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Exposición Fotografía

Eduardo Williams utiliza la fotografía para combatir la discriminación en torno al VIH

Cada día hay alrededor de 41 nuevos casos de personas con VIH en México. Sin duda, el mayor reto al que se enfrentarán no será la falta de atención o medicamentos, sino el de la discriminación.

Por lo que nace esta exposición, creada para llegar a un público masivo, compuesta por retratos de personas que viven y conviven con el diagnóstico. La representación de sus rostros, visibles u ocultos, justificada a través de sus testimonios, provocará un ejercicio de reflexión en torno a la discriminación.

La inauguración se llevará a cabo el día 5 de diciembre en El Consejo para Prevenir y Eliminar la Discriminación de la Ciudad de México (COPRED), ubicado en la calle de General Prim #10, Col. Juárez, Cuauhtémoc.

La exposición permanecerá en esta locación solo por ese día por lo que, al día siguiente, el 6 de diciembre, será trasladada a Galería Ente Arte (Juan Escutia #32, Colonia Condesa) para permanecer ahí hasta finales de enero del 2020.

El objetivo de esta exposición es llegar a la mayor cantidad de público posible y hacer conciencia de los graves problemas de discriminación que existen en torno a este diagnóstico; por lo tanto, durante el 2020, será exhibida de manera itinerante y estará acompañada de una serie de pláticas en torno al tema. La primera de estas pláticas se llevará a cabo en El Sótano, col Roma el día 19 de diciembre del 2019.

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ARTE

Buñuel en México, una visión introspectiva al heredero del surrealismo

Sin duda, Luis Buñuel retrató a México como pocos, su impacto en el país y su huella es reconocida, así que para reconocerlo es que llega la exposición Buñuel en México, que ofrece una visión introspectiva a las producciones mexicanas de este heredero del surrealismo.

La curaduría, realizada por especialistas de la Cineteca Nacional, se divide en 10 módulos y, siguiendo un rastro de textos escritos por el cineasta español, abarca su llegada a México, la producción de algunos de sus más reconocidos filmes y su vida personal.

Para su realización, se contó con el apoyo la Filmoteca Española, la Fundación Televisa y el archivo Héctor y María García, asimismo, con la colaboración de la familia Buñuel, a través del Luis Bunuel Film Institute en Los Angeles, así como de varios amigos del fallecido cineasta, quienes prestaron interesantes objetos y fotografías para su exhibición. Entre las piezas que conforman este recorrido se encuentran carteles originales de sus películas, fotografías inéditas del acervo Juan Luis Buñuel, la Palma de Oro que Buñuel recibió por Viridiana (1961), el crucifijo-navaja de la misma película, fragmentos de cintas restauradas, reproducciones de vestuarios de El Jaibo, Viridiana y Robinson Crusoe, guiones con anotaciones del propio director y correspondencia poco conocida.

Buñuel en México estará dedicada a la memoria de su recién fallecido hijo Juan Luis Buñuel, quien dedicó gran parte de su vida a difundir el trabajo de su padre.

Todas las imágenes son © Cineteca Nacional

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Pintura

Munal celebra 100 años del arribo de Carlos Mérida a México

México tiene una forma única de impactar a los artistas, así es lo que nos muestra el trabajo de Carlos Mérida a su paso por México, hace aproximadamente 100 años, y que se puede observar en el Museo Nacional de Arte.

La obra de Mérida se reúne en la muestra Carlos Mérida. Retrato escrito (1891-1984), una exposición con una narrativa guiada por la voz del propio Mérida extraída de su autobiografía, proceso creativo y afinidades artísticas que construyó hasta su muerte, en 1984.

El punto más destacable de Mérida fue que se incorporó al movimiento muralista mexicano, patrocinado por el Estado, a principios de la década de 1920. Para 1947 regresó a París e inició su ciclo de pintura “abstracto-surrealista”, motivado por su amor a los temas indígenas. Dos años después volvería a México dividiendo su obra en dos categorías: el trabajo “propio” y los encargos comerciales, destacando en el primero su interés por lo prehispánico.

