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Exposición Fotografía

Eduardo Williams utiliza la fotografía para combatir la discriminación en torno al VIH

Cada día hay alrededor de 41 nuevos casos de personas con VIH en México. Sin duda, el mayor reto al que se enfrentarán no será la falta de atención o medicamentos, sino el de la discriminación.

Por lo que nace esta exposición, creada para llegar a un público masivo, compuesta por retratos de personas que viven y conviven con el diagnóstico. La representación de sus rostros, visibles u ocultos, justificada a través de sus testimonios, provocará un ejercicio de reflexión en torno a la discriminación.

La inauguración se llevará a cabo el día 5 de diciembre en El Consejo para Prevenir y Eliminar la Discriminación de la Ciudad de México (COPRED), ubicado en la calle de General Prim #10, Col. Juárez, Cuauhtémoc.

La exposición permanecerá en esta locación solo por ese día por lo que, al día siguiente, el 6 de diciembre, será trasladada a Galería Ente Arte (Juan Escutia #32, Colonia Condesa) para permanecer ahí hasta finales de enero del 2020.

El objetivo de esta exposición es llegar a la mayor cantidad de público posible y hacer conciencia de los graves problemas de discriminación que existen en torno a este diagnóstico; por lo tanto, durante el 2020, será exhibida de manera itinerante y estará acompañada de una serie de pláticas en torno al tema. La primera de estas pláticas se llevará a cabo en El Sótano, col Roma el día 19 de diciembre del 2019.

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Cine Entrevistas Fotografía

Elena Pardo explora el impacto minero en Pulsos Subterráneos

El espacio es una expansión de nosotros mismos, un cuerpo fuera de nosotros en el que no siempre reflexionamos hasta que es demasiado tarde, esta corporeidad es en lo que centra su atención Elena Pardo, artista audiovisual, en su proyecto Pulsos Subterráneos.

Se trata de un performance, que tuvo su primera presentación en el Museo Rufino Tamayo, que es un registro audiovisual en película de 16 mm de las experiencias de cultura y vida de dos comunidades frente a la actividad minera: Vetagrande, en Zacatecas, y Calpulálpam, en la Sierra Norte de Oaxaca.

«Son dos lugares que tienen una historia de minería», explica la artista. En su investigación descubrió que Vetagrande, desde la conquista es un espacio utilizado para la minería, que no se ha dejado de explotar. Por su parte, Calpulálpam también se trabajó en la colonia, pero en los 90s fue cerrada y hace algunos años se pretende volver a explotarla, pero la comunidad se ha opuesto a este proyecto.

«Son dos lugares geográficamente muy distintos, pero en los que es posible ver los efectos (de la minería) en cada zona, que se contrastan por las realidades que viven. En pocos años se ha visto un cambio fuerte en el paisaje, la manera en que se va haciendo se cortan los cerros…, es para pensar», indica Pardo respecto al territorio en los que centra su atención.

La artista busca centrarse en capturar cómo se organiza la gente en un lugar y en el otro, cómo viven esta situación en cada comunidad. Si bien es cercana a las comunidades, este aspecto más personal le resulta interesante, ya que busca descubrir, por ejemplo, como en Oaxaca las personas se organizan para luchar contra las mineras.

El «detonante» de Pulsos Subterráneos está en Zacatecas, pues si bien existía una mina, ya era parte del territorio y de la vida cotidiana del pueblo de Calpulálpam. Aunque esto cambió cuando algunos amigos suyos le contaros, y mostraron, como su casa comenzaba a caerse debido a las nuevas técnicas de minería. 

«Fui un día (a Zacatecas) y un cerro ya no existía. Es impresionante como se transforma el paisaje en poco tiempo tan drásticamente; así que empece a sacar fotos», relata.

Respecto a las cuestiones técnicas del proyecto artístico, Pardo explica que trabaja en 16mm, pues es un formato en el que se siente cómoda al trabajar. Además de que es una cuestión más abstracta con el material, ya que al venir de la plata es algo que la hace pensar en el material mismo de que también la minería es algo útil para la vida diaria.

