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Entrevistas Literatura

Leonardo da Jandra reinvindica las figuras heróicas en El hombre soberbio

Muchas cosas en la sociedad parecen no estar bien del todo, no siempre es fácil ver cuáles son, pero ahí están los pensadores para hacerlo evidente, por eso es tan relevante el trabajo del filósofo Leonardo da Jandra.

Con la novela El hombre soberbio, Leonardo es capaz de mostrar las falencias que cometemos y en lo que vivimos. Un intelectual con gran pasión que busca mediante su filosofía ficción busca mostrarnos que vamos en la dirección equivocada.

En esta entrevista, da Jandra comparte que este libro, el cual es el principio de una trilogía, es una manera de hacernos centrar en los verdaderos héroes no en estos productos que han creado los medios y, en especial, Hollywood.

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DISEÑO

Japandi y Wabi Sabi tendencias mininimal para decorar con Telas de Pani

El mundo del diseño es impresionante y cada elemento que se coloca en una habitación tiene un significado, un poco de lo que nos deja a reflexionar Mariana Morales, arquitecta e interiorista, quien ofreció una charla de  conceptos básicos de decoración y selección de telas.

Todo esto ocurrió de una iniciativa de Telas de Pani, marca especializada en textiles y papel tapiz para alta decoración, en su nueva tienda de Artz Pedregal.

Algunos de los conceptos más llamativos que explicó Morales fueron el Wabi-Sabi y el Japandi, que hacen referencia a Japón todo muy minimal y que no todo es perfecto.

El estilo Japandi es la mixtura entre la decoración japonesa y escandinava. Es un estilo que se caracteriza por ser minimalista sin perder la calidez en los ambientes. El resultado son interiores limpios, sencillos y muy acogedores, donde la armonía Zen nos trasmite paz y tranquilidad y la calidez nórdica nos hace sentir cómodos y en casa.

En tanto, el estilo Wabi Sabi es una tendencia japonesa, que se refiere a que nada es perfecto, nada es permanente y nada está del todo completo, aquí se busca eliminar las cosas innecesarias, sólo lo esencial es relevante.

Estas tendencias por su sencillez buscan elementos rústicos y naturales, así que destacan elementos como la madera, piedras, adobe con un toque de desgaste. En cuanto a los colores podemos descubrir más los colores neutros, en contraste con el Japandi, que busca aspectos más terrosos y claros.

Mariana comentó que la tendencia es ir hacia espacios más limpios, en los que destaquen la naturaleza, se buscan espacios más amplios. Además de que los grises están de moda, también pueden dar mucha amplitud el espacio al hacerlo más acogedor.

Mariana con su expertise compartió algunos consejos clave para la decoración, que consisten en elegir bien los colores, pues estos determinarán el ambiente del espacio. Para lograr una combinación apropiada las personas se deben comprometer un poco, pues es necesario que conozcan el círculo cromático el cual contiene los colores primarios, secundarios y terciarios.

Una vez dominado eso, es posible realizar combinaciones ya establecidas por el circulo cromático: la monocromática; que consiste en seleccionar un solo color en diferentes tonalidades; la combinación análoga, selección de dos colores continuos en el círculo; y por ultimo, la selección de colores complementarios, opuesto en el circulo cromático.

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Entrevistas Música

Enivia Muré une su voz a la Reina Virge Isabel I

La soprano Enivia Muré une su voz, y parte de su vida, al espectáculo lírico teatral Reina Mujer, una exploración a la figura de Isabel I, la famosa Reina Virgen. El proyecto ofrece una visión íntima de la reina de Inglaterra.

A lo largo del 2019, Enivia tuvo diversas representaciones, así que cada nueva puesta en escena le permite abordar más del personaje, conocer perspectivas que sólo con el tiempo ha observado y apreciado.

La soprano comentó que la puesta en escena se centra en las últimos momentos de esta poderosa mujer. «Justamente acaba de salir de nombrar a su heredero James I», así que, basado en hechos reales, vemos esta interacción «interna» en la que la protagonista revive instantes de su vida con arias de óperas escritas para ella, «otras para la Tudor, su madre, su hermana de compositores como Donizetti, Puccinni Rossini», por mencionar algunos.