Al respecto de su paso por México, en el sitio Discurso Visual, se recoge esta interesante cita de Mérida:

El viejo concepto del muralismo mexicano –escribió Carlos Mérida– (Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Roberto Montenegro) ha dejado ya de ser, aunque fecundo en muchos sentidos. Han quedado para la posteridad, la Capilla de Chapingo, de Rivera, el Hospicio de Guadalajara, de Orozco, y la obra inicial de Siqueiros, los fragmentos de su paso por la Escuela Preparatoria. Y ahí está sellada toda una esplendorosa época que es cosa del pasado. Se comprenderá lo limitado de este viejo concepto del muralismo mexicano […] cuando se piensa que fue gestado en un momento de crisis creativa y social; y acelerado por impaciencias más románticas que analíticas, se tiene que aceptar. De ahí parte el divorcio existente entre la labor pictórica llevada a cabo y los edificios públicos en que se ejecutó.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Pintura

Erotismo prehispánico de Rurru Mipanochia

El cuerpo, en ocasiones, puede parecernos algo ajeno, un ente distante de nuestra mente, pero el arte está ahí para reconectarnos y abrazar(nos), esto es l poder que tiene la obra de Rurru Mipanochia. 

Sus piezas rebosan de sexo, fluidos, pelos , erecciones, labios turgentes, eyaculaciones, aunque todo desde una visión que toma elementos del territorio del imaginario prehispánico.

Otro punto que destaca de su obra es el tratamiento a temas Queer, no de manera textual sino gráfica y plástica, es Rurru quien da un aporte a la estética de la cultura Queer local al mismo tiempo que es aceptada en lo internacional ya que ha expuesto en Berlín, San Francisco y otros lugares más.

Todas las imágenes son © Teran Garcia Mauro y ArtSpace México

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Exposición

Unión entre México y China se muestra en el MMDR

La cultura mexicana es una de las que más se entrelaza con otras tierras, ya que tiene una peculiar forma de integrar a otras poblaciones de manera única, así que para celebrar la hermandad con China se presenta la muestra Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX en el Museo Mural Diego Rivera (MMDR).

Integrada por más de 50 piezas entre obra gráfica, pintura, dibujo, mural, documentos y material audiovisual, procedentes de colecciones de China, Canadá, Estados Unidos y México, se trata de una iniciativa del University of Southern of California (USC) Pacific Asia Museum, de Pasadena, California.

La exhibición curada por Shengtian Zheng y Christina Yu Yu para el USC Pacific Asia Museum muestra el origen de la influencia del arte mexicano en la cultura artística china, el cual tuvo lugar desde 1930 hasta 1960 con la visita de muralistas, pintores y caricaturistas mexicanos al país asiático.

El objetivo de la exposición, de las publicaciones que la acompañan y de sus programas ofrecidos al público, es presentar al espectador la influencia del quehacer cultural de este país entre los creadores asiáticos, desde 1930 hasta 1960, a partir de la visita de pintores, muralistas y caricaturistas de México a esa nación hermana.

De acuerdo con Zheng, la instalación se compone de tres núcleos: Círculo de Miguel Covarrubias en Shanghái, Contacto intensivo: arte y artistas de México, y Una influencia perdurable: el movimiento muralista en China. También se presentan dibujos y bocetos, publicaciones y documentos, así como videos.

Todas las imágenes son © Conaculta

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Exposición Fotografía

Zonamaco mostrará lo mejor de la fotografía contemporánea

Con el respaldo de ZONAMACO, feria de arte líder en Latinoamérica, ZONAMACO SALÓN y ZONAMACO FOTO conforman el mayor punto de reunión de los más importantes expositores internacionales de fotografía, antigüedades y arte popular.

Desde hace cuatro años, ZsONAMACO FOTO reúne a los mejores exponentes y galeristas de la fotografía internacional, una ventana al panorama de esta disciplina artística. Antes de que visites la feria, te invitamos a conocer a doce de los fotógrafos que demuestran por qué la fotografía es un lenguaje diverso, complejo y libre.

