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«Vuelta» y la invitación al vacío de Yuki Ogura

En la instalación Vuelta, de Yuki Ogura, se arroja al espectador al vacío, esto al explorar el deseo de las personas, que se produce al reproducir, en parte, la experiencia que se tiene al formarse en una fila anticipando obtener algo al final, pero al terminar la fila se da cuenta de que no había lo que deseaba.

Al mirar este lugar, si es que se pone atención, puede que se le devuelvan aspectos propios del espectador, es capaz de obtener algo o nada, todo dependerá de él.

El trabajo de Ogura es una investigación de la relación entre el espacio, tiempo, y personas; la reacción del receptor de información es su enfoque principal. En sus proyectos la artista produce contextos para que surjan reacciones.

Por las discrepancias entre las percepciones de las personas, una comprensión completa entre seres humanos es casi imposible de comprobar. Cuando hay dos personas y un objeto enfrente de sus ojos, no pueden confirmar que los dos están percibiéndolo de misma manera, y este fenómeno ocurre no solamente en la vista, sino en el oído y la recepción del significado de las palabras, entre otros sensores receptivos. Ogura utiliza la presencia y la ausencia de los estímulos como instrumentos de comunicación, y busca un sentimiento que llegaran a tener todos en común.

Curada por Alejandro Romero, en USSR (Un Studio Sobre Revolución), se acaba de inaugurar una exposición que muestra el trabajo más relevante de Yuki Ogura, artista nacido en Ehime, Japón. Vuelta es el nombre de esta expo en la que, explican, no obtendrás una recompensa al final de recorrido.

Yuki Ogura nació en Ehime, Japón el 14 de diciembre, 1985. Terminó la Licenciatura en Bellas Artes con concentración en escultura en Universidad de North Texas, EUA en 2010. Ha participado en el taller, “Astronomía Inversa” impartido por Oscar Santillán en MUAC, México y otro taller, “Nancarrow Y Las Máquinas Musicales Desde El Renacimiento Hasta El Reproductor De Mp3” impartido por Trimpin en la Casa de Lago, México en 2017. Ganó ”Awards to Artists” de Dallas Museum of Art en 2009, y “Beth and John Clardy Memorial Award”, así como “Fort Worth Art Dealers Association Award” con su colaboracion yuul/paki (con Paul Young ) del J.M. Moudy Gallery en 2010 en EUA. Ha dado un taller y una ponencia en “el 2o Encuentro Contemporáneo de Artes Plástica” de Villahermosa, Tabasco en 2014. Ha expuesto en EUA y México.

Todas las imágenes son © Yuki Ogura

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Microcosmos lumínico de teamLab Borderless

En el distrito de Huangpu, de Shanghái, los creativos de teamLab Borderless montaron un monumental museo que presenta una colección de las 50 obras de arte originales e instalaciones interactivas de teamLab.

La idea es crear «un mundo de obras de arte sin límites, un museo sin un mapa. Las obras de arte salen de las habitaciones, se comunican con otras obras, influyen y, a veces, se mezclan entre sí», se comparte en la descripción del proyecto.

Una de las piezas más llamativas es Microcosmoses, una inmensa escultura de luz compuesta por más de 1000 luces móviles. Ésta se mueve mediante vehículos ligeros autónomos, en forma de esferas de vidrio, se mueven simultáneamente por todo el espacio en un riel cambiando las velocidades y los colores en respuesta entre sí. Los vehículos brillan intensamente y emiten tonos de sonido, a medida que las personas se acercan a ellos, brindando a cada visitante una experiencia única y única.

Todas las imágenes son © teamLab Borderless

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Economía en movimiento por Liene Rubane

Podría pensarse que la economía se mueve por sí sola, pero la obra Walking Economy, de Liene Rubane, nos recuerda que existen personas que le dan movimiento.

Se trata de una secuencia inmersiva de grandes dibujos de hombres que caminan mientras transportan diversos objetos y bienes en grandes cantidades o muy pesados como si estuvieran trabajando. Esta actividad económica es llevada a cabo por doce trabajadores para repetir el movimiento continuo de caminar.

Los estudios fotográficos de movimiento de Eadweard Muybridge son la base de esta pieza de arte que contiene simplicidad armónica en idea, estilo artístico y medio.

El proyecto consta de doce dibujos hechos con carbón y tinta sobre papel marrón, de aproximadamente 1,1 x 2,5 m de tamaño, y una animación que es un complemento y explicación de la idea de los dibujos.

Todas las imágenes son © Liene Rubane

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The Peninsula New York presenta la exposición «Home»

The Peninsula New York presentó Home, una exposición que exploró las nociones de hogar, identidad y comunidad, como una oda al compromiso más grande de The Peninsula de celebrar a la familia y la herencia cultural.