Si bien gran parte de la música seleccionada son para interpretar por la soprano, también se integran algunas arias para tenor. «Toda la música fue seleccionada (en torno) a los Tudor, algunos compositores se inspiraban en ella, desde una perspectiva más humana», compartió Enivia Muré.

La soprano considera que es Isabel I es un personaje llamativo, debido a que es una mujer que efectuó un cambio histórico, ya que hizo florecer a su pueblo en diversos aspectos. Pese a ser una mujer empoderada estuvo ligada a los hombres, pues si bien no se casó, tuvo asesores y la corte estaba formada por otros elementos masculinos, así que el equilibrio es un aspecto que le interesó descubrir.

«La vemos como una figura fuerte, solitaria, y tomaba fuerza de los hombres que lo rodeaban, así que encuentro el equilibrio. Buscar esa comulgación en la vida cotidiana, que estén unidos es lo interesante para mí».

Al contener tantas arias y estilos, la obra representa un reto, «tanto vocal, como actoralmente, porque se trata de Isabel I, pero cambia cuando se refiere a su hermana, a su madre». Además la soprano se enfrentó a interpretar un personaje más grande que ella, en cuanto a edad, ya que anteriormente siempre eran más jóvenes.

«Es interesante he tenido que involucrarme y observar y estudiar el comportamiento humano de una persona de poder, de élite, en los fines de su vida. Vocalemente (también) porque todo es un es un estilo de bel canto, son personajes distintos, me lleva por zonas de mi voz, que ofrece retos que se va desde el drama hasta muy agudas con muchas coloratura», explica.

Algunas de las arias que interpreta son la escena final de Ana Bolena, el recitativo; también está presente Mariaregina dInghilterra, de Giovanni Pacini; canta la escena final de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti; Gioachino Rossini; algo de Benjamin Britten con Gloriana; y John Dowland con Come again.

Toda la música lleva por la evolución del personaje de Isabel I, que poco a poco se asume en el cuerpo de Enivia Muré, que asegura que conforme más veces la interpreta se hace más sencillo. Cada nueva representación le ofrece un nuevo entendimiento, así conoce «más y más en profundidad de una mujer como ella, la situación del mundo en el que vivía, toda la cuestión del sexo femenino y el poder, cómo se da la política en esos momentos y en la actualidad. Todo esto me permite involucrarme con ella (Isabel I)».

Acerca del espectáculo comenta que se trata de una puesta en escena con una hora de duración, en el que se atavía con vestimentas de época creado por Antonio Bártolo, diseñador especialista en vestuario de ópera barroco.

En cuanto a la música se hace acompañar de un piano lo que da un ambiente íntimo entre el público y los actores, ya que está diseñado para foros pequeños, ya que en la narración se considera a Isabel I en su recámara.

«Se presenta como la reina y empieza a auto evaluarse, también en el amor, en el hecho de que decidió casarse no con un hombre, sino con Inglaterra, que sacrifició su amor por su pueblo. Empiezo con el aria Vivi ingrato, Roberto Devereux», relata la soprano.

Desde el romance y el ego femenino transporte al espectador a los momentos más crudos y auto críticos, pues la corona obliga a mancharse de sangre e Isabel I era algo que no quería hacer, pero el destino y lo bélico es más fuerte. «Son decisiones difíciles, rompes tus ideales, lo que creíste que nunca sucedería, pasa porque sino vas fuera del mundo».

Durante el espectáculo, la Reina se va transformando y pasa por diversos momentos clave de su vida, uno de los mas emblemáticos, para Enivia, es cuando  el fantasma de la madre «parece meterse en su piel y empieza a vivirla».

Otra presencia, que siempre ronda es la del amor, aunque hasta el final se hace presencia, esto de la mano del tenor que la acompaña en Reina Mujer y concluye con una reflexión, sin arrepentimientos de su vida.

Acerca de las presentaciones, comentó que es un espectáculo muy llamativo, debido a que es «raro que se presenten arias tan complejas» en una narrativa única y en tan poco tiempo. Así que esto ha llevado a Isabel I Reina Mujer a montarse en México y en Europa desde su estreno en el Festival Internacional 5 de Mayo, en Puebla.

