia de Lisa Golightly

La pintora Lisa Golightly toma escenarios familiares y los abstrae, para producir retratos figurativos gruesos con pinceladas de acrílico y nostalgia.

Basándose en su experiencia como fotógrafa, el trabajo de Golightly celebra lo no planeado y lo intermedio: ya sean amigos atrapados en medio de una conversación o un cuerpo en movimiento entre el agua y el cielo. Crecer con un padre que era pintor, siempre lanzó «una mirada envidiada» a la plástica, especialmente cuando estudiaba fotografía en la universidad. «Si bien disfruté la fotografía y cómo me obligó a mirar el mundo», explica, «definitivamente hay una inmediatez que viene con la pintura».

Golightly trabaja a partir de imágenes encontradas, Golightly presenta vistas desteñidas por el sol de días de playa y momentos junto a la piscina, jardines deliciosamente regados y calles suburbanas llenas de niños. Las caras son ambiguas, pero las escenas se sienten sorprendentemente familiares. «Al principio usé fotos familiares», explica Golightly, «y en la universidad experimenté con mis propias fotos, pintando en una imagen y luego utilizándola como negativo para imprimir». Ahora se basa predominantemente en productos encontrados o comprados. fotografías de rostros desconocidos para ella: «Si bien las imágenes son algo que podría ser de mi propia vida», admite, «hay una libertad que encuentro cuando realmente no conozco la historia o las personas en la imagen».

Todas las imágenes son © Lisa Golightly

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Pintura

Sugerente pasado de Lothar Müller

La obra de Lothar Müller muestra el lado homoerótico del artista está plasmado en esta colección, con cuerpos masculinos desnudos en posiciones sugerentes y paisajes melancólicos.

En su última serie Memoria y Presente, que estuvo expuesta en la galería ArtSpace México, se reúne lo más destacado de su carrera como pintor, revalorando sus procesos más íntimos con la pintura.

Lothar Müller, originario de Alemania, tiene una amplia carrera tanto en su país natal, como a nivel internacional, y por supuesto, en México, en donde su participación alcanza las 30 exposiciones colectivas y 20 individuales. Actualmente se considera como uno de los principales artistas incursionando en las prácticas del arte queer en San Miguel Allende.

El periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial fue un espacio de cambios drásticos en todos los niveles de la vida social. La apertura a nuevas ideas y el reclamo a más derechos cohabito con el miedo, la desesperanza y la tristeza que arrastraba el fantasma de la guerra.

Es precisamente en una Alemania derrotada y devastada en la que nace Lothar Müller, protagonista de Memoria y Presente, en la que la vida en Alemania y los recuerdos de Müller nos ofrecen una perspectiva artística sumamente interesante.

El blanco como símbolo de inocencia, paz y amor, son las bases en las que la cotidianidad y la cercanía que transmiten las obras se convierten en un puente entre ese pasado desgarrado, el presente de recuerdos, y el futuro que eventualmente llegará.

Todas las imágenes son © ArtSpace México

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Pintura

Toque infantil de Ali Cavanaugh

En esta serie de pinturas, Ali Cavanaugh ha representado de forma realista bellos retratos de mujeres con calcetines estampados. La serie también encuentra su originalidad a través de modelos que ocultan la cara y adoptan una actitud casi infantil.

«Mi dependencia del mundo visual comenzó cuando perdí gran parte de mi audición a través de la meningitis espinal a los 2 años de edad. Esta pérdida fue una bendición disfrazada ya que aprendí a depender del lenguaje corporal y leer los labios para comunicarme. Entonces, desde mis días más jóvenes, me volví sensible a las personas que me rodeaban y al lenguaje tácito revelado a través de las composiciones del cuerpo humano», comparte al respecto de su trabajo como pintora.

Lo visto y lo que no se ve en la existencia humana ha sido una piedra angular conceptual para la mayor parte de mi carrera como artista figurativo. Es en el momento de vacilación cuando uno se mueve en el espacio interior del pensamiento, que encuentro inspiración. Me esfuerzo por pintar no solo las delicadas facciones de la persona externa, sino también para captar la presencia tierna e invisible que trasciende la comprensión en la profundidad de un alma. En mi experiencia trabajando con las personas que pinto, descubro en varias ocasiones el profundo misterio de la existencia.

