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Escultura

Dédalo nos refleja los conflictos de la vida contemporánea

Ciertos elementos, conforme el artista los usa, se vuelven iconicos a la obra de los creativos, esto es algo que Rodirgo de la Sierra logró con Timoteoo Timo, un personaje rechonco anónimo acentuado por la falta de características faciales y una morfología cuyo canon nos acerca a las tiras cómicas.

Las imágenes mostradas pertenecen a la muestra Dédalo, que se expuso en  la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, que presenta a Timo en diversas situaciones que descubren las distintas problemáticas globales de carácter social y económico de las habitantes de las urbes.

El título Dédalo tiene una doble referencia: por una parte, la formación en arquitectura que llevó al artista al mundo creativo (Dédalo fue el arquitecto del laberinto de Creta, en el que él y su hijo Ícaro fueron encerrados por Minos); y por otro lado, la construcción de las alas de plumas y cera para que Ícaro saliera volando, representa el esfuerzo por alcanzar el conocimiento de las ciencias y la reflexión filosófica.

El anonimato de Timo permite al espectador reflejarse en él y reflexionar de manera humorística las relaciones del ser humano con el mundo contemporáneo, sus problemas y situaciones psicológicas.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Escultura

Belleza de los insectos replicadas por Raku Inoue

Una serie de insectos florales hechos a mano por el diseñador multidisciplinario Raku Inoue Los insectos se ven tan reales que desde la distancia podrían confundirse con lo real.

Inoue afirma que estos Nature Insects, nombre de su colección, está basada en flores que se inspiraron en el arte japonés del arreglo floral o ikebana, utilizando materiales que están a mano.

Su creador, indica que para este tipo de trabajo, «el objetivo es no pensar demasiado, tratar de crear de una manera muy natural. Cuando trabajo con diferentes agencias de publicidad, a menudo tienen una dirección específica que quieren que tome. Así que acabo de hacer este ejercicio para hacerme más apto para crear de una manera más espontánea. A menudo, el mejor trabajo se hace cuando se va con el flujo».

Todas las imágenes son ©Raku Inoue

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Escultura

Amor a la fauna esculpido por Simon Brown

El artista Simon Brown convierte pinceles viejos en campos de pasto o prados con animales de aspecto realista como zorros, conejos, búhos y perros hechos de materiales como lana islandesa, herdwick texturizado, pelo de camello y cachemir suave.

Simon ama la vida silvestre de Northumberland y está fascinado por las historias de folclore británico que intenta inyectar en su trabajo.

S»oy un artista de fieltro de aguja de un pequeño pueblo en la costa de Northumbria en el Reino Unido rodeado de castillos, gatos y cantidades copiosas de té. Encuentro cepillos viejos, golpeados y muy usados, que nadie miraría dos veces y los devolvería a la vida con pequeños animales apuñalados con lana, creando piezas caprichosas llenas de vida, curiosidad y peligro», es como se define Simon Brown.

Todas las imágenes son © Simon Brown

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Escultura

Piezas únicas de Leonora Carrington en Moda in Casa x Mycellium

En octubre llegó a Moda in Casa una peculiar colección de piezas, que son poco conocidas, de Leonora Carrington, una serie de 15 esculturas, así como con la línea de joyería de edición limitada que estuvo presente del 3-24 de octubre.

La serie de piezas formó parte de Trascendencia que es la manera en que Moda in Casa presenta un innovador servicio que conecta los puntos entre el arte y el diseño. Moda in Casa x Mycellium surge para ofrecer asesoría en la adquisición, curaduría, museografía e iluminación de obras de arte.

Sobre esta colaboración, Louis Poiré, fundador de Moda in Casa, dijo a los medios “Estoy muy contento. Para nosotros es mucho orgullo tener a alguien de esta calidad y de esta importancia, en un momento en que acaba de cerrar una exposición de gran éxito. Y es también nuestra forma de decir que el arte no solamente está en los museos, también está en nosotros, en nuestra casa”.

Adriana María Martínez, fundadora de la plataforma cultural Mycellium, recientemente regresó de Nueva York, donde participó dando una plática en Sotheby´s Institute of Art, presentando el proyecto con éxito. Durante el evento, compartió con la audiencia lo que para ella significa esta colaboración: “El arte tiene la posibilidad de generar una transformación impresionante y en el momento en que llevamos el arte a nuestras casas -a nuestro espacio más intimo-, es cuando sucede esa transformación.