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Instalación

«Vuelta» y la invitación al vacío de Yuki Ogura

En la instalación Vuelta, de Yuki Ogura, se arroja al espectador al vacío, esto al explorar el deseo de las personas, que se produce al reproducir, en parte, la experiencia que se tiene al formarse en una fila anticipando obtener algo al final, pero al terminar la fila se da cuenta de que no había lo que deseaba.

Al mirar este lugar, si es que se pone atención, puede que se le devuelvan aspectos propios del espectador, es capaz de obtener algo o nada, todo dependerá de él.

El trabajo de Ogura es una investigación de la relación entre el espacio, tiempo, y personas; la reacción del receptor de información es su enfoque principal. En sus proyectos la artista produce contextos para que surjan reacciones.

Por las discrepancias entre las percepciones de las personas, una comprensión completa entre seres humanos es casi imposible de comprobar. Cuando hay dos personas y un objeto enfrente de sus ojos, no pueden confirmar que los dos están percibiéndolo de misma manera, y este fenómeno ocurre no solamente en la vista, sino en el oído y la recepción del significado de las palabras, entre otros sensores receptivos. Ogura utiliza la presencia y la ausencia de los estímulos como instrumentos de comunicación, y busca un sentimiento que llegaran a tener todos en común.

Curada por Alejandro Romero, en USSR (Un Studio Sobre Revolución), se acaba de inaugurar una exposición que muestra el trabajo más relevante de Yuki Ogura, artista nacido en Ehime, Japón. Vuelta es el nombre de esta expo en la que, explican, no obtendrás una recompensa al final de recorrido.

Yuki Ogura nació en Ehime, Japón el 14 de diciembre, 1985. Terminó la Licenciatura en Bellas Artes con concentración en escultura en Universidad de North Texas, EUA en 2010. Ha participado en el taller, “Astronomía Inversa” impartido por Oscar Santillán en MUAC, México y otro taller, “Nancarrow Y Las Máquinas Musicales Desde El Renacimiento Hasta El Reproductor De Mp3” impartido por Trimpin en la Casa de Lago, México en 2017. Ganó ”Awards to Artists” de Dallas Museum of Art en 2009, y “Beth and John Clardy Memorial Award”, así como “Fort Worth Art Dealers Association Award” con su colaboracion yuul/paki (con Paul Young ) del J.M. Moudy Gallery en 2010 en EUA. Ha dado un taller y una ponencia en “el 2o Encuentro Contemporáneo de Artes Plástica” de Villahermosa, Tabasco en 2014. Ha expuesto en EUA y México.

Todas las imágenes son © Yuki Ogura

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libros Reseñas

El hombre soberbio resignifica la figura del héroe

La idea e imaginario de los héroes se ha humanizado demasiado, que parte de su mitología e impacto para inspirar a las personas se ve afectado, al menos es algo que nos deja ver Leonardo da Jandra en El Hombre Soberbio (2018, Malpaso Ediciones).

No es que Alejandro busque aleccionar, sino que ofrece una obra con un enfoque y estilo único, que se define como filosofía ficción. Para su concepción el autor toma diversos elementos de los grandes pensadores griegos, aquí diversos momentos y enseñanzas figuran en el distante futuro.

Ciertas figuras recuerdan a las apariciones divinas de los antiguos miembros del panteón griego, que daban movimiento a las historias al intervenir en la vida de los humanos. Este suceso da vida al semidiós protagonista, que es nombrado como «El hijo del Sol», Helioson.

La misión del Helison es inspirar, y mejorar, a la humanidad, su porte superior, que va desde lo estético hasta una fuerza sobrehumana e inteligencia deberían bastar, pero todos estos regalos sólo traen consigo una inmensa soberbia.

En la historia, da Jandra nos muestra la manera en que los mejores talentos pueden verse destruidos por ese mal que deja en las sombras hasta al más brillante. Aquí se muestran dos tipos de fuerza, por un lado tenemos la de nuestra protagonista, y, por otro tenemos al que viene del político, que viene de la gente y es puesto a disposición de los «altos mandos».

Durante diversos momentos de la novela vemos la forma en que estos poderes chocan, cada encuentro es iniciado por el ego. Una de las fuerzas se debe doblegar a la otra, la soberbia es la que inicia las peleas.

Ahí está la crítica a la política, pero el autor va más allá y también descubrimos como los medios se ven afectados por ese virus, algo que vemos en nuestra realidad. El futuro que plantea sólo es una extrapolación de los males con los que vivimos, de cómo la soberbia nubla la visión y andamos sin rumbo, sin querer escuchar a otros.    