Todas las imágenes son © Ali Cavanaugh

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Pintura

Sangre creativa de Vincent Castiglia

Vincent Castiglia es un artista renombrado de Nueva York que pinta retratos a gran escala con sangre. Comenzó este proyecto en 2000, poco antes de que comenzara como artista del tatuaje.

Su trabajo ha sido reconocido en todo el mundo, atrayendo la atención y elogios del fallecido H. R. Giger, quien en 2008 invitó a Castiglia a exhibir su trabajo en una exposición individual en Suiza.

La sangre generalmente proviene de él mismo (de 15 a 18 tubos a la vez), pero más recientemente, Castiglia ha aceptado encargos en los que combina su sangre con la del cliente en el papel. Su impresionante colección de retratos de «carne líquida» en tonos sepia alegoriza las experiencias humanas de muerte, sufrimiento, santidad y esperanza; figuras cuasirreligiosas, sus cuerpos parcialmente esqueletizados o deteriorados, posan en momentos de agonía y éxtasis. Para Castiglia, estas imágenes sirven como una forma de catarsis; «Son meditaciones sobre circunstancias muy reales en la vida que necesitan una plataforma y un lugar para trabajar, y así es como lo hago», explica.

Todas las imágenes son © Vincent Castiglia

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Pintura

Sorprendentes criaturas de Marco Minotti

Los dibujos de Marco Minotti resultan un vistazo a criaturas que sólo viven en la imaginación, seres y escenarios a los que Minotti creó con grafito y muestra el poder visual que tienen los materiales clásicos.

Marco Minotti nació en 1973. Vive y pinta en Meda. Graduado en la escuela secundaria se graduó en 1999 en arquitectura en el Politecnico di Milano. Comenzó su carrera en solitario en el espacio púlico de Fino Mornasco en 1996 y desde entonces ha creado más de una docena de exposiciones personales en Italia, Suiza, Austria e Inglaterra.

Entre sus exposiciones personales están el espacio cultural «Landhaus» en St Polten (Austria), Dora House en Londres, Banca U.B.S en Lugano y la exposición en Bangkok (bajo el patrocinio del Consulado de Italia).

Numerosas exposiciones en exposiciones colectivas están en Italia (el último Arkiviarte en Fabbrica Borroni de Fiordalice Sette en Bollate) y en el extranjero (una exposición itinerante en India, Dadaumpop, de Igor Zanti)

Todas las imágenes son © Marco Minotti

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Pintura

Un pequeño homenaje a Joy Laville

Existen artistas con los que nos topamos en diversas ocasiones y nunca nos damos un tiempo para investigarlos, así me sucedió con el trabajo de Joy Laville, que por mucho tiempo embellecieron los libros de Jorge Ibargüengoitia, su esposo, en la colección de Booket Planeta.

Y como sucede en la vida, hasta después de la muerte nos interesa entablar un diálogo con aquellos que nos han dejado y la mención de Ibargüengoitia es que fue ahí donde la conocí y hasta investigar un poco descubrí que eran de Laville. Así que viene un poco de la vida de la pintora y de un homenaje póstumo que le realizaron en el Palacio de Bellas Artes, el pasado miércoles 27 de junio.

En abril de este año, a los 94 años de edad, murió Laville, quien fuera una figura relevante de la pintura mexicana durante la segunda mitad del siglo XX. Joy Laville nació en la isla de Wight, Inglaterra, en 1923, la pintora tuvo una infancia feliz en la orilla del mar, donde dibujó y leyó con avidez. Dentro de la pintura no hizo ninguna carrera oficial, sólo tomó algunos cursos.

De 1946 a 1956 vivió en Canadá y desde 1956 se estableció en México. A partir de 1966 ha expuesto individualmente, a nivel nacional en: Guanajuato, Monterrey, Guadalajara, Villahermosa, Aguascalientes, Chihuahua, Sn. Miguel Allende, Cuernavaca y la Cdad. de México. Internacionalmente en: NY, Nuevo Orleans, Dallas, Washington, Toronto, París, Londres y Barcelona. Su obra se encuentra en diversas colecciones como: El Museo de Dallas, Tx. US, el National Museum of Women in the arts (Washington, DC), el Banco Nal. de México, El Banco de Comercio (Mex), la Esso Oil of Canada, Grupo Resistol (Mex), El Museo de Arte Moderno (Mex), El Museo de Monterrey (NL, Mex) y Aerovías de Mex. Recibió el Premio de Adquisición por el Palacio de Bellas Artes en Confrontación 66.

