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Arte Contemporáneo

Conoce los detalles del Gallery Weekend CDMX

Gallery Weekend es uno de los eventos de arte más importantes de la ciudad de México, año con año, los amantes del arte esperan el recorrido por las 47 galerías y espacios que conforman el circuito. Este año el evento retoma fechas en septiembre del 20 al 23.

Bajo el lema #ReactivaMéxico en redes sociales y con un programa gratuito, Gallery Weekend contribuyó a la reactivación económica del arte y de algunas zonas afectadas por los sismos del 19 de septiembre de 2017, sumando a su cartelera a 12 proyectos jóvenes e independientes que no estaban en el programa original. Así, lo que en un principio visibilizó la necesidad de unir a productores y difusores de arte, hoy es un claro ejemplo del poder unificador de las galerías en México.

Para este año, que se celebra el sexto aniversario de Gallery Weekend Ciudad de México, se reunirán en las zonas de Lomas, Polanco, San Miguel Chapultepec, Condesa, Roma, Juárez, San Rafael, Santa María la Ribera y San Ángel, 31 galerías y cuatro espacios non-profit de la Ciudad de México —algunas por vez primera, como es el caso de las galerías Flux//Zone, Isabelle Serrano, Proyecto H y Aguirre—, así como las galerías Páramo de Guadalajara y Galería Mercado Negro de Cholula (que también participa por vez primera) en un formato pop-up. El programa pop-up también incluirá a la Galerie Allen de París y Galerie Nordenhake de Berlín, en la primera participación de una galería extranjera en el evento; y el proyecto A+T Salón de arte y tecnología de Fundación Telefónica. El alto número de galerías participantes —récord en la historia del proyecto— es muestra del dinamismo de la escena de la Ciudad de México y de la creciente influencia de Gallery Weekend Ciudad de México en el circuito nacional e internacional del arte. Los artistas seleccionados, por su parte, serán tanto nacionales como internacionales, y se incluirá en el programa desde talentos recién descubiertos hasta figuras influyentes en el arte del siglo XX.

Como herramienta para planificar los recorridos, este año GWCDMX desarrolló un mapa con liga a Google Maps que puede visualizarse desde dispositivos móviles. En el mapa, los visitantes podrán conocer, en tiempo real, la dirección de las galerías y las mejores rutas para llegar a éstas, desde su ubicación. Desde la secciones «Exposiciones» o «Mapa» basta con seleccionar la galería de interés, presionar y posteriormente elegir la opción «Cómo llegar».

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Arte Contemporáneo

Artistas reflexionan acerca de la situación del país en Galería Alterna

Con una sola frase es posible incitar a la reflexión. «La monarquía tuvo sus ociosos, la república tiene sus holgazanes», palabras escritas por el escritor francés Víctor Hugo que aparecen en sus discursos políticos de la Cámara de los Pares y plantea, más que una metáfora, una problematización de la representación bajo el yugo del signo.

En nuestros días es posible sentir los efectos de lo escrito por Víctor Hugo, tanto así que sirve de inspiración para ocho artistas que,  a manera de asamblea, retoman el discurso con el propósito de reflexionar alrededor de las problemáticas actuales que atraviesa nuestro país a partir de la postura de cada una de las obras exhibidas en Galería Alterna.

Para la muestra La monarquía tuvo sus ociosos, la República tiene sus holgazanes, participan Luis Aduna, Nina Fiocco, Chavis Mármol, Álvaro Verduzco, Lucía Vidales, Néstor Jiménez, Fabiola Torres Alzaga y Alejandro Zepeda.

Todas las imágenes son © Galería Alterna

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Arte Contemporáneo

Reflexionan el concepto de «opacidad» en el MUCA

Ahora en común. Más opacidad es una exposición colectiva de arte contemporáneo emergente de la generación 2016-2018 de SOMA (integrada por Sofía Abraham, Victoire Barbot, Joan Bennassar, Paloma Contreras, Andrea Nones y Berenice Olmedo).

El grupo en el ejercicio de la pluralidad y el debate han propuesto a la “opacidad” como noción de la relación del arte con la memoria, lo político, lo social y la resistencia. Conformada por ocho piezas de sitio específico, la exposición es el resultado de una serie de procesos de trabajo y acompañamiento que involucra a investigadores, curadores, tutores, artistas, gestores y diversas comunidades que en la práctica de la interlocución se cruza para pensar el arte desde el ejercicio de la colaboración y sus dinámicas de sociabilización en su ahora, concentrado un esfuerzo para proponer prácticas de resistencia y autorreflexión que escapen a la codificación imperante de los lenguajes artísticos.

