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Pintura

Memoria pictórica de Janus

Convertir el pasado en arte es la especialidad del creativo conocido como Janus, ya que utiliza la memoria para crear su obra pictórica entre lo abstracto y lo figurativo.

El trabajo artístico de Janus habita en un plano misterioso, una plástica que trasmite alma, emoción y cierta fragilidad, que es posible «tocar» en la textura. Su imaginario personal recorre a lo simbólico y popular de la cultura mexicana. 

Cada pieza proyecta símbolos del subconsciente motivados por su realidad inmediata – el paisaje, los colores, las formas, las plantas, la playa; los animales y todas las cosas- con trazos humanoides, colores y vibraciones que invitan a una realidad interior.

Las imágenes que se perciben en sus obras son abstracción de experiencias: figuras básicas, reales, colores enfatizados que buscan generar movimiento, para sumergir al espectador dentro de su mundo y memoria. 

En su exploración artística y discursiva, Janus ha encontrado, como destellos de flashes en su memoria, el recuerdo de bienes materiales que lo llevan a reflexionar sobre lo que ha consumido a lo largo de su vida y el impacto que estos han generado, por ello ha empezado un proyecto pictórico en el que emplea materiales reciclados que le permitan no sólo crear diversas texturas, si no plantear cuestionamientos sociales.

La obra de Janus ha sido reconocida en certámenes como la Medalla de Plata a las Artes como mejor pintor en el Festival Internacional de Artes Visuales de Los Cabos 2014; en el 2015 obtuvo mención honorífica con la obra Castilla, durante la Séptima Bienal Sudcaliforniana de Artes Visuales Carlos Olachea, en La Paz y la mención honorífica en la bienal Art Olympia 2019 en Japón, que busca descubrir e impulsar artistas de todo el mundo.

Además, en el 2014 participó  en el International Art Exchange France en París y en el 5 ème Chemin des arts & de la Culture Internationale Toutry, Francia; fue seleccionado en la XlX Bienal López Sáenz, en Mazatlán; participó en la exposición colectiva Moving Pictures Art for Change in Nashville U.S.A, entre otras.

Todas las imágenes son © Janus

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Fotografía

Memoria inspira la fotografía de Emil Gataullin

La obra de Emil Gataullin era en gran parte desconocida en el oeste hasta que él sometió algunas fotografías blanco y negro de la vida del pueblo Korolyov, en Rusia al Premio Alfred  2014.

Las fotografías de Gataullin se caracterizan por una poesía tranquila, ligeramente melancólica. Las imágenes son un reflejo de la vida de Emil Gataullin, comenzando con su infancia en un pequeño pueblo más allá de Moscú, donde pasó casi todas sus vacaciones con su abuela y su tío. Sus recuerdos se remontan a experiencias en las que cuidaba ganado, recogía hongos y salía a pescar.

Gataullin describe estos recuerdos como el mejor momento de su vida, que es una frase clave para entender su huida de Moscú, su regreso al pueblo, donde vive con su esposa y su hija en una finca suburbana del período de Jruschov. A través de su cámara, se espolea hacia una comunicación no verbal y presta atención a las personas y cosas que ve.

Todas las imágenes son © Emil Gataullin

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Pintura

Un viaje a la memoria pictórica de Kirsty Templeton Davidge

Al echar un  vistazo al trabajo de Kirsty Templeton Davidge, uno puede pensar que la mujer de Toronto se especializa en fotografía, aunque descubrirá, con cierta sorpresa, que se trata de una talentosa pintora.

«He producido un grupo de pinturas que reflejan la memoria y su imagen posterior. Algunos están inspirados en los recuerdos de la infancia de viajar de ida y vuelta por las autopistas del área de Toronto durante la década de 1970. Siempre avanzando, pero nunca llegando a un lugar cómodo. Al mismo tiempo, estoy pensando en el paso del tiempo; de mi infancia, y la infancia de mis propios hijos, hasta el día de hoy. Continuamente deslizándose a lo largo de estas líneas de tiempo, aparentemente de ida y vuelta, represento los aspectos más tranquilos de la vida que a menudo se olvidan», comparte con respecto a su obra.