Joy Laville es reconocida como la primera influencia de Pintor James, pero el más importante es el de Roger Von Gunten, «No sé si ahora, ya que creo que mis fotos son hoy más de mí mismo» no es abstracta, geométrica o realista, su pintura está hecha de insinuaciones qué sindicato más nítidas siluetas y estampados están viviendo en la memoria, en sus múltiples capas y grietas, donde pasado y presente se funden en una época móvil: el espacio detrás de los intemporales, objetos fijos, y las figuras en la pintura.

Llega a México en 1956, después de haber vivido nueve años en Canadá con su hijo Trevor. Vinieron en busca de un lugar exótico y de bajo costo que se había hablado mucho de él. En San Miguel de Allende, Guanajuato vive doce años y conoce a el que será el amor de su vida, el escritor Jorge Ibargüengoitia, con quien comparte veinte años de su vida hasta que muere, cuando residen en Nueva York, Joy Laville decide volver a México.

“Los cuadros de Joy Laville no son simbólicos ni alegóricos ni realistas. Son como una ventana a un mundo misteriosamente familiar, son enigmas que no es necesario resolver, pero que es interesante percibir.

“El mundo que representa no es angustiado, ni angustioso, sino alegre, sensual, ligeramente melancólico, un poco cómico. Es el mundo interior de una artista que está en buenas relaciones con la naturaleza”, escribió Ibargüengoitia sobre su trabajo.

Parte de su trabajo se encuentra en diversas colecciones, como el Museo de Dallas, el National Museum of Women in the Arts (Washington, DC), el Banco Nacional de México, la Esso Oil of Canada y el Museo de Arte Moderno.

Trevor Rowe, hijo de la artista, en el homenaje en Bellas Artes, rememoró el día en que su madre llegó a México acompañada solamente de él, de cinco años de edad, alejándose de los remanentes de la Segunda Guerra Mundial y buscando una escuela de arte para continuar sus estudios.

“A nuestra llegada, además de nuestro equipaje, mi madre tenía una raqueta de tenis y yo un equipo de golf infantil: la caricatura perfecta de extranjeros anglosajones en un país desconocido”, recordó.

La narrativa que le ofreció el país a su madre, afirmó, «dejó de ser cómica y, en cambio, fue marcada por una trayectoria de enriquecimiento personal, emocional y artístico. México le dio la bienvenida y la oportunidad de florecer artísticamente e incorporar la belleza física del país en su obra, un tema constante. Le doy las gracias a México por haberle ofrecido a mi mamá las condiciones e inspiración que abrieron las puertas de su vida y las ventanas de su imaginación”.

En su momento, el especialista en arte y curador, Salomon Grimberg, en una participación muy emotiva que se vio interrumpida por largos sollozos, destacó las aportaciones estéticas a la cultura mexicana de la artista fallecida el pasado 13 de abril, en especial su “creación de espacios pictóricos de delicados contrastes cromáticos y gran manejo de la luz, contornos y siluetas”.

Todas las imágenes son © Joy Laville

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Pintura

Triunfo del espíritu humano retratado por Duy Huynh

El pintor Duy Huynh coloca en sus pinturas acrílicas con elementos que invitan a crear una personal narración visual, donde una columna de instrumentos se eleva desde una locomotora apresurada y la luna se cierne como un globo sujeto a la muñeca de una mujer.

Huynh llegó a los Estados Unidos desde Vietnam en la década de 1980 y con frecuencia vuelve a visitar este período de aclimatación cultural en su obra de arte. En su declaración como artista comparte:

Los temas de desplazamiento geográfico y cultural son frecuentes en las obras de arte de Duy. Los personajes etéreos mantienen un equilibrio sereno y precario, a menudo en un entorno surrealista o de ensueño. Con sus figuras, Duy explora el movimiento junto con la emoción para retratar no sólo la belleza de la forma humana, sino también el triunfo del espíritu humano.

Todas las imágenes son © Duy Huynh