Para su ediciónn, la feria presenta fotografía antigua, moderna y contemporánea. Algunos de los participantes son:

ALMANAQUE | Ciudad de México • artbaena | Ciudad de México • ARTE GLOBALE | Londres • CAMINO SILVESTRE | San Miguel de Allende • Rafaella de Chirico Arte Contemporanea | Turín • Patricia Conde Galería | Ciudad de México • DC Gallery | Bogotá • GE GALERÍA | Monterrey / Ciudad de México • Galería Enrique Guerrero | Ciudad de México • LICENCIADO | Ciudad de México • MAIA CONTEMPORARY | Ciudad de México • PDX CONTEMPORARY ART | Portland • GALERÍA RGR+ART | Ciudad de México • El Rojo de Tacubaya | Ciudad de México • Smith Davidson Gallery | Miami / Amsterdam • TERRENO BALDIO ARTE | Ciudad de México • TIRO AL BLANCO | Guadalajara • Troconi Letayf | Ciudad de México

ZⓈONAMACO SOLO

Con la curaduría de Johann Mergenthaler, ZⓈONAMACO SOLO aborda la imagen como un tipo de conciencia, con base en el libro L’Imagination de Jean-Paul Sartre.

Darío Villalba, LUIS ADELANTADO | Ciudad de México • Anónimo, Anónimo | Ciudad de México • Fernando Bayona, Galería Casa Cuadrada | Bogotá / Zurich • David La_Chapelle, Patricia Conde Galería / Galería Hilario Galguera | Ciudad de México • Mauricio Alejo, CURRO | Guadalajara • Leandro Katz, Henrique Faria | Nueva York • Manuel Álvarez Bravo, Asociación Manuel Álvarez Bravo | Ciudad de México • Cristóbal Gracia, Galería Hilario Galguera | Ciudad de México • Armando Salas Portugal, Huun | Ciudad de México • Tomás Casademunt, LE LABORATOIRE | Ciudad de México • Christy Lee Rogers, LTB Art | Ciudad de México • Adolfo Patiño, Gustavo Prado | Ciudad de México • Graciela Sacco, Rolf Art | Buenos Aires • Leandro Feal, SERVANDO | La Habana • Jorge Miño, Ungallery | Buenos Aires • Ignacio Rodríguez Bach, Mariana Valdez | Houston • Jaques Bedel, Walden | Buenos Aires • Maurício Ianês, Y Gallery | Nueva York • Georges Rousse, Younique | Lima / París

FOTOLIBROS

En su primera edición, la sección incluye expositores líderes en el campo.

Aperture Foundation | Nueva York • Casa Bosques | Ciudad de México • Exit | Barcelona • La Hydra | Ciudad de México • RM | Barcelona / Ciudad de México • Trilce | Ciudad de México

ZⓈONAMACO SALÓN

En su quinta edición, la feria continúa siendo el principal punto de reunión para anticuarios y expande su oferta al incluir por primera vez objetos producidos después de 1960 que en su contenido, producción, investigación o diseño mantienen una conexión con las antigüedades.

Por segundo año, ZⓈONAMACO SALÓN cuenta con un espacio de exhibición ambientado con objetos de los expositores de la feria, bajo la curaduría de Javier Carral de Trouvé y Maggie Galton y María Eladia Hagerman de Onora.

ayres mx | Ciudad de México • Cactus Fine Art | Ciudad de México • Diptych Fine Arts | Ciudad de México • HQ Antigüedades y Coleccionables | Torreón • IVO Design | Ciudad de México • JMA Libros | Ciudad de México • Daniel Liebsohn | Ciudad de México • Leticia Llera | Ciudad de México • Merkki | Guadalajara • Modernia Capital of Design | Monterrey • Muzeion | Monterrey • La Oficina del Libro | Ciudad de México​ • Parada 54 | Ciudad de México • Pietra Gallery | Ciudad de México • Serge Plantureux | París • Punto Mineral | Ciudad de México • Rodrigo Rivero Lake | Ciudad de México • Safra Antigüedades | Barcelona / Miami • Silver Craft | Cochabamba • Talavera Santa Catarina | Puebla • Mario Uvence | San Cristóbal de Las Casas • Venas Rotas | Ciudad de México • Void | Ciudad de México • Windsor | Ciudad de México

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Exposición Pintura

«México: Pintura Reactiva», exposición que muestra un panorama pictórico contemporáneo

cUn ejercicio aventurado se realiza en el Museo Arte Carrillo Gil (MACG), ya que se intenta crear un panorama pictórico de la actualidad que proponen en la exposición México: Pintura Reactiva.