La relación alumno-maestro, tomada de la antigua Grecia, es la que podría salvar al Hijo del Sol. Aquí entra la figura de Aristobul, un hombre que, por sus ideales, fue condenado al ostracismo, quien mediante sus poder en la palabra (aforismos) representa un peligro para la sociedad.

Aristobul alejado de la sociedad y en contacto con la naturaleza logra limpiarse de la soberbia, un camino instado por otros le da su liberación. Su vida y libertad son los motivos por los que es elegido para ser el maestro del próximo eslabón en la evolución humana.

La caída del maestro presenta referencias al pasado, para el disfrute de los más doctos en filosofía, además de que el proceso de Aristobul tiene diferentes pasos de comprensión que requieren más de una lectura.

La figura del maestro tiene relevancia, ya que son el principal vínculo filosófico y en cada momento se hace presente el beneficio que trae esta antigua manera de relacionarse, cómo se aprende de este sistema. El cómo la palabra íntima tiene efecto para apaciguar el alma de guerrero de Helioson.

Otra forma de relacionarse y que Leonardo destaca por encima de todo es la familia, ese círculo primordial que es el fin hermoso al que se debería aspirar. Un idóneo que puede verse afectado por los pecados del padre, el fantasma de la soberbia es capaz de lacerar a otros.

Al ser una obra ficcional basada en filosofía, el libro utiliza la palabra como medio más poderoso para impactar en las personas, en específico de los aforismos. El autor es versado en ese tipo de expresión, así nos demuestra que la expulsión de Aristobul se debe a esas palabras directas y filosas.

Un libro que muestra el poder en diversas presentaciones y cómo éste es proclive a la soberbia, y éste mal nos corrompe y lo seguirá haciendo en el futuro. Además de recordarnos la figura del héroe, que también debe luchar contra su propia vileza para inspirar.

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Gastronomía

Goula Awards reconocerá buenas prácticas de la industria alimenticia en México

La industria de alimentos y bebidas en México es una de las más importantes para el país, tanto por cuestiones de desarrollo económico, como por temas de salud y bienestar social. Teniendo eso en cuenta nace Goula Awards, reconocimientos que buscan fomentar y destacar a todas aquellas empresas que desarrollan e implementan buenas prácticas de negocio dentro de esta industria.

Según cifras preliminares del INEGI del primer trimestre del 2019, la industria alimentaria en México contribuye en un 23.4% al PIB nacional de las manufacturas, en tanto que la industria de bebidas representó el 4.6%. Convirtiéndose la industria alimentaria en la de mayor relevancia dentro de este sector.

El crecimiento de este sector también representa un gran impacto ambiental, al mismo tiempo que la alimentación es una necesidad básica para el ser humano.

Esta industria es una de las más fuertes y complejas al involucrar la producción agrícola, la ganadera, el transporte y el almacenamiento. Por este motivo, es necesario que los empresarios que integran este sector, inviertan mayores esfuerzos en el cuidado de sus procesos, así como en el desarrollo de buenas prácticas que no pongan en riesgo el bienestar de sus consumidores, ni del medio ambiente. Goula Awards busca crear mayor conciencia en cuanto a este tema al reconocer a aquellos que llevan a cabo buenas prácticas de negocio en México.

En Goula Awards podrán participar emprendedores, pequeños productores y grandes empresas de la industria de alimentos y bebidas, mexicanas o que operen en México, que se destaquen en distintas áreas de negocio dentro del sector.

Serán consideradas todas las categorías de tipos de alimentos tales como: frutas y verduras, conservas, carne y embutidos, lácteos, alimentos procesados, granos y semillas, bebidas en general, confitería y superfoods.

En su primera edición, Goula Awards contempla 5 categorías y 12 diferentes reconocimientos:

Negocio de alimentos y bebidas

  1. Mejor producto mexicano o producido en México con mayor impacto internacional.
  2. Mejor producto emprendedor del año.