La exposición contó con una curaduría de obras originales de artistas como Do Ho Suh, Catherine Opie, Angel Otero, Ashley Bickerton y Heidi Bucher, entre otros.

Las piezas exhibidas en The Peninsula New York incluyeron dos instalaciones arquitectónicas a gran escala del artista coreano residente en Londres, Do Ho Suh, quien es reconocido internacionalmente por sus instalaciones inmersivas y esculturas de «arquitectura de tela» que exploran la naturaleza y el significado del hogar. Entre sus obras más emblemáticas en exhibición en Palm Court del hotel, se encuentra Wielandstr. 18, 12159 Berlin–3 Corridors (2011) que recrea el corredor del antiguo apartamento del artista en Berlín, a escala, totalmente de tela etérea. La obra fue destacada en la exposición de 2018 «Do Ho Suh: Almost Home» en el Smithsonian American Art Museum, que según The Art Newspaper fue la exposición de arte contemporáneo más popular del mundo durante dicho año. En Gotham LoungeCause & Effect (2007) de Suh está compuesto por cientos de figuras pequeñas, coloridas, acrílicas, que formaban un candelabro en forma de cono, suspendido del techo y que casi toca el suelo. La obra de arte es una realización física de la existencia, que sugiere fuerza en presencia de numerosos individuos, ya que las figuras parecen elevarse desde los hombros de la única figura ubicada en la parte inferior.

Home incluyó varios retratos de Catherine Opie en el vestíbulo superior, a la derecha de la recepción. Con destacados personajes del mundo del arte, los retratos representan a amigos y confidentes que conforman la comunidad artística de Opie. Con un enfoque en un examen de las comunidades subculturales, las fotografías de Opie unen la política actual y las estructuras sociales con una estética artística clásica. Opie ganó notoriedad en la década de 1990 con su serie de retratos LGBTQA+ subjects, considerados innovadores durante el apogeo de las “guerras culturales” polarizantes. Desde entonces, Opie ha viajado extensamente, documentando la vida americana contemporánea y las ubicaciones geográficas a través de la fotografía de sujetos que a menudo son amigos, familiares y compañeros.

Las pinturas de Angel Otero engalanaron el vestíbulo superior, frente a la recepción. El artista de Puerto Rico pero que reside en Nueva York, es reconocido internacionalmente por su proceso innovador en el que pinta sobre grandes platos de vidrio, para luego retirar la pintura al óleo parcialmente seca de la superficie, y finalmente empalmar y combinar estas «pieles» pintadas en composiciones de varias capas. Al momento de crear sus piezas, el artista a menudo se inspira en recuerdos de su infancia en Puerto Rico, particularmente cuando utiliza ciertos materiales, tales como el mimbre, el encaje y los cristales que incorpora en sus pinturas, mismos que lo remiten a la casa de su abuela. Otero recientemente anunció planes para construir un estudio en su país natal para apoyar a la comunidad mientras se reconstruye después del huracán María y para brindar un mejor acceso a las artes y la cultura.

Al ingresar al hotel, los huéspedes eran recibidos por The Edge of Things (1993) de Ashley Bickerton, la más reciente obra creada por el artista luego de mudarse de Nueva York a Bali. Reconocido por su innovación como parte del grupo de artistas Neo-Geo en la década de 1980 en Nueva York, la reubicación de Bickerton inició una nueva era en su práctica, relacionada con la mercantilización del arte y la naturaleza. También se pueden ver las obras de la difunta artista suiza, Heidi Bucher, que aparecen en la estancia del vestíbulo superior. Bucher es mejor conocida por su innovador uso del látex para proyectar fragmentos arquitectónicos a gran escala, incluidos edificios completos. Bucher se refirió a estas piezas fundidas como «desollados» o «mudas», que imbuyen estos espacios capturados con atributos animales o biológicos. Su investigación de los límites físicos entre el cuerpo y su entorno la alinea con otras artistas feministas que se comprometieron a exponer la compleja relación entre las mujeres y los entornos domésticos y de género a los que solían ser relegadas.

El hotel ha colaborado con coleccionistas privados y Lehmann Maupin –una galería de arte internacional reconocida por su representación de artistas distinguidos y diversos de todo el mundo–, para presentar a estos artistas inspiradores que exponen la noción de hogar y comunidad a través de originales obras. Con esto, cada artista ofrece una extensión de comodidad, tranquilidad y sentido de lugar, al igual que The Peninsula ofrece a cada huésped que atraviesa sus puertas.