La exhibición, integrada por 70 piezas, retoma el título del ensayo homónimo escrito por el guatemalteco crítico de arte Luis Cardoza y Aragón (1901-1992), el cual celebra la vitalidad de la pintura mexicana, en particular de los pintores que integrantes del movimiento de La Ruptura. En el texto entrelaza sus reflexiones en torno a la creación artística, la tradición, la abstracción y la figuración, el arte y la sociedad, lo universal versus lo local o el tiempo con sus observaciones sobre algunos artistas modernos mexicanos, sobre todo José Clemente Orozco.

México: Pintura reactiva propone un nuevo escenario de la pintura en México. Los artistas reunidos en esta exposición realizan ejercicios reflexivos desde la pintura –y sobre todo desde lo pictórico- ajenos a las determinaciones unilaterales de esta técnica, la historia del arte, las tradiciones o contextos culturales y geográficos específicos. Sus motivaciones están compuestas por múltiples capas de intereses intelectuales, que responden a un universo muy abierto de discursos, temporalidades, nuevos imaginarios y prácticas artísticas.

Imagen © Conaculta

En un video introductorio a la muestra, se menciona que en México actualmente existe un nuevo escenario de la pintura, disciplina que ha sido trasladada a otros formatos, como el video, la escultura y la instalación, por lo que un cuadro puede ser un dispositivo concreto pero también virtual donde puede suceder todo tipo de cosas.

Entre los artistas que exponen en la muestra se hallan: Marco Arce, Plinio Ávila, Cecilia Barreto, Andrew Birk, Christian Camacho, Ramiro Chaves, Chelsea Culprit, Gabriel de la Mora, Aníbal Delgado, Tomás Diaz Cedeño, Héctor Falcón, Ulises García Ponce de León, Agustín González, Luis Hampshire, Alfredo Herrera, Endy Hupperich, Néstor Jiménez, Yishai Jusidman, Berta Kolteniuk y Francisco Larios Osuna.

Asimismo se pueden apreciar trabajos de Morelos León Celis, Lalo Lugo, Elsa-Louise Manceaux, Alexis Mata, Paul Muguet, Ricardo Pinto, Omar Rodríguez-Graham, Melanie Smith, Rafael Uriegas, Cecilia Vázquez, Teresa Velázquez, Álvaro Verduzco, y Allan Villavicencio.

La muestra esboza cómo la pintura discurre de manera independiente a la lógica de la historia de la visualidades y a la vez exhibe las paradojas que comportan sus anacronismos, la vigencia de las reflexiones críticas en torno a lo que supone lo pictórico y la trascendencia de sus imágenes en las nuevas negociaciones que ha establecido con otras técnicas y otros soportes en nuestros días.

Imagen © Ciler

Imagen ©  Elsa-Louise Manceaux

magen © Morelos León Celis

Imagen © Ramiro Chaves

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Pintura

Imaginaria, un viaje a la memoria de Trasher

El artista mexicano Trasher, cuyo nombre real es Eduardo Bastida, presentó su exposición Imaginaria, serie de pinturas, dibujos y serigrafías que son un viaje al pasado, a la memoria y un tributo a su madre, quien influyó en estos personajes gracias a su carácter y fuerza, dando como resultado mujeres guerreras que parecen salidas de un cuento.

La serie, que se muestra en las nuevas instalaciones de Panteón en la colonia del Valle, está inspiradas en sus recuerdos sobre la fuerza y el carácter de su madre plasmándolo como bellas imágenes en las que las mujeres guerreras son el principal foco de atención.

Lo vibrante en los colores que Trasher decidió utilizar en estas pinturas es algo nuevo, refrescante y nos deja ver lo que puede hacer con una paleta de colores más amplia, hace que resalten más sus personajes, especialmente en Imaginaria las mujeres y sus elementos las flores, una constante en su arte y estilo, más el agregado y detalle final que completa cada pieza que son los pequeños puntos que hacen alusión a la ilustración digital.

La obra que Trasher presenta, implementa el cartel Art Nouveau y la ilustración digital sobre un rostro femenino contemporáneo utilizando joyería como ornamento y viene después de 6 años de realizar labores en campo desarrollando distintos murales sobre espacios públicos, cosa que ha redefinido y renovado su gráfica.