La forma en que presenta Pulsos subterráneos es una presentación de cine expandido, para lo que en vivo trabaja con dos proyectores y realiza algunos loops. «No es un documental en el sentido que lo conocemos, porque creo hay más la intención de generar una sensación sobre lo que pasa con el paisaje…», Pardo busca crear una ambientación, una sensación.

Para lograr su objetivo, además de la imagen, se trabaja con Nahú Rodríguez, paisajista y experimentador sonoro oaxaqueño; Kunt Vargas,  músico trombonista y actual miembro de Los Pream; y Fabián Campuzano, intérprete de tuba y catedrático de UABJO.

Lo que Elena Pardo busca transmitir en la presentación del performace es que se entienda el paisaje como una parte de nuestro cuerpo social; «la sensación de destrozo, de tristeza, creo que algunas de las imágenes logran captar eso, quizás es que la gente reflexione acerca de la intervención humana en el paisaje».

Lo anterior, es en lo visual y la musicalización, pero con las entrevistas, que igual tienen ciertos ritmos, espera que las personas reflexionen acerca de las «experiencias personales, porque hay visiones distintas, hay personas que siempre han vivido de la minería y nos les parece mal esa posibilidad».

«En Oaxaca, la postura es no a la minería; y Vetagrande, (sí pero) que no les destruyan el pueblo, reflexionar esas dos posturas. (Pensar) que lo que nosotros hacemos requiere de la minería. Por ejemplo, la película de cine utiliza plata», así que es necesaria la minería. Para la creativa se trata de ser más críticos de la manera en que consumimos.

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La presentación del performance es la manera en que Pardo presenta su primer año de trabajo, que consistió en acercarse a la comunidad, hacer contacto y, poco a poco, lograr que las personas se abrieran. «Esta es la parte más superficial del proyecto, (es retratar) como se ve el paisaje tal cual, ver el pueblo. Me gustaría adentrarme más en el tema y en el paisaje».

Ahonda en que busca entender la lógica de los lugares que visita. Al igual que las personas que habitan los pueblos, que están vivos y tienen cambios, Pulsos Subterráneos también es cambiante.  «Además de ver los resultados, y como son presentaciones en vivo, hasta que no las realizo puedo ver si en verdad comunica lo que yo quiero». 

Uno de los grandes cambios para Pardo, en este año de trabajo, fue el darse cuenta que la minería tiene algo de necesaria, así que seguirá explorando esto. «Si bien es cierto que la minería es dañina para el ambiente, a la vez, requerimos de ella. «Pensar en ese conflicto que tenemos todos, porque por un lado no queremos que se destruya, pero tenemos necesidades».

Una de las grandes sorpresas, para Pardo fue el descubrir una minería independiente, alternativa, de gente que vive esto como una pasión, algo que es parte de ellos. Se trata de gente, «que consigue terrenos, saben reconocer a vista donde hay vetas,así que un señor con sus dos amigos rompiendo piedras, esa parte no la conocía. Los llaman gambuzinos, son como buscadores de piedras y de oro. Hay en todo el país se pasan el pitazo y andan rondando; que me pareció muy interesante no conocía ese universo, es algo que no esperaba».

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Fotografía

Luz en soledad, muestra que representa la soledad contemporánea

La soledad cada día se extiende más en la sociedad, así que resulta un tema interesante para abordar en fotografía, así que en la serie Luz en soledad, que se presentó en la Universidad de Lima, plantea una analogía con respecto a la soledad del individuo en una sociedad contemporánea regida por el individualismo.

La muestra, que estuvo curada por Carlos Caamaño, contó con el trabajo de artistas como Solange Adum, Aline Calmet, Sergio Fernández, Morfi Jiménez, Alejandro León Cannock, Milovan Radovic, Renzo Rebagliati y Hans Stoll

La exposición homenajeó a la soledad en el suceso fotográfico al momento en que se abre el diafragma y entra la luz. La muestra también se centró en los problemas de comunicación que hoy atraviesa la humanidad debido a la práctica de una cultura del aislamiento.