Mycellium se ha establecido como la plataforma cultural encargada de llevar arte hacia nuevos territorios, generado nuevas realidades en cada uno de sus proyectos. Desde su fundación en 2011, la plataforma liderada por Adriana María Martínez ha desarrollado exposiciones, comisiones de artistas y muestras de colecciones fuera de lo convencional, eliminando las fronteras establecidas por el circuito del arte.

Un ejemplo son sus exhibiciones en espacios inéditos, como el Piso 51 de la Torre Mayor y con la idea de transformar México, llevó el poder transformador del arte hasta sus líderes. En un afán por romper con la monotonía expositiva, la búsqueda por expandir los alcances del arte y una gran aspiración a generar un impacto social significativo, Mycellium realizó una serie de muestras colectivas en los distintos hogares de diferentes figuras clave del medio artístico, social, de diseño y de arquitectura, Arte en Casa. Mycellium fue responsable de llevar hasta Tulum la primera serie de activaciones de arte contemporáneo y, junto con el artista invitado Aldo Chaparro, instaló obras de arte en lagunas, playas y cenotes.

A través de su proyecto más reciente, la colaboración con Moda in Casa, Mycellium busca democratizar la compra de arte, estimular la creación artística y fomentar el coleccionismo en México. El pasado mes de septiembre, Sotheby´s Institute of Art en Nueva York invitó Adriana María Martínez y para dar una conferencia. Ante miembros del instituto, la fundadora de la plataforma Mycellium compartió su experiencia personal: “El arte ha sido mi voz desde que recuerdo. La creatividad, siempre presente, me ha permitido crear nuevas realidades, sensaciones y experiencias transformadoras. Siempre viviendo la vida al máximo y con contrastes: a veces, teniendo todo y otras veces, nada, abrí caminos extraordinarios para la realización. Así es como la vida me llevó, de un centro de negocios en el piso 51 en el corazón de la Ciudad de México, a junglas, cavernas, océanos, comunidades y otras ciudades creando un diálogo entre lo conocido y el lenguaje muy extraño y emocionante del arte; promoviendo la idea de que es posible crear una nueva vida desde la apreciación más humana: nuestra experiencia personal.”

Moda in Casa nació a fines de la década de 1970, cuando Louis Poiré, diseñador industrial mexicano, se dio cuenta de que la arquitectura en México estaba mucho más avanzada que el diseño y no existía la oferta de opciones para satisfacer la demanda de una ciudad en plena transformación. Con la idea de crear una solución a esta problemática, Moda in Casa se establecerse como una empresa 100% mexicana, sin dejar de lado en ningún momento la calidad internacional y desde entonces se dedica al diseño y manufactura de mobiliario universal, adoptando modelos sustentables, disruptivos y orgánicos en todos sus procesos. Fue en el garage de una casa de la calle de Altavista, en el barrio de San Ángel, donde Moda in Casa abrió su primera tienda.

Al principio vendía solamente accesorios, pero para 1983, ese garage se convirtió en la tienda high tech de 700 metros cuadrados que, con aparadores hacia la calle para mostrar los diseños, puso el ejemplo a retailers de este lado del planeta: la tienda de Moda in Casa Palmas fue el primer edificio en América en tener una fachada de vidrio estructural. Desde el comienzo, Moda in Casa optó por ofrecer la calidad del diseño europeo e italiano (más específicamente), pero siguiendo los principios de producción y entrega rápida del marketing americano, lo que hasta la fecha sigue vigente, siendo la casa de diseño con mayor calidad en sus productos y un gran servicio de entrega y post venta.

De hecho, Moda in Casa es pionero en el uso de la frase y modelo “entrega inmediata” en México. Gracias a la tecnología innovadora, desarrollada por la propia marca e implementada en los procesos de producción, los muebles de la firma tienen mayor calidad y durabilidad que cualquier otro en el mercado, por lo que tienen garantía de por vida. Tanto los muebles como el diseño de interiores se hacen completamente personalizados a la medida de cada cliente, manteniendo los más altos estándares internacionales en cuanto a la producción de sus piezas; la madera que se utiliza tiene el Green Stamp, es decir, que se genera de forma sustentable, así como la pluma de ganso que viene de granjas certificadas por la Unión Europea.

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Escultura

Arte figurativo de Alberto Giacometti

De vez en cuando, hay que darse un tiempo para examinar y apreciar el trabajo de los grandes maestros como Alberto Giacometti uno de los artistas de lo figurativo más reconocidos, además de un gran paso por el surrealismo en los años 30s.