Todas las imágenes son © Rat Kids CruYizzus Varela y Trasher

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Eventos Pintura

La mirada infinita de María del Carmen Mondragón en el Munal

A cuarenta años de la muerte de una de las artistas más apasionadas y versátiles de la escena cultural en México durante los años veinte: María del Carmen Mondragón Valseca (1893-1978), mejor conocida como Nahui Olin, la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes, por medio del Museo Nacional de Arte (Munal), presentan la exposición Nahui Olin. La mirada infinita, muestra que permanecerá en las salas de la planta baja del recinto del 15 de junio al 9 de septiembre de 2018.

Con el concepto original de Tomás Zurián y la adaptación curatorial de Mariano Meza, esta exhibición retorna a la creadora a su posición dentro de la historiografía mexicana. Son más de 250 obras nacionales entre pinturas, impresos, dibujos, caricaturas y fotografías, tanto de Nahui Olin, como de algunos otros artistas allegados a ella, tales como Gerardo Murillo Dr. Atl, Jean Charlot, Alfredo Ramos Martínez, Antonio Garduño, Edward Weston, entre otros.

En palabras de Sara Baz, directora del Munal, “la de Carmen Mondragón, es una historia que se ha contado pocas veces; generalmente desde la perspectiva masculina, siendo su papel el de una subsidiaria. En esta ocasión, el Munal propone una exposición que trascienda aquella percepción, donde Nahui Olin crezca ante nuestros ojos y nos confronte directamente con los suyos a través de varias de sus facetas artísticas”.

Al respecto, Tomás Zurián afirmó que “acercarse a Nahui Olin es comenzar a descubrir un universo inédito, inesperado, extraño, complejo, fascinante, y en la medida en que lo vamos entendiendo, infinitamente bello. Redescubrirla implica penetrar en un amplio espectro crítico que nos permite admirarla, ponderarla, venerarla y cuestionarla, todo cabe en el ilimitado universo de esta singular mujer que arribó a este mundo para agitar sus valores éticos y estéticos”.

Dividida en cuatro núcleos temáticos, esta exposición —primera que dedica el Munal a la figura y obra de la artista— explora los ejes centrales que rigieron la obra de Nahui, sus soluciones plásticas y literarias.

Carmen Mondragón y la síntesis plástica, primer apartado de la muestra, narra la incursión de Nahui a las artes plásticas, así como la inquietud intelectual compartida con Manuel Rodríguez Lozano, quien fue su esposo durante los años de la Primera Guerra Mundial. A lo largo de esta sección se puede observar el primitivismo, el arte intuitivo y la caricatura como formas de expresión acogidas por la artista; la simplificación de sus elementos plásticos y la manifestación de las emociones a través de sus trazos, características principales que definirían su arte. Entre las obras de Carmen Mondragón que sobresalen de este núcleo se encuentran Hombre con sombrero negro, ca. 1919 y Hombre de perfil vestido de negroca.1916.

En Nahui Olin: La ciencia como utopía moderna, segunda sección de la exposición, se revela el paso de Carmen por la Academia de San Carlos, su interés por las ciencias, las vanguardias y las nuevas teorías que se generaron a principios del siglo XX y que quedaron de manifiesto en sus escritos, poemas y parte de su obra plástica. Asimismo, este apartado devela su relación con Gerardo Murillo Dr. Atl, quien además de nombrarla como Nahui Olin (del náhuatl: “el cuarto movimiento del sol”), la estimularía para desarrollar sus transformaciones artísticas y el uso de terminología científica para especular en torno al cosmos. Paisaje nocturnoca. 1923, y Nahui Olinca. 1922, ambas de Gerardo Murillo Dr. Atl destacan dentro de la selección.

La utilización del cuerpo y la desnudez como vehículos de creación y manifestación artística se plasman en El cuerpo como expresión inmanente, penúltimo núcleo de la muestra. En ella se realzan las colaboraciones que hizo con otros pintores, dibujantes o fotógrafos que se sirvieron de su belleza y creatividad para conformar las poses que dieron vida a innumerables piezas de arte. Entre las obras que sobresalen de esta sección están Desnudo de Nahui Olinca. 1927, de Antonio Garduño y Nahui Olin acostadaca. 1925, de Edward Weston.