Las imágenes que componían Luz en soledad son representaciones que dejan en evidencia cualidades como la soledad, el aislamiento y la incomunicación. Son escenas que revelan una profunda soledad junto a indicios que señalan de forma irónica infinitas presencias deshumanizadas.

Todas las imágenes son © Universidad de Lima

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Fotografía

Samm Escobar retrata la invasión de la contaminación en Puerto Escondido

En la cordillera de la Sierra Madre del Sur desciende suavemente hacia el Océano Pacífico se encuentra Puerto Escondido, un pueblo costero cuya playa lo ha convertido en uno de los lugares más populares de la costa oeste de México.

En una serie de collages digitales titulados Invasio, Samm Escobar analiza los problemas y la prosperidad que han surgido con la creciente popularidad de Puerto Escondido, la ciudad a la que llama hogar. «He sido testigo de la huella de contaminación que está causando nuestra civilización», escribe Escobar en la descripción del proyecto. “Creo que en la misma proporción que la humanidad ha adquirido más y más conocimiento científico para bien, también ha causado una alteración aún mayor en los ecosistemas de nuestro planeta. Un cambio que no siempre es favorable «.

En un mundo donde las huelgas en el lugar de trabajo cada viernes son la nueva normalidad, el Antropoceno pesa sobre nuestros hombros. Los humanos han cambiado el mundo de una manera que es potencialmente irreversible, y la crisis climática que estamos experimentando es solo una señal de nuevos peligros que se producirán si no comenzamos a hacer cambios radicales en las políticas a nivel mundial.

Invasio es una colección de fotografías digitales, en las que Escobar ha colocado letreros llamativos en las playas vírgenes de Puerto Escondido, que reflejan “la invasión y el cambio que la civilización ha infligido a la naturaleza, interviniendo y destruyendo incluso los lugares más prístinos y lejanos».

Todas las imágenes son © Samm Escobar

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Fotografía

Noches neón de Marruecos por Al Mefer

El fotógrafo Al Mefer es un artista visual quien capta una mirada particular de Marruecos. En la serie Marrocan Nights el creativo consigue capturar la belleza nocturna de esta tierra.

Tras la lente de Mefer descubrimos una nueva gama de luces y colores, rara vez asociados con el país. Al Mefer tiene la costumbre de crear imágenes sobrenaturales y esta serie no es una excepción.

En este proyecto, el fotógrafo logra teñir al país de colores irreales, así consigue crear una atmósfera sobrenatural cercana a la ciencia ficción.

Todas las imágenes son © Al Mefer

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Fotografía

África en el lente de Ariel Carlomagno

Observa el trabajo de Ariel Carlomagno es abrirse a creer en la aventura, en abrirse al mundo y recorrerlo con la sorpresa de un infante. Sin duda, su trabajo tiene un poco de esto, pues consigue capturar imágenes únicas y detalladas de los territorios que visita.

En la actualidad, Ariel Carlomagno es uno de los fotógrafos más importantes de América Latina. Con sensibilidad única y técnica sobresaliente se adentra en los más remotos rincones de cada región, en busca de un vínculo con sus costumbres y raíces. Lo hace convencido de que la riqueza de un pueblo radica en su diversidad cultural y en el conjunto de sus matices.

Fiel a esa vocación plasmada desde Latidos de América (2008) y posteriormente en Latidos de India (2016) su último trabajo sorprende nuevamente con, una narrativa visual que es espejo y memoria de la riqueza natural y etnográfica del país Africano, un gran tesoro que merece ser compartido.

Todas las imágenes son © Latitud Gallery

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Fotografía

Territorios oscuros creados de Suzanne Moxhay

Espacios abandonados y olvidados son el «lienzo» que inspira a Suzanne Moxhay, fotógrafa inglesa, cuyo trabajo se ubica entre la puesta en escena, el cuadro vivo, el sueño e incluso el hiperrealismo, que forman parte del proyecto Desertic No Man Land.

A partir de un archivo de material recopilado, Moxhay crea sus imágenes de fotomontaje. Su método se derivó en parte de la técnica cinematográfica temprana de la pintura mate, donde los fondos se pintaban en láminas de vidrio y la cámara los integraba con la acción en vivo en el set.