El proyecto se inserta en el “Programa Conmemorativo M68” con la idea de asaltar, interrumpir, romper […] simbólicamente mediante la representación, con el dominio de un continuum temporal que convoca al hecho histórico, tratando de articular y entender un presente que a la distancia temporal de 50 años obliga a preguntarnos cuales son las formas en las que se produce, consume y debate el arte en la actualidad.

Asimismo el proyecto propone un programa público que integra performances, charlas y juegos que irán sucediendo a lo largo del periodo de exhibición.

Ahora en común. Más opacidad es una colaboración entre muca-Roma y SOMA, plataforma dedicada a la formación, reflexión y discusión en torno al arte y la cultura contemporáneos a través de su Programa Educativo (PES) orientado a fortalecer el diálogo e interacción entre artistas jóvenes de diferentes nacionalidades y especialistas en distintas disciplinas mediante un modelo horizontal, experimental y autónomo de formación.

La exposición se inaugura el jueves 21 de junio de 2018 a las 19:00 horas y permanecerá abierto al público hasta el 29 de julio del presente año. La entrada es libre y gratuita a la muestra y a todas las actividades.

Sofía Abraham (Puebla, México, 1992), Victoire Barbot (Dreux, Francia, 1988), Joan Bennassar (Palma de Mallorca, España, 1991), Paloma Contreras (CDMX, México, 1991), Andrea Nones Kobiakov (Maracaibo, Venezuela, 1986), Berenice Olmedo (Oaxaca, México, 1987), Bruno Ruíz (CDMX, México, 1990) y Jacobo Zambrano (Caracas, Venezuela, 1991).

Producción nacional de artes visuales realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES) y la Coordinación de Difusión Cultural UNAM.

Todas las imágenes son © MUCA

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Arte Contemporáneo

Arte multimedia de Gilbertto Prado se presenta en LAA

Circuito Alameda es una exposición personal del artista multimedia brasileño Gilbertto Prado, en colaboración con el Grupo Poéticas Digitais de la Universidad de São Paulo. Está integrada por 16 piezas que abarcan diversos periodos de creación y que forman parte de la historia de las artes y la tecnología en el continente. Permanecerá abierta al público hasta el 5 de agosto en el Laboratorio Arte Alameda.

Bajo la curaduría de Jorge La Ferla, investigador, curador y programador de Media Art, la muestra propone una serie de obras nuevas, site-specific, así como un panorama antológico de creaciones recientes de Prado y su grupo, que van del bioarte al arte sonoro, de objetos y esculturas tecnológicas, a piezas que combinan medios analógicos con nuevas tecnologías.

Incluye serigrafías, espacios virtuales multiusuario, telepresencia, instalaciones interactivas, proyecciones, plantas y objetos, así como áreas de documentación, diseñadas para que el visitante pueda tener acceso a procesos de trabajo, líneas de tiempo, archivos abiertos y distintas fases de creación y producción de las piezas.

Circuito Alameda pone en diálogo el espacio y la arquitectura del antiguo Convento de San Diego (1594) con la tradición e historia de la Alameda Central, rememorando momentos, trayectos, senderos y paisajes que recuerdan la importancia del lugar y el entorno. Un encuentro de pasado y presente en el que frutos y plantas diversas adquieren un significado simbólico, donde naturaleza y tecnología confluyen.

A través de instalaciones sonoras y objetuales, piezas autogenerativas e interactivas, el visitante podrá tener una experiencia única y personal, su recorrido por la muestra determinará un circuito propio, el cual será registrado y cartografiado por medio de sensores, a fin de generar un testimonio de su trayecto por la exposición.

Gilbertto Prado estudió ingeniería y artes plásticas. Su investigación sobre Experiencias artísticas con las redes telemáticas – La línea imaginaria es parte de su tesis de doctorado en la Universidad de París. Sus obras han participado en numerosas exposiciones.

Todas las imágenes son © Instituto Nacional de Bellas Artes

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Arte Contemporáneo Escultura

Piezas que invitan a reflexionar en temas de agua

Fundación Helvex presenta la iniciativa Creaciones por el Agua, proyecto en el que participan 70 artistas mexicanos, quienes han intervenido piezas cerámicas de baño que serán subastadas para recaudar fondos y apoyar en temas de agua y servicios de saneamiento básico en el marco de la reconstrucción de comunidades vulnerables afectadas por los sismos de septiembre pasado.