Todas las imágenes son © The Peninsula New York

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Confusión de la mexicanidad explorada por Wendy Cabrera y Josué Mejía

En México parece que siempre ha existido una confusión acerca de su identidad, como si esa lucha de hace 500 años estuviese presente en cada uno de nosotros, un rasgo que sirve de inspiración a Wendy Cabrera y Josué Mejía.

El dúo artístico presentan una instalación titulada Apocalipto, en la galería Nordenhake México, en ésta un tucán y una guacamaya discuten en torno a los mexicanos tomando como base los proyectos arquitectónicos de Pedro Ramírez Vázquez.

La conversación de los personajes se enfoca en la «problemática representación de la nación mexicana de mediados del siglo XX», así se puede leer en el texto que acompaña la obra. Por eso centran su atención en el Museo de Antropología y su relación con los pueblos indígenas.

Mediante la instalación se cuestionan cómo se imagina el mundo indígena  en la actualidad y de qué manera se integra en la cultura actual, ya que aún es posible sentir su fuerza vital, pese a la distancia temporal.

La muestra Apocalipto convive con la obra Prototypes, de Doireann O’Malley, «una trilogía que explora el género y sus manifestaciones en un conjunto de escenas mentales y corporales post-especulativas, ambientadas en el desarrollo habitacional modernista Interbau en el área Hansaviertel de Berlín.

En las películas, el espectador es guiado sonora y visualmente a través de varios paisajes urbanos y paisajes de ensueño, observando referencias psicoanalíticas tanto de pasados ​​chamanísticos como de futuros especulativos, que evocan modos de existencia alternativos. Nos encontramos con los protagonistas que interactúan con tecnologías indefinidas y parece ambiguo si se están representando a sí mismos en un mundo virtual, un futuro potencial, o creando su presente. De hecho, a lo largo de Prototypes hay poca distinción entre «lo simbólico, lo imaginario y lo real», de acuerdo a un extracto condensado del ensayo «Queering Boundaries» de Lou Drago, en: Prototypes, Sternberg Press y The Edith Russ Haus para Media Art y Hugh Lane Gallery, 2019.

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Entrevistas Instalación

Innovación artística por Guillermo Roel en el MIIC

Los artistas son los primeros en iniciar la innovación tecnológica, ya que siempre están en la búsqueda de novedosas formas de representar la realidad, así es el proyecto del artista Guillermo Roel, la instalación titulada La nueva clonación, que fue la pieza inaugural del Museo Itinerante Individuo Colectivo (MIIC).

Para empezar hay que hablar de la iniciativa del (MIIC), que busca crear otras maneras de inclusión en la cultura, esto mediante una plataforma itinerante que invita a la reflexión de lo humano. Ideado por Roel, el espacio nace de la necesidad de permitir la mayor difusión posible de obras artísticas y al mismo tiempo de la revalorización del arte como parte medular de la sociedad.

Acerca de La Nueva Clonación, el artista manifestó que este quehacer artístico es la «nueva versión de la que hace 20 años se presentó en el Museo Nacional de Arte”; al mismo tiempo, la detalló como“una pieza con alrededor de 240 m2 de pintura, que ocupa paredes y techos, con el piso perfectamente nivelado, pintado en negro, inundado con 2 mm de agua, lo cual genera un espejo del tamaño de todo el espacio“, donde el espectador “desafía sus sentidos y se encuentra flotando en medio de un lugar…».

Para conocer más a detalle de la propuesta de Guillermo Roel, aquí compartimos una pequeña entrevista:

La pieza está acompañada por la música del compositor Héctor Ruiz que trató de «hacer una técnica musical análoga a la pictórica, donde también hicimos gestos musicales. Se grabaron gestos musicales, y después se compilaron, se seleccionaron y se montaron. Esto para crear una analogía entre lo sonoro y lo visual».

Los gestos sonoros de la obra fueron grabados con un piano intervenido y un arpa pitagórica. La escultura sonora está dividida en tres movimientos, cada uno con una duración de 4 minutos 33 segundos, en una clara alusión al compositor estadounidense John Cage.

El MIIC abrió sus puertas al público en el Parque La Mexicana, de la Ciudad de México. Además, que durante este 2019, inició un viaje en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y luego emprenderá su rumbo por la República Mexicana, comenzando por Puebla y Morelos.

Todas las imágenes son © Guillermo Roel

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Reflexiones de la memoria en la Fundación Marso

Al cuestionar la memoria se pone en duda la historia, el patrimonio cultural, la identidad, el tiempo como fenómeno y las huellas de las acciones humanas, este tema es la reflexión de la exposición El Olvido está llena de Memoría, que se presentó en la Fundación Marso.