La fotógrafa construye la imagen en su estudio utilizando fragmentos recortados de material de origen, que convierte en pequeños escenarios en paneles de vidrio. Luego vuelve a fotografiar los escenarios y manipula las imágenes digitalmente, un acto de reprocesamiento que las aleja más de su contexto original y amplía el potencial narrativo.

Su material original proviene de un archivo de imágenes recopiladas, desde libros y revistas de mediados del siglo XX hasta fotografías contemporáneas encontradas, así como sus propias fotografías y pinturas. Ella trabaja con el material hasta encontrar puntos de conexión entre los detalles, ya sea a través de temas compartidos o consideraciones formales, como seguir el camino de la luz de una imagen a otra para crear espacios, que al principio pueden parecer reales, pero en una inspección más cercana se comienzan a disolver.

Para su obra juega con anomalías (de textura, superficie, profundidad, espacio, escala, movimiento y arquitectura) para involucrar al espectador en la construcción de la imagen y hacer que la cuestionen.

Todas las imágenes son © Suzanne Moxhay

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Fotografía

Noches de Hamburgo retratadas por Mark Boyer

Esta serie, titulada After Hours, que se encuentra en constante crecimiento se centra en las calles de Hamburgo por la noche, que es retratada por el fotógrafo
Mark Broyer
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Las imágenes nocturnas de calles vacías, escaparates y edificios iluminados por luces de neón revelan una cara diferente de la ciudad y como algo ordinario puede volverse cinemático bajo las condiciones de luz adecuadas.

Las escenas de Boyer están desprovistas de gente y cada toma parece misteriosa, lo que contribuye a la tranquilidad de estas imágenes.

Todas las imágenes son © Mark Broyer

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Fotografía

Transición a lo digital de Thomas Ruff

La serie PHG (Photograms), de Thomas Ruff, es el camino emprendido por el fotógrafo, que se aventura a utilizar técnicas digitales en la fotografía clásica, que ofrece resultados únicos.

Esta colección de formas inventadas, en conjunto con superficies simuladas de papel y condiciones de luz totalmente ajustables, comprimE un ambiente digital de cuarto obscuro en el que Ruff puede acceder a incontables posibilidades y control absoluto.

Thomas Ruff, cuya obra se presentó en la Galería, encuentra imágenes en la periferia y la marginalidad que tienen un diálogo con sus propios estereotipos fotográficos y arquetipos. Esta exploración conceptual termina convirtiéndose en una estrategia formalista que resalta la fuerza de la composición, sus formas y su compromiso con el poder icónico sobre el espectador sostenido por una imagen. Su interés estético genera puentes con la pintura y la historia del arte. Por ejemplo, en sus imágenes pornográficas de mujeres desnudas de la serie titulada desnudos (2006), de repente recordamos alegorías y vírgenes de pinturas impresionistas renacentistas o francesas, como las de Degas. Y en sus paisajes abstractos de la serie de Jpegs (2007), hay guiños al movimiento y la tensión de las obras maestras de Delacroix y Géricault.

El trabajo del fotógrafo se ha centrado en varios géneros del medio, incluidos el retrato, la arquitectura, la astronomía, el desnudo, los reportajes y los fotogramas. A lo largo de la serie presentada en esta exposición, Ruff desafía al espectador al demostrar que los universos visuales pueden volverse cada vez más complejos cuanto más uno contempla los detalles.

Todas las imágenes son © Galería OMR

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Fotografía

Patrones coloridos de José Lourenço

El trabajo de José Lourenço busca resaltar la belleza de los patrones y el orden para establecer su propia estética, que tiene un toque juguetón y divertido, que destaca por su alto impacto visual.

Aunque no todos su trabajo es tan preciso, pues se da tiempo para crear series más experimentales, como Ice Cream, en la que buscó crear gruesos remolinos de pintura de color caramelo encima de los pinceles, convirtiéndose casi en deliciosos mashups de lo comestible y lo no digerible.

Todas las imágenes son © José Lourenço