Impacto ambiental

  1. Mejor producto o marca sostenible.
  2. Mejor empaque ecológico.

Impacto social

  1. Mejor producto en fomentar las tradiciones nacionales.
  2. Mejor producto en impulsar el desarrollo económico de una localidad

Nutrición

  1. Mejor producto superfood del año.
  2. Mejor producto no procesado basado en precio/calidad/nutrición.
  3. Mejor producto procesado basado en precio/calidad/nutrición.
  4. Mejor producto para la nutrición infantil

Transparencia e imagen

  1. Mejor comunicación de los valores nutrimentales de un producto.
  2. Mejor diseño de empaque

Goula Awards reafirma su valor con el panel de jurados que lo conforma, siendo 17 expertos de la industria alimentaria, así como especialistas en temas de medio ambiente y sostenibilidad, quienes se encargarán de revisar y evaluar la información compartida por los participantes, definiendo a los tres mejores de cada reconocimiento.

De igual forma Goula Awards es posible gracias a las instituciones y organismos que se han sumado a esta iniciativa: INAPESCA, Universidad La Salle, CANAINCA, Fundación E, Pronatura, México Calidad Suprema, Tradex, Gourmet Show, Eleven Rivers Growers, Revista Mejores Prácticas, ANES, Colegio de Gastronomía de la Universidad del Claustro de Sor Juana y el Consejo Mexicano Vitivinícola.

Goula Awards promueve y reconoce el cuidado al medio ambiente, la transparencia en los empaques, la cultura de emprendimiento, el cuidado a la nutrición, la innovación, la sustentabilidad y la sostenibilidad, la promoción de la cultura gastronómica nacional y el bienestar social.

El impacto de este reconocimiento en los productos ganadores validará los atributos en la categoría en la que haya participado al contar con el aval de un grupo de expertos. De igual forma generará mayor confianza entre el sector público y privado al posicionarse por encima de su competencia.

Participar en esta primera edición no tienen ningún costo y los registros serán mediante el sitio web www.awards.goula.lat donde se podrá ver la convocatoria y pasos a seguir para participar. El periodo de inscripción inicia el 27 de octubre de 2019 y termina el 24 de enero de 2020.

El evento de premiación se llevará a cabo el 27 de febrero de 2020, con la asistencia de representantes de la industria de alimentos y bebidas, así como representantes de los productos ganadores. Este será un vínculo entre productores, emprendedores y comerciantes, con el objetivo de crear alianzas y continuar generando y promoviendo las buenas prácticas dentro de la industria.

Goula Awards es creado por Goula, plataforma de consultoría estratégica especializada en alimentos y bebidas en Latinoamérica. Integrada por expertos en negocios y marketing de alimentos, con trayectoria en la construcción de cultura gastronómica desde hace 10 años.

«Es importante reconocer a las empresas de la industria de alimentos y bebidas en México que realizan buenas prácticas de negocio en su empresa, considerando el cuidado al medio ambiente y al consumidor, permitiendo así su sano crecimiento» comentó Eduardo Rojano, Director de Goula Awards

David Roldán, Director General de Goula México comentó: ”En la actualidad son cada vez más las empresas de alimentos y bebidas que surgen y se comercializan en nuestro país, ante esto considero de vital importancia reconocer y fomentar las buenas prácticas de negocio realizadas dentro del sector. Con este objetivo nace Goula Awards, impulsando las buenas acciones que realiza esta industria en cuidado con sus consumidores y el medio ambiente”.

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Cine Reseñas

The reporter revela los casos de tortura de EU

En la actualidad, parece que el miedo ya no está presente en la sociedad de Estados Unidos, el cual llegó y se asentó tras los ataques terroristas del 2001, un suceso que parece lejano, cuyas repercusiones aún se pueden sentir y que demostró que el enojo incentivado por el terror puede ser más peligroso.

Tener presente este contexto es necesario para entender lo que sucede en la película The Report (Scott Z. Burns, 2019), que relata la historia del investigador para el Senado de EU Daniel Jones (Adam Driver) quien debe desentrañar los casos de tortura en la guerra que tuvo el país para hallar a Bin Laden, responsable de los ataques del 11/S.

Para lograr dar con Bin Laden se muestra que la CIA, Agencia de Inteligencia, utilizó técnicas de tortura mejorada, debido al miedo que movía a los estadunidenses ésta fue aceptada, pero había ciertas cuestiones que debían conducirse con sumo cuidado y en momentos extraordinarios, así que Jones debe investigar si la tortura fue utilizada de forma debida.