En 1925 es cuando empieza a construir esculturas imaginarias que evocan las formas humanas, “esculturas planas” y “esculturas abiertas “. En 1926, bajo la influencia de Laurens, de Zadkine y de Lipchitz, Alberto Giacometti se somete a la disciplina cubista. Su primera exposición personal está organizada en 1930, en un momento cuando ya se unió al grupo surrealista. Sus encuentros con Miró, Masson, Leiris, le habían impulsado a entrar en el mundo de los surrealistas pero rompe las relaciones con ellos en 1934. Dibuja, graba, ilustra (Crevel). Sus obras surrealistas evocan la violencia, el sexo y la muerte.

En 1934, en un período de soledad, destruye varias obras y decide volver a un trabajo que sea “un duplicado de la realidad“ ; el artista quiere dar constancia del mundo exterior, del rostro y del conjunto del ser humano (numerosos bustos de su hermano). Las obras pintadas son depuradas, sin artificio, y poco coloreadas. Entra en una fase en la cual sus esculturas son cada vez más pequeñas.

El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más singular y característico, el que desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Aparecen entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden estar representadas solas o en grupo.

Son estas obras las que han hecho de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en pintura, donde sus obras se caracterizan por figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho Jean-Paul Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella. La familia y los amigos del artista fueron sus modelos preferidos, en particular su hermano Diego, al que reprodujo en numerosas esculturas, pinturas y dibujos.

Todas las imágenes son © Alberto Giacometti

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Escultura

«Relatos de bronce» por Carol Miller

La obra de Carol Miller nos lleva a un territorio primitivo, al inspirar su serie Relatos en bronce en la figura humana que se tenía en el pasado, en específico las antiguas pinturas rupestres encontradas en las cuevas.

El trabajo de Miller,  que se exhibe en Centro Cultural Isidro Fabela-Museo Casa del Risco, no sólo se queda en lo humano, sino que desarrolló piezas que hacen referencia a los animales de esas primeras manifestaciones primitivas, mismas que adquieren un nuevo significado al adquirir una tridimensionalidad.

Carol Miller, quien nació en Los Ángeles, California en 1933, busca que esta exposición se convierta en un diálogo de diferentes texturas, que inicia con  el modelado en barro, con trapos inmersos en yeso y diversas técnicas que a veces tienen mayor o menor soltura.

Su obra figurativa destaca con piezas como Dushka y Balan, de 1969; Hina, mujer de la Polinesia, de 1982; Zarabanda, de 1988; Anubis, de 1992 y Leto, de 1995

La exposición Relatos en Bronce de Carol Miller, se presenta hasta el 7 de octubre en el Centro Cultural Isidro Fabela-Museo Casa del Risco. Plaza San Jacinto 15, San Ángel.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Escultura Instalación

Naturaleza vista en el «Herbarium» de María José de la Macorra

El trabajo de María José de la Macorra busca que el espectador conecte con la naturaleza, al hacer esto es volver a la infancia cuando jugábamos con las plantas, además de que se convierte en un homenaje a las especies de plantas que han desaparecido o mutado a través del tiempo.

La exposición, titulada Herbarium, que se presenta en Galería Ethra reúne las obras que la artista ha producido durante 20 años de trabajo. La muestra se define como un memorial en el que se muestra su interés por lo vegetal, las formas orgánicas y los procesos de transformación de la naturaleza para adaptarse a nuevos contextos.

En la galería se reúnen tres diferentes proyectos que la creativa desarrolló en estas dos décadas y que denomina Perlas; la primera perla Cuenca de México, la segunda Los Bosques y Orquídeas desaparecidas.

Al recorrer el espacio se evidencia un ir y venir de exploración, apropiación y aprendizaje, María José ha transitado por la pintura, el bordado y el dibujo pero nunca ha dejado de ser escultora y lo evidencia en esta exposición en donde deja claro que los bordados, los dibujos y demás piezas son el hilo conductor que le ha permitido experimentar, buscar, proponer y descubrir diversas técnicas escultóricas.

Todas las imágenes son © Galería Ethra

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Escultura

Surreales escuturas de Gustavo Beckelmann

Las obras de Gustavo Beckelmann destacan por una vena surrealista que se asoma, que es apreciada en la galería Verónica Torres, a un año de la muerte del artista.

Beckelmann dejó un legado escultórico importante, de impronta propia, lograda tras años de experimentación, que deja al libre albedrío del espectador la interpretación de este mensaje. Con un gran silencio perturbador despliegan lo ominoso de un mundo limitando con las fronteras de lo sub-real.