Kirsty Templeton Davidge nació en Toronto, Ontario, y ahora vive y trabaja en Edmonton, Alberta. Recibió su licenciatura en Bellas Artes con Distinción en la Universidad de Alberta en 2015 y fue nominada para el BMO 1st Art Prize en pintura.

Todas las imágenes son © Kirsty Templeton Davidge

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Pintura

Fragmentos de la memoria de Marcello Castellani

El artista colombiano Marcello Castellani explora diferentes técnicas en sus obras para finalmente encontrar su propio estilo, aún está entrenando, trabajando con lápiz, acrílicos o ilustración.

Su trabajo como diseñador digital lo ha llevado a explorar la relación entre la fotografía y el pixel. Esta investigación abrió el camino para su primera exposición individual llamada Hilados (Spun), una deconstrucción de imágenes fotográficas en píxeles, que terminó con él derramando pintura sobre el lienzo de manera que parecía hilos, representando todo lo que conecta al artista con su vida y experiencias.

Todas las imágenes son © Marcello Castellani

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Pintura

Memoria explorada por Joshua Flint

Joshua Flint pinta escenas en relación con la forma en que tenemos acceso a viejos recuerdos en nuestra mente, borrando los movimientos y oscureciendo las identidades de los sujetos de sus obras.

Las narrativas visuales no son lineales, sino que crean una mezcla surrealista de paisajes y mundos, obteniendo inspiración de archivos de museos digitalizados, tiendas vintage y medios sociales.

Las pinturas fluctúan entre lo familiar y lo desconocido, al tiempo que incluyen el pasado y el presente», comparte Flint en una descripción de su trabajo. «Al reorganizar la jerarquía de elementos, las pinturas se convierten en ficciones que permiten innumerables interpretaciones. Entre las obras se encuentran referencias a la liminalidad, los problemas ecológicos, la neurociencia, los estados psicológicos y la historia de la pintura, entre otros».

Todas las imágenes son © Joshua Flint

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Pintura

Pensamientos borrosos de Lars Elling

El artista noruego Lars Elling utiliza una combinación inusual de expresión contemporánea con los antiguos métodos de la pintura, su obra se trata de una mezcla única que da una sensación subyacente de capturar algo olvidado.

Elling es un pintor que desafía las percepciones de los espectadores y su capacidad para comprender sus mensajes visuales codificados. Una frialdad de colores pastel manifiesta numerosas sombras sutiles a lo largo de las pinturas. Los elementos inevitables de esta exposición son atmósferas sombrías y un entorno inestable con personajes sin rostro que participan en lo que parecen ser sus propias proyecciones mentales surrealistas.

La narración muy reconocible del lenguaje visual de Elling es la gente sin caras o rostros ocultos y borrosos. Apareciendo a fundirse en sus propios mundos internos, estas figuras inquietantes definen la naturaleza perturbadora de las obras. Todo da una extraña sensación de lo desconocido, pero al mismo tiempo, el espectador sabe algo inquietante está presente. Sus pinturas esconden las identidades de sus personajes detrás de superficies de pinturas manchadas, sosteniendo capas de narraciones dentro de sus aparentes historias inacabadas.

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Todas las imágenes son © Lars Knotterud Elling

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Escultura

Memoria fragmentada según Yuichi Ikehata

El artista Yuichi Ikehata encontró una particular forma de representar la memoria, ese territorio en el que se crean puentes entre la realidad y la ficción, donde los rostros y cuerpos se fragmentan y sólo quedan vestigios.