Las piezas serán exhibidas a lo largo de 2018 y los dos primeros meses de 2019 en diferentes localidades del país y se subastarán en el Marco del Día Mundial del Agua. La gestión se realizará a través de una alianza estratégica con una organización de la sociedad civil.

Durante el mes de junio las piezas permanecerán exhibidas en el Paseo de la Reforma, de la Ciudad de México, una de las avenidas más emblemáticas de la capital del país, por la que se estima que circulan alrededor de 200 mil personas al día.

Las obras serán subastadas en el marco del Día Mundial del Agua de 2019 y los fondos recaudados serán destinados a la reconstrucción de dos comunidades, una oaxaqueña y otra en la Ciudad de México, afectadas por los sismos del 7 y 19 de septiembre del 2017. La gestión se realizará por medio de una alianza estratégica con una organización de la sociedad civil.

Los artistas plásticos y visuales, escritores, poetas, y una cantante que participan en la iniciativa son de origen mexicano; todos ellos, aunque de corrientes distintas y generaciones distantes, participaron de manera libre para crear por el agua demostrando con ello que la causa social es la fuerza que genera el movimiento hacia el objetivo final: el apoyo en la comunidad.

“Creaciones por el agua nace con la idea de que en el marco del Día Mundial del Inodoro, que tiene lugar cada 19 de noviembre, incentivemos la importancia del agua y saneamiento y que a través del arte poder generar acciones para incentivar un discurso de reflexión en torno a la importancia del sanitario como un indicador de desarrollo social y el impacto ambiental que genera”, mencionó Ana Lilia Gutiérrez Coellar, gerente general de Fundación Helvex, A.C.

Según datos de la Organización Mundial de la Salud, 2,300 millones de personas siguen sin tener instalaciones de saneamiento básicas como inodoros o letrinas que no estén compartidas con otras familias. De ellas, 892 millones todavía evacuan al aire libre, por ejemplo en alcantarillas, detrás de arbustos o en masas abiertas de agua lo que conlleva a fuertes implicaciones para la salud y el gasto público.

Todas las imágenes son © Fundación Helvex

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Arte Contemporáneo

Tecnología unida al arte tradicional china en un bello performance

2047 Apologue es un performance conceptual de Zhang Yimou quien fue el director de las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008.

El video es un teaser para la parte final del programa titulado The Weaving Machine, uno de los ocho actos que combinan la artesanía tradicional china, la música o la danza con tecnología moderna como láseres, robots y drones. La combinación de tecnología antigua y moderna tiene como objetivo comentar cuánto más tarde ha tomado la vida en el siglo XXI.

Para este segmento en particular, Zhang coloca una antigua máquina tejedora china en el escenario con 640 esferas cinéticas LED diseñadas y producidas por WHITEvoid. Moviéndose juntas en una onda elegante, las luces interactúan con un bailarín que realiza debajo. A lo largo del segmento, las luces cambian tanto de patrón como de color, ya que una banda sonora concuerda con su creciente energía y movimiento.

El espectáculo se estrenó en el Centro Nacional de Artes Escénicas en Pekín el año pasado  y en este 2018 se presenta a lo largo de todo China.

El proyecto es © Zhang Yimou

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Arte Contemporáneo Eventos

15 años de Zona Maco

Arte conceptual, vanguardista, moderno e instalaciones, entre otras expresiones, es lo que ofreció la 15 edición de la Feria de Arte Contemporáneo Zona Maco.

En 13 mil metros de área de exposición, 170 expositores procedentes de 27 países de América, Europa y Asia muestran las últimas novedades relacionadas con el sector, con propuestas en algunos casos fuera de lo común, plenas de imaginación.

Sobresaliente por su capacidad de solucionar problemas y reinventar el evento, Zélika García, después de explorar en Monterrey un proyecto ferial durante 2002 y 2003 denominado Muestra, inició en 2004 Zona Maco en la Ciudad de México con un concepto de tendencias estéticas, firmas y galerías similar al del mainstream.

Apoyada desde un principio no sólo por las principales galerías mexicanas de presencia ferial –OMR, Kurimanzutto– sino, también, por protagonistas de la escena comercial global tan relevantes como Samuel Keller –en ese entonces director de la importante feria Art Basel– (Proceso  1438 y 1545),  Zélika García ha logrado mantener la feria y su prestigio a pesar de la ruptura en 2009 de la sociedad con Enrique Rubio, la demanda por el nombre comercial y la exigencia de cambiarlo –Maco, Femaco, Zona Maco, Zsona Maco–, la dificultad de adecuar la selección galerística al conservadurismo del mercado mexicano, y el riesgo de rentar stands a galerías menores.