Contada a manera de relato, al menos los primeros años de investigación, seguimos la carrera de Jones, quien por razones del destino es nombrado por la senadora Dianne Feinstein (Annette Bening) a conducir la investigación que se alargó por 10 años, quien poco a poco se adentra en los malos procesos de la CIA con la tortura.

El director logra mantener al espectador al borde del asiento, ya que muestra los traspiés que enfrenta Jones para que la verdad sea relevada al mundo, una tensión que compartimos con el personaje de Driver. Si bien la vida del personaje nunca corre peligro, sí vemos cómo la política y los intereses empantanan la investigación.

Puede ser algo difícil de seguir, pues la película da demasiados brincos en la historia, aunque siempre se sienten naturales, pero algunos espectadores podrían perderse. Aquí es donde la ficción entra en acción, con la recreación de charlas, encuentros e incluso la recreación de algunas torturas.

La película cumple con cierta denuncia, pues si bien a nadie se sentenció tras la investigación, sí nos hace ver la inmoralidad de ciertos personajes como Dr. Mitchell, quien fue el responsable de convencer a los encargados de la CIA de implementar la tortura basado en nada, sólo en su propios resultados.

Puede que estamos acostumbrados ya a ciertos temas, pero las escenas de tortura aunque impactantes no son tan estremecedoras, lo más impactantes es lo amoral de los personajes, que justificados en su miedo siguen adelante, sin cuestionarse todo lo que sucede. Salvo por algunas voces, los demás siguen adelante sólo por la noción de alguna orden, muy de los Nazis.

The report resalta el poder de las instituciones de Estados Unidos, así que hasta tiene tintes de una película patriótica. Y es que vemos que los personajes dan su fe en los organismos y procesos del país, pero ésta no cae en saco roto.

La película reta al espectador, pues siempre se debe seguir de cerca, hay que poner atención a las palabras, a los legalismos, en las que algunos buscan filtrarse para evadir la realidad. Aquí resalta el uso de «implicar», que muestra cómo ésta es la salida para no tener repercusiones legales, de igual manera se implica a los culpables en el trabajo Scott Z. Burns.

Un punto que se deja claro es que la tortura nunca llevó a nada, la información siempre se encontró de otra manera, pero el miedo u orgullo no permitió que nadie lo viera en su momento, algo que el personaje de Driver repite hasta el cansancio y, por momentos, parece que no es escuchado.

Se trata de un largometraje difícil de ver, debido a los temas complejos que plantea. La búsqueda de la verdad siempre debe ser lo más relevante en ese tipo de casos de guerra. No es una gran intriga, al menos de esas de acción, pero de manera discreta y real descubre el oscurantismo en el que se sumergió Estados Unidos.

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Ilustración

Héroes retratados de Luke Daab

Las ilustraciones de Luke Daab demuestran de donde viene gran inspiración de muchos creativos, la infancia. Aquí mediante caricaturas, cómics y esos personajes extraordinarios son un punto del que puede partir la imaginación.

Una gran variedad de personajes fácilmente reconocibles son homenajeados, otros son convertidos en esas clásicas amalgamas, que resultan interesantes por el estilo de Daab.

Todas las imágenes son © Luke Daab

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Cine Reseñas

El destino inevitable de la guerra entre máquinas y humanos

Sin duda, volver al pasado puede ser arriesgado, ya que todo lo que se fue creado está en riesgo de ser trastocado, volverse en algo nuevo, esto es lo que sucede en, y le ocurre a la saga, Terminator: Dark Fate, dirigida por Tim Miller, y que sería la tercera parte de la saga.

La película desde el principio busca alejarse de sus predecesoras, pues la mítica figura de John Connor es borrada de la historia, aunque el futuro que liberaría tampoco existe ya, esta posibilidad se deja desde Termiator 2 Judgment Day con la destrucción de Cyberdyne.

La segunda película y su final en la carretera se deja la idea de que el destino no está escrito, pero parece que el destino es inamovible, ya que si Skynet no inicia la guerra vendrá algo más para que se de la guerra entre la humanidad y las máquinas.

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Todo esto nos deja a a una Sara Connor (Linda Hamilton) que, pese a salvar a la humanidad, no fue capaz de salvar a su propio hijo, lo que la transforma en un personaje trágico, que no tiene un propósito claro. Y en este nuevo universo tenemos a una nueva abanderada Dani Ramos (Natalia Reyes).