Hecho con un sentimiento futurista, la serie de Ikehata estudia la naturaleza fragmentaria de nuestra memoria. A partir de formas esculturales de cuerpo humano hechas de alambre, arcilla y papel, luego agrega, de manera digital, partes realistas, como la piel, los ojos, el cabello y las uñas. El artista dice: «Muchas partes de nuestros recuerdos … a menudo se olvidan, o son difíciles de recordar».

Ikehata comparte que muchas partes de nuestros recuerdos, a menudo se olvidan, o son difíciles de recordar. Así que «recupero esos momentos fragmentados y los reconstruyo como imágenes surrealistas. Recojo estos recuerdos extraviados de ciertas partes de nuestra realidad, y juntos crean una historia no lineal, resonando entre ellos en mis fotografías».

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Todas las imágenes son © Yuichi Ikehata

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Pintura

Recuerdos Se Mezclan Con Pensamientos Creativos

Algunos de los temas más complejos de tratar es la mente, ya que aún esconde grandes misterios, por ello es que los artistas en diferentes ocasiones retoman algo relacionado a esto, así las pinturas de Jeremy Miranda tienen como eje principal explicar, al menos para sí mismo, como los recuerdos se mezclan con cosas ajenas y se crean conexiones nuevas.

Mediante sus pinturas Miranda reflexiona acerca de como la memoria se yuxtapone con la imaginación, por lo que en óleos se superponen ambientes interiores y exteriores para crear relaciones inesperadas entre temas dispares, por lo general naturales frente a lo que ha sido creado por el hombre, así que en algunas piezas vemos como el interior del estudio se disuelve con un paisaje en el que vemos un río con, en otra una estantería que lleva al océano, o un horno incandescente se oculta debajo estanque tranquilo.

Recientemente su obra fue exhibida en Nahcotta Gallery de New Hampshire, donde varias de sus obras originales están disponibles actualmente.

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Todas las imágenes son © Jeremy Miranda

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Arte Digital Entrevistas Fotografía

Descubrirse En El Mirar Del Otro Con Jon Jacobsen

Al recordar nuestra vida es algo común verla desde nuestra perspectiva, pero en pocas ocasiones volvemos a la memoria desde el otro, de cómo es que las personas que nos rodearon son parte de lo que somos hoy en día, con esa idea es que Jon Jacobsen se re-construye a sí mismo en su primera exposición Mapas, que estará abierta al público del 22 de Agosto al 4 de septiembre en Galería Sientoxciento, Girardi #1286, Barrio Italia, Santiago de Chile. 

Ya con anterioridad habíamos sido seducidos por el arte de Jacobsen, por lo que quisimos saber más de su trabajo, así como de esta exposición de las que nos comentó que en realidad esta serie de fotografías estaba pensado para ser algo más personal sólo para compartir con su familia con lo que percibió otra manera de hacer autorretrato, ya que descubrió la forma en que otras personas mediante su vida ayudan a crearnos.

Al trabajar en estas series, el artista hizo una revisión de su trabajo, ya que comenta que con anterioridad era muy fino, en cuanto al manejo de color, esto con la finalidad de obtener un realismo mágico; por lo que al comenzar con estos retratos se trato de algo más expresivo, para entender esto hizo una comparativa con la ropa, como cuando vemos un calcetín o un suéter por primera vez, donde todo está muy cuidado, pero que al voltearlo es posible descubrir las costuras.

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El artista ahonda cómo es que el tiempo forma parte esencial de esta serie, debido a que se trata de la memoria de las personas, pero esta visión la conjunta con las nuevas técnicas, por lo que tienen un cierto choque, por lo que comenta se concentra en el pasado y el presente, ya que el futuro son expectativas de nada, así que el tiempo presente fue registrado a partir de la fotografía y el pretérito fue a partir de la ilustración.

Agrega que cada fotografía retrata un pasaje en particular que Jacobsen tuvo con su familiar, por lo que se vuelve también en un trabajo interpretativo,»en el caso de los jóvenes es como serán, así puedo imaginarme cómo será una niña de 12 años en el futuro; así también retrate a la persona más pequeña de la familia, un bebé con quien aún no he tenido ninguna experiencia pero puedo hablar de ese misterio que es ese momento».