A través de las diferentes divisiones que integran la feria de arte más importante en México, como son Sección Principal, Nuevas Propuestas; Zona Maco Sur, Arte Moderno y Zona Maco Diseño, galeristas y artistas presentaron los mejor de sus colecciones y propuestas artísticas. Y para ello se valieron de lo que sea, un ejemplo es la galería chilena Norton Maza, cuyo único artista llevó el mismo nombre del espacio, reflexiona en Armería Maza sobre la guerra, la cual considera empobrece y deja un estado de malestar, a través de 48 armas tipo cuerno de chivo y dos monumentales.

Otro caso es William Kentriegd, de la Galería Rumma de Nápoles, quien presenta una escultura realizada con corte láser de un minero bajo el título Head; mientras que la artista de Camerún Pascale presenta el trabajo de Methine Tayoo, titulado Doodee Pascala, compuesta por una serie de esculturas en vidrio, en las que se muestra a mujeres de ese país con atuendos típicos. Asimismo, la Glandstone Gallery ofrece una serie de globos rojos en forma de viñeta para historieta, obra llamada “Rojo Transparent”, del artista Philippe Parreno; y la Diane Roaenstein presenta a Gisela Colon con Hyper Ellipsoid, una especie de burbuja de gran tamaño elaborada en acrílico. Mientras que tres «cerillos quemados», esculpidos en madera y cuyas cabezas forman rostros, es la propuesta Wolfgang Stiller de la galería Mark Hachem, de París, Francia.

A la feria llegó el famoso Bicivocho Zocalero, de la arista Helen Escobedo, que atrapa las miradas y los reflectores. Se trata de una bicicleta de montaña, en cuya parte trasera se exhibe la mitad de un Volkswagen Sedan y con ruedas de bici en lugar de neumáticos. Pinturas decoradas con luces de neón, gotas en forma de agua que cuelgan sobre muros, un enorme cubo elaborado con fibra de vidrio y decenas de trozos de troncos de madera, algunos podridos y otros quemados, son algunas de las propuestas que presentan galeristas y artistas, incluyendo una especie de pecera de vidrio quebrada o estrellada. En la feria de arte, a cuya apertura asistió Lidia Camacho, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes, quien hizo un recorrido por los diferentes stands, se aprecian también pinturas y trabajos de artistas de renombre como Fernando Botero, Leonora Carrington, Luis Nishizawa, Manuel Rodríguez Lozano, Manuel Álvarez Bravo, Angelina Beloff, Miguel Covarrubias, Juan O’ Gorman y David Alfaro Siqueiros, por mencionar algunos.

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Arte Contemporáneo Eventos Festivales

Una probada del Material Art Fair

En su quinto aniversario la Feria de Arte Material continúa celebrando el arte contemporáneo del mundo en la CDMX, con una selección de lo más destacado de la escena actual internacional.

Los asistentes han podido disfrutar no sólo de las más recientes propuestas sino también de diversas actividades paralelas como IMMATERIAL Vol. II, programa público de performance de la feria, curado por Michelangelo Miccolis, la atención personalizada por parte de galeristas, exhibidores y artistas, y un diverso recorrido por colecciones privadas en la ciudad.

Durante el segundo día de actividades, con la intención de promover la escena nacional, Material ha mostrado una fuerte oferta de galerías mexicanas, entre las que destacan Arredondo \ Arozarena, Breve, BWSMX, LABOR, MARSO, LABOR y Lulu, galerías mexicanas importantes con gran proyección y reconocimiento internacional.

Uno de los eventos más relevantes del día de hoy en la Feria de Arte Material, fue el anuncio de la comisión del diseño del Serpentine Pavillion 2018, otorgado a la arquitecta mexicana Frida Escobedo, reconocida por sus proyectos dinámicos que reactivan el espacio urbano, Frida es la primera mexicana y segunda mujer en recibir esta comisión. La propuesta de Frida genera una sutil interacción entre luz, agua y geometría. A la vez, integra el principio de los patios tan presente en la arquitectura mexicana y materiales e historia británicos, específicamente la línea

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ARTE Arte Contemporáneo Eventos

Realizarán el primer coloquio El Mercado del Arte actual en México

Los próximos 8 y 9 de diciembre se llevará a cabo, por primera vez en México, el coloquio El Mercado del Arte actual en México, que tendrá como tema para esta primera edición El arte: Una inversión, el cual reunirá a personalidades de diversos ámbitos –entre artistas, coleccionistas, críticos, académicos y expertos en arte– quienes discutirán y plantearán nuevas perspectivas sobre el arte y el coleccionismo vistos desde una perspectiva financiera y social.