La muestra, que exhibe obras de los artistas noruegos Javier Barrios, Hanne Friis, Anders Sletvold Moe y Camilla Skibrek, presenta piezas en las que aparece una atención a la materialidad y minuciosidad en los procesos meticulosos que se encuentran detrás de sus obras. Se han dedicado horas y horas de planificación y trabajo para facilitar y hacer estas obras de arte únicas.

En un tiempo y una época aparentemente más definidos por categorizaciones duras y diferenciando en vez de lo contrario, parece lógico enfocarse en rasgos compartidos, ya sea en personas, naciones o arte contemporáneo para el caso. Los humanos y el arte son conceptos a menudo sujetos a tales actos; sin embargo, pueden eludir fácilmente la categorización por medio de su naturaleza multifacética y rasgos compartidos.

Las obras expuestas abordan el impacto recíproco entre las personas, las culturas y la naturaleza, aunque a diferentes niveles. Por lo tanto, se abren a preguntas sobre qué influencias tiene la naturaleza sobre las personas y lo contrario; ¿Qué rastros dejan los humanos? ¿Cómo se configuran las identidades de las personas a través de la cultura y de qué manera la historia ha influido en los individuos, las sociedades y las culturas? ¿En qué medida compartimos los mismos rasgos e historia, a través de las fronteras y los estados-nación?

Todas las imágenes son © Fundación Marso

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Escultura Instalación

Naturaleza vista en el «Herbarium» de María José de la Macorra

El trabajo de María José de la Macorra busca que el espectador conecte con la naturaleza, al hacer esto es volver a la infancia cuando jugábamos con las plantas, además de que se convierte en un homenaje a las especies de plantas que han desaparecido o mutado a través del tiempo.

La exposición, titulada Herbarium, que se presenta en Galería Ethra reúne las obras que la artista ha producido durante 20 años de trabajo. La muestra se define como un memorial en el que se muestra su interés por lo vegetal, las formas orgánicas y los procesos de transformación de la naturaleza para adaptarse a nuevos contextos.

En la galería se reúnen tres diferentes proyectos que la creativa desarrolló en estas dos décadas y que denomina Perlas; la primera perla Cuenca de México, la segunda Los Bosques y Orquídeas desaparecidas.

Al recorrer el espacio se evidencia un ir y venir de exploración, apropiación y aprendizaje, María José ha transitado por la pintura, el bordado y el dibujo pero nunca ha dejado de ser escultora y lo evidencia en esta exposición en donde deja claro que los bordados, los dibujos y demás piezas son el hilo conductor que le ha permitido experimentar, buscar, proponer y descubrir diversas técnicas escultóricas.

Todas las imágenes son © Galería Ethra

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Problemas migratorios reflejados en el arte de René Derouin

El artista René Derouin nos recuerda el impacto social que debe tener el arte, que logra al retratar los problemas del racismo que se vive en América del norte en el mural y exposición El muro de los rapaces, que se exhibe en el Centro Cultural Roberto Cantoral.

En las obras destacan aves de diferentes tamaños que aluden al sistema neoliberal dominado por la rapacidad de unos pocos sobre el destino y la migración de los pueblos, además de que en el mural realizado sobre módulos de madera tallada y pintada al acrílico se observa la imagen de un ferrocarril.

Acerca de su obra, Derouin comenta que es importante «sensibilizar mediante el arte. Como artista, me parece esencial hacer oír mi voz en esta época perjudicial a fin de desmentir la información y propaganda racista. Con su retórica perniciosa, Donald Trump es portavoz de una nueva encarnación de la supremacía blanca. Negando la realidad para abrazar mejor su propia ficción, imitando así al cine estilo hollywoodense que siempre representó el latino o mexicano como un perezoso, un cabrón o un hombre armado y peligroso».

Todas las imágenes son © Conaculta

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Exploraciones a la pintura de Chris Dorosz

En lugar de considerar la pintura como un medio líquido, el artista Chris Dorosz utiliza un material poco tradicional como una unidad de medida para formar retratos escultóricos anónimos. A primera vista, las pinturas tridimensionales se leen como compilaciones abstractas de formas, y sólo cuando el espectador mira de frente al retrato comienza a emerger una figura humana.

Como él escribe acerca de su proyecto, Dorosz considera que la gota de pintura es «una imagen que toma forma no de un pincel o cualquier instrumento o gesto hecho por el hombre, sino puramente de su propia viscosidad y del aire que cae, como análoga a los bloques de construcción que componen el cuerpo humano (ADN) o incluso su representación mimética (el píxel) «.

Todas las imágenes son © Chris Dorosz