Finalmente, La materialización del recuerdo, último apartado de la exposición, vislumbra la intención de hacer ver la realidad —aunque con toques humorísticos— por medio de obras plásticas inspiradas en el arte popular; en ellas se aprecia la estilización del color y de la materia, se observan escenas de la vida cotidiana como las corridas de toros, las pulquerías, el circo o el zoológico; todas ellas creadas a partir de la inmediatez biográfica de la artista. Ejemplo de lo anterior son Autorretratoca. 1927; Bautizoca. 1935, y El abrazo (Nahui Olin y  Matías Santoyo)ca. 1927, todas de Nahui Olin.

Cabe mencionar que las obras que conforman esta exposición provienen del acervo del Munal, así como de instituciones museísticas y colecciones privadas, entre ellas la del Museo de Arte Moderno, el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, el Museo Casa Diego Rivera de Guanajuato, el Museo del Estanquillo, el Banco Nacional de México; las colecciones Tomás Zurián, Andrés Blaisten, Pérez Simón, entre otras.

Nahui Olin. La mirada infinita está acompañada de una publicación en español, memoria gráfica de las piezas que conforman la muestra, enriquecida con textos de los especialistas Tomás Zurián, Mariano Meza, Rebeca Barquera, Mariana Rubio y Terri Geis. Además, el catálogo de 296 páginas cuenta con una cronología de Nahui Olin realizada por Carla Zurián. El tiraje de esta publicación es de 2500 ejemplares y puede adquirirse en la tienda del Munal, ubicada en la planta baja del recinto.

Todas las imágenes son © Instituto Nacional de Bellas Artes

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Arte Contemporáneo

Reflexionan el concepto de «opacidad» en el MUCA

Ahora en común. Más opacidad es una exposición colectiva de arte contemporáneo emergente de la generación 2016-2018 de SOMA (integrada por Sofía Abraham, Victoire Barbot, Joan Bennassar, Paloma Contreras, Andrea Nones y Berenice Olmedo).

El grupo en el ejercicio de la pluralidad y el debate han propuesto a la “opacidad” como noción de la relación del arte con la memoria, lo político, lo social y la resistencia. Conformada por ocho piezas de sitio específico, la exposición es el resultado de una serie de procesos de trabajo y acompañamiento que involucra a investigadores, curadores, tutores, artistas, gestores y diversas comunidades que en la práctica de la interlocución se cruza para pensar el arte desde el ejercicio de la colaboración y sus dinámicas de sociabilización en su ahora, concentrado un esfuerzo para proponer prácticas de resistencia y autorreflexión que escapen a la codificación imperante de los lenguajes artísticos.

El proyecto se inserta en el “Programa Conmemorativo M68” con la idea de asaltar, interrumpir, romper […] simbólicamente mediante la representación, con el dominio de un continuum temporal que convoca al hecho histórico, tratando de articular y entender un presente que a la distancia temporal de 50 años obliga a preguntarnos cuales son las formas en las que se produce, consume y debate el arte en la actualidad.

Asimismo el proyecto propone un programa público que integra performances, charlas y juegos que irán sucediendo a lo largo del periodo de exhibición.

Ahora en común. Más opacidad es una colaboración entre muca-Roma y SOMA, plataforma dedicada a la formación, reflexión y discusión en torno al arte y la cultura contemporáneos a través de su Programa Educativo (PES) orientado a fortalecer el diálogo e interacción entre artistas jóvenes de diferentes nacionalidades y especialistas en distintas disciplinas mediante un modelo horizontal, experimental y autónomo de formación.

La exposición se inaugura el jueves 21 de junio de 2018 a las 19:00 horas y permanecerá abierto al público hasta el 29 de julio del presente año. La entrada es libre y gratuita a la muestra y a todas las actividades.

Sofía Abraham (Puebla, México, 1992), Victoire Barbot (Dreux, Francia, 1988), Joan Bennassar (Palma de Mallorca, España, 1991), Paloma Contreras (CDMX, México, 1991), Andrea Nones Kobiakov (Maracaibo, Venezuela, 1986), Berenice Olmedo (Oaxaca, México, 1987), Bruno Ruíz (CDMX, México, 1990) y Jacobo Zambrano (Caracas, Venezuela, 1991).

Producción nacional de artes visuales realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES) y la Coordinación de Difusión Cultural UNAM.

Todas las imágenes son © MUCA