El viernes 8 de diciembre, día en el que se inaugurará el coloquio, se llevarán a cabo 3 mesas redondas, de las 15:00​ a las 20 horas, en las que participarán expertos que discutirán los temas como: El coleccionismo empresarial en el arte contemporáneo; Historia del coleccionismo mexicano, ¿en qué etapa está México?; El arte mexicano, un caso único en el arte contemporáneo.

Para el sábado 9 de diciembre, de 10:00 a 15:00 horas, se llevarán a cabo las siguientes 3 mesas redondas que abordarán los temas: ¿Cómo empezar su colección?; El arte como diversificación del portafolio de inversión; ¿Coleccionista o inversionista?

El evento contará con ponentes como:

  • Alejandra Zermeño, artista.
  • Luis Morton, director de la casa de subastas Morton.
  • Paul Achar, director Somaap.
  • Christelle Inacio, directora de TLAG.
  • Julien director del espacio Le Laboratoire.
  • Lucia Álvarez, Fine Art expert en Axa Arte.
  • Gonzalo de Benito Ruiz, Galería Licenciado.
  • Sway Gaytán, Galería Maya Contemporary.
  • Ana Garza Casas, Galería Artillery.
  • David Pérez Feregrino, arquitecto y coleccionista.
  • José luis Hernández Bañuelos, arquitecto y coleccionista.
  • Atenas Uriz, Galería Itbarte.

La primera edición del Coloquio se llama El arte: Una inversión, y es organizada por The Latin Art Galleries y orquestada por Christelle Inacio, quien estudió fotografía y administración de empresa en París hasta obtener un MBA de Manager en Arte. En el transcurso de los últimos 11 años, Christelle ha trabajado en varias organizaciones culturales y artísticas en Francia, (la Réunion des Musées Nationaux como fotógrafa, La Fnac en el departamento de Fotografía de la dirección de proyectos culturales); en Chile, en Ekho Gallery, única galería dedicada a la fotografía en este país, como directora artística, y en España, como directora regional para varias marcas de material fotográfico entre otras.

La sede del coloquio así como los ponentes faltantes se confirmarán en el transcurso de estos días. La entrada al evento será libre y sólo requerirá un registro previo en www.thelatinartgalleries.com y en el teléfono +52 1 55 7049-4311.

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Arte Contemporáneo Exposición

Un elogio a la locura por Pedro Friedeberg

Inspirado por el ensayo El Elogio de la Locura, considerado como una de las obras más influyentes de la literatura occidental, catalizadora de la reforma protestante en el s. XVI, Pedro Friedeberg produce una serie de obras que conforman una traducción visual al texto.

En esta serie, el artista presenta una secuencia de imágenes con un ritmo cinemático y lúdico. Sus imágenes denotan una suspensión del movimiento que ubica a la problemática moral planteada por Erasmo de Rotterdam en un contexto sociocultural actual.

Erasmo realiza una original crítica a la heráldica, el egoísmo, la “sangre azul” y las pretensiones de la genealogía como una forma de locura que todos admiran. Friedeberg suma a esta locura atemporal, la crítica a la moralidad distorsionada por los avances tecnológicos, la omnipresencia cotidiana de las telecomunicaciones, el crecimiento económico lineal, el deterioro ambiental  y la adopción descontextualizada de los sistemas espirituales asiáticos como formas de exacerbación de la locura.

Además como parte de la exposición de esta serie de 40 piezas resultado del acercamiento estético de Pedro Friedeberg al texto de Erasmo de Rotterdam, MAIA en colaboración con el reconocido estudio de tatuajes «estudio 186» presenta tattoo shop de Pedro Friedeberg, en el que elementos y personajes presentes en la obra del artista serán traducidas del papel a la piel. El catálogo de imágenes para ser tatuadas incluye personajes surrealistas, elementos geométricos y abstracciones recurrentes en la obra del artista. Cada tatuaje será único e irrepetible y podrá ser adquirido y certificado por el artista a lo largo de la exposición.

Todas las imágenes son © Maia Contemporary