Justo ese instante caótico que implica ser un recién nacido donde todo son estímulos visuales agrega se conjunta con otro trabajo titulado El presente, que se trata de unos gifs que tuvieron gran alcance en el mundo, donde trata de plasmar lo caótico del presente donde somos bombardeados, de manera constante, con información del mundo.

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Otra de las imágenes que describe y explica es en la que retrató a una persona que falleció antes de que Jacobsen naciera, por lo que es una pieza más centrada en lo espiritual, por lo que a partir del recuerdo:

Uno al morir no queda ahí y comienza a transformarse en los recuerdos, en la experiencia que tuvo con las personas cercanas, en algún elemento o una pieza, como una flor.

Respecto a la magia que hay entre las personas, destacó que Mapas fue un trabajo interesante, pues él realmente no es tan cercano a su familia, si bien les tiene un cariño puede llevar su vida alejado de casa, por lo que fue una forma de demostrar sus sentimientos y apreció. Así que mientras más fotos tomaba se transformó en un ejercicio en grupo en el que compartió un diálogo y que no es algo común entre ellos.

El tema de lo mágico y lo real que está impregnado en gran parte de su trabajo, ejemplifica mediante la imagen de su abuelo, que es con la que se anuncia la exposición, donde podemos cómo el peine y reloj son simbólicos para la persona, pues existe toda una historia detrás de esos objetos, así que lo fantástico es tangible en el valor que las cosas pueden tomar valor. Lo cual también habla del apego y la forma en que nos conectamos con la vida, mediante cuestiones que podrían ser consideradas banales y toma mayor importancia cuando se repiten estas situaciones a lo largo de nuestro camino.

Compartió que los objetos que tienen gran relevancia para Jon Jacobsen son los aviones, pues están ligados a su infancia, también una flor que era la favorita de su abuela, algo que sin duda tiene un toque de misticismo.

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La técnica de Jon, indica, ha sido impulsada en gran parte por la tecnología y coincidencias, pues comenta que si bien tomaba fotografías con cámara análoga su interés creció con la explosión de internet, pero más que nada por la evolución y la capacidad que tienen para sorprender a las personas. En ese sentido, destacó la manera en que cambia la interacción entre las personas, tan sencillo en la forma en qué se realizó esta entrevista vía webcam.

Me llama la atención la forma con que la fotografía digital ofrece la oportunidad de torcer la realidad, por lo que me he dado cuenta que esta mezcla de lo orgánico y lo tecnológico es una mezcla perfecta para encontrar lo que estoy buscando, lo que me atrae; aún no sé si me moveré de lo digital hacia la pintura, gracias a que esta exposición hizo que cuestionara mis pasiones.

Acerca de su último trabajo comenta que la fotografía comenzó a «ahogarle» por la pulcritud de la imagen, así que decidió jugar con los trazos como si se tratase de una pintura, por lo que no descarta una inmersión, en el futuro, con los cuadros. Además de mencionar cómo las animaciones, por las que fue internacionalmente reconocido, aún tienen ciertas limitaciones por el tamaño y duración, pues el video no le interesa debido a la molestia de todo el proceso que conlleva y con la respuesta de las personas.

En cuanto a sus planes a futuro sólo atisba que en algún momento podría aventurarse a la pintura, aunque reconoce no ser paciente y que es algo que desde pequeño tuvo que iniciar su formación, aunque no lo descarta como un complemento para hacer nuevas creaciones.

Para finalizar invita a todos los que están cerca de Chile a visitar la exposición, ya que su fascinación e interés es compartir lo que hace, lejos de la fama, sino para enseñar la manera en qué percibe al mundo. Así nos despedimos de Jon Jacobsen que nos deja una gran muestra que nos incita a conocerlo de una manera distinta, lo que nos hace reflexionar en cómo somos pero desde la visión del otro.

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