«Hacer escultura es ocupar espacio, y ocuparlo con una pretensión estética determinada. Y al ocupar espacio, la escultura molesta, se pone en el camino, requiere consideraciones especiales. Llevar una a casa es más que poner un clavo en la pared. Y aún más molesta que la escultura, es hacerla. Polvo, fuego, herramientas ruidosas, hornos, por norma son demasiados para un hogar normal. Como decía Alexander Calder: ”si no tenés taller, todavía podés dibujar”. El taller, ese espacio tan especial para el escultor, indispensable para los que perpetramos escultura», opinaba Beckelmann respecto a su obra..

Beckelmann nació en Asunción en 1963. Estudió arquitectura y trabajó mucho tiempo en la construcción, lo cual le permitió volcarse a la escultura. Fue autodidacta, pero tomó un pequeño curso con Herman Guggiari. Desde 1985 hace participaciones en exposiciones colectivas, como en Artesanos, Areté, Feriarte, De Hazelaar, entre otros.

Todas las imágenes son © Portal Guarani

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Escultura

Dualidad explorada en el arte de German Arzate Garza

La relación entre el hombre y la naturaleza tiene un toque místico en la obra de German Arzate Garza, quien en cada obra resalta la dualidad de la existencia encarnada por fuerzas opuestas como la masculinidad y la feminidad, la felicidad y la tristeza, el placer y el dolor, la vida y la muerte.

Inspirándose en las culturas mesoamericanas de México, así como en el estilo de los surrealistas, Arzate ha creado un cuerpo de trabajo que tiene una fuerte corriente mística y chamánica. Él separa sus esculturas en tres categorías principales: mística, romántica y natural, clasificando su estilo como «realismo fantástico».

Un dentista de profesión, Arzate es hábil para trabajar con muchos materiales diferentes, como arcilla, plastilina, madera, mármol, metales, acrílico y bronce. «Para un artista, la celebración no es algo que se realiza al minuto de terminar una obra, sino desde la idea, desde el primer pensamiento de cómo hacer una estructura, cómo hacer la plastilina, cómo darle acabado y texturas a la escultura contemporánea. Cuando logras que una escultura contemporánea haga eso, estás en un nivel avanzado donde puedes entenderte con tus obras», comparte en su blog Romtesh.

Todas las imágenes son © German Arzate Garza

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Escultura

Arte neocinético de Gisseline Amiuny

La escultora Gisseline Amiuny De Ottati muestra porqué el arte debe de permanecer cercana a la ciencia y tecnología, ya que sus obras conducen a una aventura visual e interactiva, donde la luz y el movimiento generan otras formas de percibir la realidad.

El trabajo de Amiuny pertenece a la corriente de neo-cinética, que algunos consideran la última de las vanguardias, ha dado origen a una nueva generación de jóvenes artistas que han asumido la construcción de su propio escenario en el arte construido.

En el arte cinético y moderno, quedan atrás el óleo sobre la tela. En esta corriente se introdujo en el arte nociones inéditas como el tiempo y el espacio, produciendo un cambio significativo en el lenguaje visual tradicional, ya que el espectador, de ente contemplativo pasó a ser parte integrante de la obra al involucrarse y participar en ella. De igual manera, la superficie plana se transformó en una ambientación espacial tridimensional.

La propuesta de Gisseline Amiuny, nos conduce a una aventura visual e interactiva, donde la luz y el movimiento generan otras formas de percibir la realidad, al interactuar con una compleja arquitectura de tramas y formas especulares que crean volúmenes virtuales con efectos cinéticos.

«A través de las líneas, las curvas y las formas geométricas, me puedo expresar como artista. Me inspira experimentar con la luz, las sombras y los reflejos que producen las formas geométricas interactuando con los materiales, así como la creación de efectos sutiles que en su conjunto engañan a la vista y hacen pensar, al que observa, que hay superficies curvas, donde solo existen elementos planos, que hay elementos inclinados, donde solo hay piezas rectas o que simplemente existen sombras y reflejos que se incorporan a la obra y cambian dependiendo de la posición desde donde se observen. También utilizo el movimiento virtual y las vibraciones ópticas.

«El cerebro y el ojo siempre van juntos, pero creo que el corazón tiene una importancia significativa como tal. Mi orientación es hacia las piezas artísticas dinámicas, que al ser observadas de diferentes ángulos, se puedan descubrir varias obras incluidas en una misma ”, comparte la artista respecto a su obra.

Todas las imágenes son © Gisseline Amiuny De Ottati