Dani es la protagonista a cuidar, como es costumbre en Terminator. Ciertos elementos se repiten, así que no se logra alejar lo suficiente de la saga. En esta ocasión, será protegida por Grace (Mackenzie Davis), una humana aumentada, que es la muestra de cómo la visión de las personas hacia la tecnología ha cambiado.

La marcada presencia femenina ha causado un gran revuelo en los seguidores de la franquicia, aunque no debería existir, pues si bien John era visto como el gran salvador del futuro, en el presente es Sarah quien tomaba el liderazgo. Ahora sólo lo borraron de la ecuación por completo.

Un vestigio de ese futuro que no fue es el T-800, responsable de la muerte de John, conocido como Carl (Arnold Schwarzenegger). Sin más órdenes el autómata se queda sin un objetivo, aquí es él quien ofrece la reflexión que tienen las películas con el sello de James Cameron.

¿Sería posible que el robot adquiera consciencia? Sin un propósito y sin más órdenes que seguir, parece que la vida, incluso mecánica, sigue y encuentra un camino. Proteger a su familia es lo que se plantea como misión primordial Carl.

Resulta curioso como se invierten papeles, Sarah pierde su humanidad y el T-800 la gana, qué nos define como humanos, será el amor hacia el otro, tener un objetivo, una misión, aquí cada quien escogerá su propia respuesta. Cada quien, si es que la ve, tendrá su propia reflexión en este punto en particular. También se puede pasar de largo y centrar en la acción, que es buena.

El peculiar grupo se enfrentará al Rev-9 (Gabriel Luna), una máquina que hasta el momento es la más mortal de la saga, casi indestructible, que es una suma de las primeras dos películas, sí, pero parece algo orgánico. Algo natural, que muestra el desgaste de las películas, habría que dejarla descansar un poco más.

Algunos puntos a destacar son los recuerdos de Grace, la mirada que ofrece del futuro, aún más mortal y desesperante que el futuro anterior, se trata de recuerdos de algo que será. 

Un punto inexplicable es el trato y visión hacia la nueva protagonista, ya que Sarah desde la segunda película muestra estar con los alineados de la sociedad, que aquí se trata de migrantes, por eso no es de extrañar que de aquí venga el nuevo salvador. Se tienen que mover fuera de la ley y no se ve como una inclusión forzada, aunque muchos lo notaron así. 

Todos estos elementos ofrecen una buena película de acción, muy del pasado, aunque ciertos aspectos no logran fundirse del todo, aun así está por encima del promedio de lo que se ofrece en el género.

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ARTE

Buñuel en México, una visión introspectiva al heredero del surrealismo

Sin duda, Luis Buñuel retrató a México como pocos, su impacto en el país y su huella es reconocida, así que para reconocerlo es que llega la exposición Buñuel en México, que ofrece una visión introspectiva a las producciones mexicanas de este heredero del surrealismo.

La curaduría, realizada por especialistas de la Cineteca Nacional, se divide en 10 módulos y, siguiendo un rastro de textos escritos por el cineasta español, abarca su llegada a México, la producción de algunos de sus más reconocidos filmes y su vida personal.

Para su realización, se contó con el apoyo la Filmoteca Española, la Fundación Televisa y el archivo Héctor y María García, asimismo, con la colaboración de la familia Buñuel, a través del Luis Bunuel Film Institute en Los Angeles, así como de varios amigos del fallecido cineasta, quienes prestaron interesantes objetos y fotografías para su exhibición. Entre las piezas que conforman este recorrido se encuentran carteles originales de sus películas, fotografías inéditas del acervo Juan Luis Buñuel, la Palma de Oro que Buñuel recibió por Viridiana (1961), el crucifijo-navaja de la misma película, fragmentos de cintas restauradas, reproducciones de vestuarios de El Jaibo, Viridiana y Robinson Crusoe, guiones con anotaciones del propio director y correspondencia poco conocida.

Buñuel en México estará dedicada a la memoria de su recién fallecido hijo Juan Luis Buñuel, quien dedicó gran parte de su vida a difundir el trabajo de su padre.

Todas las imágenes son © Cineteca Nacional